jueves, 7 de octubre de 2021

Reseña de No Time to Die: ¡Adiós, Sr. Bond!


Durante poco más de 15 años y cuatro películas hasta ese momento, Daniel Craig de alguna manera ha encontrado una manera de revolucionar el papel del superespía más famoso del cine, James Bond. Aunque su mandato como el agente 007 se ha caracterizado por un enfoque más valiente del personaje basado en el mercado de las películas de acción de la época (por ejemplo, las películas de Bourne), estas películas han sido un buen rato en las salas de cine. Esto es algo que se aplica tanto a las dos mejores entradas, Casino Royale y Skyfall, como a las menores en Quantum of Solace y Spectre. Su quinta aventura, y la vigésimo quinta del personaje en casi 60 años, No Time to Die, también cae en este patrón y se ubica justo en el medio entre estas películas al comprender qué hizo que las películas anteriores fueran tan buenas, pero cometiendo algunos de los pecados de las dos últimas.

Cinco años después de retirarse a Jamaica, James Bond (Daniel Craig) es contactado por un viejo amigo de la CIA, Felix Leiter (Jeffrey Wright), y para buscar a un científico rebelde (David Dencik). En esta misión, el ex-agente 007 descubre una conspiración que podría tener consecuencias severas para todos los habitantes del planeta. Tratando de llegar al fondo de esto, James consulta a su antiguo némesis Blofeld (Christoph Waltz) mientras trabaja con su novia Madeleine (Léa Seydoux), sus antiguos compañeros M, Q y Moneypenny (Ralph Fiennes, Ben Whishaw y Naomie Harris) y su reemplazo (Lawshana Lynch) para salvar al mundo. Pero el villano Safin (Rami Malek) conoce algunos secretos que Bond aún no ha descubierto.

Lo bueno

El último adiós: Si realmente lo piensas, ningún otro actor que interpretó a James Bond tuvo la oportunidad de despedirse tanto del papel como del público: Connery se fue dos veces porque estaba aburrido del papel, Lazenby renunció rotundamente después de su primera y única película. , Moore era simplemente demasiado mayor para interpretar a Bond, el contrato de Dalton expiró cuando una batalla legal tomó precedente, y Brosnan fue sorprendido por los productores cuando estaban renegociando su contrato al escoger a Craig. Pero aparte de lo que le sucedió a cada actor detrás de escena, nunca supimos realmente que sus películas finales individuales serían en realidad las últimas. Así que entrar en No Time to Die y entender que esta es la última vez que veremos a esta versión del espía en la pantalla grande es agridulce. El actor en realidad encontró un alma detrás de los ojos de Bond en que, si bien todavía es el caballero elegante que las mujeres desean y los hombres desean ser, a Craig se le da la capacidad de ser vulnerable y tomar desprevenido de vez en cuando. En una franquicia en la que la fórmula es el rey (Bond recibe una misión, adquiere artilugios, se acuesta con mujeres hermosas, mata al villano, salva el mundo), es agradable ver el color plano fuera de las líneas con su personaje principal sin dejar de seguir la fórmula. Y es incluso mejor ya que nos despedimos de Bond como es debido. Ahora, sabemos que continuarán haciendo películas de Bond hasta el final de los tiempos. Pero dado cómo termina esta película (y no dejes que nadie te diga cómo termina), surge una nueva pregunta: ¿deberían siquiera seguir haciéndolas?

La cinematografía: Retomando lo que se mencionó sobre no dejar que nadie te cuente como acaba, también te estarías haciendo mal viendo esta película en la comodidad de tu casa. La mejor forma de ver esta película es en la pantalla más grande que puedas encontrar. Esta es una película grande, no solo en el sentido de su duración gigantesca (más sobre eso más adelante), sino en la ambición y el compromiso del director Cary Joji Fukunaga y el director de fotografía Linus Sandgren (La La Land) con el espectáculo de pantalla ancha que normalmente verías en las películas que usan Cinemascope durante la época de los 1950s y 1960s. Usando cámaras IMAX tanto para las escenas de acción como para las tomas de establecimiento, No Time to Die se distingue automáticamente de las películas que se basan únicamente en la pantalla verde para luego ser transpuestas con efectos especiales para casi todo. Ir a lugares reales, como Jamaica, Cuba, Noruega, Londres, entre otros lugares, hace que la película se sienta real y agrega profundidad a lo que estás viendo en la pantalla. Y, en su mayor parte, de eso se tratan las películas de James Bond: transportarte a nuevos lugares alrededor del mundo. Una especie de placer visualmente sensual que uno no suele obtener cuando sale por su puerta. Y después de un año y medio de permanecer principalmente en el interior, las imágenes aquí, como las de Skyfall, son magníficas.

La acción: Aunque Casino Royale sigue siendo la mejor en términos de secuencias de acción durante la era de Craig, esta entrega tiene algunas piezas muy buenas entretejidas, particularmente la escena de los pre-créditos que probablemente sería el sueño húmedo de Vin Diesel. Quizás como reconocimiento a la edad del actor en el momento de filmar (51), el personaje está sujeto a altercados un poco menos físicos, aunque eso no quiere decir que no los haya. Pero lo mejor de todo es que, si bien pueden desafiar las leyes de la física de vez en cuando, nunca las rompe del todo como lo hizo tan descaradamente la última película de Fast & Furious.

Lo malo

La continuidad: Si bien esta era de las películas de Bond se ha diferenciado de las demás por tener una historia continua en lugar de ser una aventura independiente cada vez, Spectre hizo que eso fuera un poco complicado. No solo fue larga, también dependió de que la audiencia recordara muchos detalles que podrían haberse olvidado entre el lanzamiento de cada película. Ahora imagine una brecha de seis años entre el estreno de ese y esta última (contando todos los atrasos debidos a la pandemia) y esperando que la gente recuerde detalles sobre la película anterior, que fue mediocre en el mejor de los casos. No Time to Die no tiene un resumen para ayudar a la audiencia a recordar quiénes son los personajes que regresan y no se detiene para que tengas preguntas. Mi recomendación sería ver un video de YouTube que resuma cada una de sus aventuras hasta ese momento y/o verlas todas de cantazo.  Te prometo que la película no está interesada en explicar lo que sucedió en entregas anteriores, así que haz tu tarea para limitar el intento de ponerte al día con lo que sucede en la pantalla.

El villano: Al igual que el personaje de James Bond tiene una fórmula, sus villanos también suelen tener otra: ser despreciables y tener una deformidad facial (lamentablemente). Pero lo que separa a un villano de Bond mediocre de uno grandioso es su plan para conquistar/destruir/reconstruir el mundo a su imagen, esencialmente jugando a ser dios y siendo un buen complemento para nuestro héroe. Desafortunadamente, Safin cae en la categoría "ok" y aquí es culpa del libreto. Malek hace todo lo posible con lo que se le da, incluso siendo particularmente siniestro con una almohada voladora hasta el punto en que se me heló la sangre durante dicha escena, sin embargo, el guión no usa bien a su villano, ni explica el cómo o el por qué de su plan y, lo que es aún más terrible, cómo no ha envejecido un día en 15-20 años, aunque Malek es cuatro años mayor que Seydoux (una vez que vea la película y empieces a pensar en ella, comprenderás por qué incluyo esto aquí). Malek entiende y ha hecho una carrera interpretando a tipos raros, pero es él quien eleva el papel y no las acciones de su personaje.

Lo larga que es: Hay mucho y hay en exceso. Avengers: Endgame es larga pero se mueve a un ritmo rápido con un tiempo de ejecución de tres horas. Por otro lado, sientes cada minuto de los 163 minutos de No Time to Die porque a veces se mueve a la velocidad de una tortuga. Esta película fácilmente podría haber cortado unos buenos 15 minutos y habría demostrado ser igualmente efectiva moviéndose mucho más rápido. Así que ya lo sabes: no compres un refresco grande si vas a ver esta película. Si lo haces, y está muy emocionad@ de verla, es posible que debas aguantarte hasta el final o ir al baño a la mitad.

Aunque puede ser un poco larga y depender demasiado de la continuidad por su propio bien, No Time to Die es el tipo de película para la que vas al cine. Sus extensas secuencias de acción, magníficas tomas y grandes personajes compensan varios defectos que puede tener. Pero aún más, también es una excelente manera de encontrar un cierre a esta era de películas de Bond. Aunque todos los actores han dejado un sello durante su mandato como superespía, Craig obtuvo algo que ninguno de ellos (ni siquiera Connery) llego a tener: un principio, un medio y un final definido. Claro, habrá un nuevo Bond en los próximos años, pero esta película, al igual que cuando Casino Royale reinventó el personaje para una nueva generación de fanáticos, presenta un desafío único en cuanto a cómo los cineastas abordarán esta franquicia histórica. Pero por ahora, todo lo que tenemos que hacer es levantar nuestros martinis y decir "¡Adiós, Sr. Bond!".

Rating: B+

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viernes, 1 de octubre de 2021

Reseña de Venom - Let There Be Carnage: Una víctima de sus propias expectativas

New Venom Posters Unleash All The Carnage! - Future of the Force

Venom del 2018 no es exactamente la mejor película de superhéroes. Es desordenado, sus efectos especiales varían en calidad, el primer acto acaba de arrastrar de todas las formas posibles, villanos terribles, pelucas aún peores, entre otras cosas. Pero dado todo esto, la gente todavía se sentía apegada al personaje de Eddie Brock y Venom y abrazaron los aspectos más extraños de la película hasta llegar a ser una éxito en la taquilla sin Spider-Man, que era algo en lo que muchos pensaron que nunca sucedería en ese momento dada la relación intrínseca entre los tres personajes. Sony Pictures ahora ha duplicado esta fórmula para llevar Venom: Let There Be Carnage a la pantalla grande y definitivamente es una mejora con respecto a la primera entrega... aunque completamente olvidable para cuando llegue a su automóvil (excepto por una escena particular).

Eddie Brock (Tom Hardy) pasa sus días principalmente tratando de satisfacer el hambre interminable de Venom (también Hardy). El reportero acepta a medias la tarea de entrevistar a Cletus Cassidy (Harrelson), un asesino que está a punto de ser ejecutado. Sin embargo, esa visita resulta desastrosa, ya que un altercado le permite a Cletus obtener un poco de la sangre de Eddie, transformándolo en Carnage. Cletus/Carnage procede a escapar y emprender una juerga de destrucción, todo mientras busca a su amor perdido, Frances/Shriek (Naomie Harris), quien pasó tiempo con él en una institución. Naturalmente, solo Eddie/Venom podrán proteger la ciudad y a sus seres queridos de la viciosa pareja. 

Lo bueno

Sabe exactamente lo que es: Además de lo mencionado anteriormente, la película comprende lo que quiere hacer y cómo hacerlo. Si bien la primera película tiene una crisis de identidad dividida por la mitad, la mitad es muy seria y la otra mitad se convierte en una rutina de comedia, el director Andy Serkis (a quien también recordarás como el actor que interpretó a Gollum en Lord of the Rings, King Kong y Ceasar en las últimas películas de Planet of the Apes) apuesta por lo que funcionó en la película anterior (la relación Eddie/Venom, la comedia y una clasificación PG-13 que raya en ser R). Al hacer esto, se convirtió en una experiencia más placentera para aquellos a los que no les gustó la primera.

Más delgada en duración: Algo que es increíblemente deslumbrante de esta película es que apenas dura más de 80 minutos sin contar los créditos. En una época en la que películas de este tipo duran más de dos horas y quince minutos fácil y que eso se considera "corto", el tiempo de ejecución de Let There Be Carnage es un soplo de aire fresco. Sí, a veces puede parecer que hay escenas que se quedaron en el piso de la sala de montaje, pero se siente ordenado con (casi) todas las historias obteniendo un pequeño arco para cerrarlas antes de que comiencen a rodar los créditos.

Natural Born Killers - Part 2Si la actuación de Woody Harrelson se remonta a su papel de Natural Born Killers del 1994, es porque está en la misma línea sin el simbionte rojo y un guión no hecho por Oliver Stone. El objetivo principal de Cletus, además de tener una juerga homicida, es reunirse con su amor, Shriek. Y juntos, Harrelson y Harris se divierten mucho interpretando a dos asesinos desquiciados con personalidades carismáticas. Ambos se sienten como una amenaza cada vez que están en la pantalla y la película definitivamente se beneficia de esto de manera significativa, ya que nunca es aburrido cuando aparecen en el encuadre. ¿Que si esta película se beneficiaría de tener una calificación R y tener a estos dos personajes completamente desatados? Si y no. Sí, porque habría sido una locura ver lo que podrían haber hecho con ellos. Y no, porque aunque no hay salpicaduras de sangre en las paredes, Let There Be Carnage se sale con la suya con un par de asesinatos que lo llevan al borde de una película más para adultos sin alienar a los niños que pueden ir a ver la película.

El after-creditSin entrar en detalles, esto es definitivamente la mejor parte de la película y hará a muchos fans muy felices. Los dejo con eso. 

Lo malo

Problemas visuales: Como el resto de la película apuesta por lo que funcionó en la primera película, también trae consigo uno de los principales problemas que tuvo la primera: dos líquidos sensibles peleando y mirándolo mal. Entender que Carnage es un gran villano (si no el más grande) en los cómics de Venom, regresar y hacer que el personaje principal luche contra otro monstruo en su secuela es algo decepcionante, especialmente cuando no han descubierto cómo hacer estas peleas verse efectivas todavía. La pelea final se reduce a escaramuzas entre la sustancia pegajosa que nunca deja que la audiencia sepa quién está ganando, quién hizo el mayor daño y cómo está teniendo un efecto en su entorno.

El peso de las expectativas: cuando la mejor parte de su película está fuera del tiempo de ejecución principal, sabe que está tratando de llevar una película en la espalda con las rodillas débiles. Si bien aprecio muchas de las cosas mencionadas anteriormente, Let There Be Carnage sufre bajo el peso de las expectativas una vez que todos los elementos finalmente se mezclan. Es genial concentrarse en la relación Eddie/Venom, pero gran parte de la película se centra solo en esto. Es fantástico ver a Harrelson divirtiéndose tanto como el asesino Cletus y obteniendo algo de historia, pero su simbionte es apenas un personaje de la película. Y cuando ves a Carnage enloquecer, es genial, pero no puedes verlo interactuando con Venom hasta el final de la película. Tener una película más corta tiene sus beneficios, pero para algunas partes de esta película se siente un poco decepcionante, ya que tienen que sacrificar gran parte de lo que muchas personas querían. Cuando comparas otras películas en las que el título es esencialmente un "evento principal" en el título (Godzilla vs. Kong, Batman v. Superman, Captain America: Civil War, por nombrar algunas), hay una cierta importancia en tener los personajes principales interactuar un par de veces para mostrar que se está gestando algún tipo de tensión. Venom vs. Carnage es algo que simplemente... sucede, y no beneficia a la película en absoluto.

Lo feo

No convertirá a nadie: El que la película sepa a quién le está hablando es de gran ventaja, pero también hace que la inversa sea correcta. Esto es una película que parece ser dedicada a los fans de la primera y ellos solamente. Y eso no es nada malo. Sin embargo, cuando arrancaste con la primera con el pie izquierdo con algunas personas amantes del género, es también importante decir que todos están invitados a ver esta, ya sea que disfrutaste la primera o no porque se deshicieron de gran parte de los errores de la primera. Así que si te gustó la primera, te va a gustar esta. De no ser así, ahorrase el dinero.

Como ya pueden ver, mi reacción hacia Venom: Let There Be Carnage es bastante mixta. Hay ciertos beneficios de esta película que también la entorpecen en ocasiones, convirtiéndola en víctima de sus propias expectativas. La película establece un futuro emocionante para su personaje principal, pero cuando eso es lo que probablemente se mencionará más que la película en sí, la franquicia de Venom puede tener un poco de problemas a largo plazo. Tal vez algún día obtengamos una película de este personaje adecuada que todos disfrutarán de los pies a la cabeza. Desafortunadamente, esta película no ha alcanza ese objetivo.

Rating: C

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jueves, 2 de septiembre de 2021

Reseña de Shang-Chi: Su leyenda comienza

Marvel's Shang-Chi Gets New Poster, New Feature – . | FR24 News English

A diferencia de muchas franquicias con un solo concepto (piense en Fast & Furious, James Bond, Star Wars), el Marvel Cinematic Universe ha saltado alrededor de muchos géneros, como películas de atracos, thrillers políticos, ciencia ficción, fantasía y otros, a medida que continúan. expandir. Pero incluso esas películas continuaron sirviendo a Infinity Saga en general, lo que condujo a Avengers: Endgame. Incluso Spider-Man: Far From Home y Black Widow sirven como epílogo y coda de la saga general en ese momento. Shang-Chi and the Legend of the Ten Rings es oficialmente la primera película que se cuenta fuera de esa parte de la mega-franquicia donde no hay nada de ese bagaje, trayendo consigo un ángulo de artes marciales para expandir aún más los tipos de películas que está sacando Marvel. Y, en su mayor parte, esta película tiene éxito al anunciar una nueva era de narración dentro del MCU.

El valet de autos Shaun (Simu Liu) y su mejor amiga Katy (Awkwafina) viven sus vidas muy despreocupados pasando el rato y cuidándose el uno al otro. Pero lo que Katy no sabe es que Shaun no le está contando todo sobre su vida, su pasado, quién es realmente su padre (Tony Leung) o por qué se mudó a California. Sin embargo, el pasado de Shaun, cuyo nombre real es Shang-Chi, finalmente lo alcanza en una violenta reunión familiar. Su padre, el líder de una famosa organización terrorista, intenta reclutar al ex asesino entrenado y a su hermana Xialing (Meng’er Zhang) para que lo ayuden a conquistar un pueblo mágico pero escondido, impulsado por el dolor y la venganza.

Lo bueno

Un asunto de familia: Si bien podemos hablar sobre cómo las escenas de acción son un punto culminante en esta película, y se discutirán más adelante en esta revisión, también es importante reconocer el núcleo de la historia en cuestión. Lo que tiendo a amar de las películas de Marvel que las películas de DC no suelen hacer, salvo Shazam, es que cuando profundizas, ves que su núcleo es bastante simple: la condición humana. La primera película de Iron Man trata sobre un hombre que enmienda sus errores, la primera película de Thor trata sobre dos hermanos que buscan la aprobación de su padre, Black Panther sigue a un hombre que intenta equilibrar el legado, la tradición y la innovación, y Avengers: Endgame sigue a nuestros héroes lidiando con el fracaso que sufrieron en Infinity War. Pero cuando te adentras en el meollo de Shang-Chi, ves que esta película trata principalmente sobre una familia rota y sobre los miembros que componen dicha familia tratando de reparar las relaciones a su manera o simplemente negando de dónde vienen. Es muy fácil dejarse llevar por el espectáculo de todo esto, pero tener esta tensión entre nuestro protagonista y su padre hace que todas las escenas fantásticas se sientan más arraigadas.

Tony Leung: Esta película está repleta de actuaciones coloridos en el camino, con una actuación carismática de Liu, la divertida Awkwafina como el avatar de la audiencia en este nuevo rincón del MCU, e incluso alguien cuya presencia antes de esta película podría considerarse mixta en el mejor de los casos, pero su actuación ahora puede dar un contexto extra y una gravedad real a su aparición anterior en este universo. Y entonces está Tony Leung que simplemente se roba el show. En comparación con otros villanos de Marvel que están motivados por la venganza, el poder y/o la gloria, Wenwu está principalmente motivado por la pérdida. El legendario actor de Hong Kong retrata al personaje como alguien que definitivamente es capaz de dar y recibir amor, pero aún más capaz de hacer cosas imperdonables ya que está desesperado por controlar todo y a todos a su alrededor, incluyendo sus propios hijos. Esto lo convierte no solo en una figura trágica, sino también en una presencia aterradora como antagonista a lo largo de la película, lo que contrarresta el tono divertido de la película. Tener a Leung en este papel fue un golpe de genialidad. Y aunque desearía poder ir más allá sobre por qué Leung es una de las mejores cosas de la película, pero hacer eso te privaría de ver una actuación fantástica y de que la película se eche a perder en general. Solo debes saber que Leung vale la pena el precio de la entrada.

Artes marciales: En un universo cinematográfico lleno de escenas de acción generadas por computadora, es realmente refrescante ver muchas coreografías mano a mano. Shang-Chi está claramente inspirado en muchas películas de artes marciales. Desde el estilo de lucha de Bruce Lee de ser como el agua, hasta el trabajo de alambre de Crouching Tiger, Hidden Dragon, hasta la coreografía de Jackie Chan de "todo lo que me rodea es un arma", la película claramente tiene mucho de reverencia. Pero incluso más de lo que vemos en la pantalla, también tienen en cuenta cómo filmar esas escenas. Esas películas no tenían la misma escena con 15 cortes. Mantuvieron la cámara en lo que sea que esté sucediendo para que comprendamos que los actores (en su mayoría) están haciendo todo; cada puñetazo, patada, estrangulamiento y acrobacia. Esta fue una idea fantástica del director Creston para hacerlo de esta manera, ya que esta película tiene algunas de las mejores escenas de lucha en el MCU desde Captain America: The Winter Soldier... y tal vez incluso mejores que las de esa película.

La estética: Si por alguna razón empiezas a entrar y salir de la historia, te reto a que no mires todos los rincones del encuadre. El director de fotografía Bill Pope, de The Matrix y Baby Driver, filma secuencias de acción increíbles, pero también es digno de admirar por su uso del color ya que eso le da vida a cada cuadro, a diferencia de muchas otras películas en el MCU que se ven muy grises para permanecer en algún tipo de realismo. Pero su trabajo también cuenta con el espectacular vestuario de Kym Barrett (quien también trabajó en The Matrix) y el diseño de producción de Sue Chan (Gone Girl) y Clint Wallace (Black Widow y John Wick). Al igual que Black Panther, todo lo que se encuentra en la periferia del marco vale mucho la pena mirarlo y admirarlo, ya que todo se fusiona y brinda una mejor experiencia en general.

Lo malo

La segunda mitad: La primera mitad de esta película es particularmente grandiosa, ya que la película no es prisionera de lo que sucedió en las otras películas de Marvel, aparte de una referencia de Endgame sobre la ansiedad posterior al 'blip' (que es esencialmente lo que atravesó la audiencia por un año entero después de que la mitad de los héroes fueron eliminados de existencia en Infinity War). Pero una vez que la historia cambia a la segunda mitad y Shang-Chi tiene que aceptar el llamado y enfrentar a su padre, la película de 132 minutos se adhiere a una lista de verificación de estereotipos que tienden tener estas películas, sin el rayo del cielo. Ya sea un portal que transporta a un ejército a través de él, efectos especiales grandilocuente después de muchas acrobacias prácticas, un personaje sabio que empuja a nuestro héroe a aceptar su destino, o una mala gestión de otros personajes (más sobre eso más adelante), la película se le sale de la mano a Creston ya que él, director de películas más pequeñas como Short Term 12 y Just Mercy, está realmente en sintonía cuando la película es mucho más personal que cuando dos ejércitos se enfrentan entre sí. 

El olvido de personajes: "¿Tienes una hermana?" es una pregunta legítima que Katy le hace a Shang-Chi una vez que comienza a revelarle su pasado. Y si no fuera porque le dieron mucha importancia a él yendo en una misión para encontrarla, el personaje de Xialing podría haber sido eliminado por completo de la película y muchas de sus escenas sucedieron exactamente igual. Este guión, escrito por Cretton, su socio de co-escritura de Just Mercy, Andrew Lanham, y David Callaham (Mortal Kombat, Wonder Woman 1984), tiene el problema de construir personajes como Xialing y simplemente olvidarse de usarlos de manera efectiva a lo largo de la película porque tiene para centrarse en otras cosas. Xialing en realidad tiene una historia de fondo y dinámica con su hermano y su padre muy interesante. ¿Por qué no la hicieron  una parte más importante dentro de esa historia? Simplemente aturde la mente. Pero no se detiene aquí. Florian Munteanu, quien en realidad fue bastante bueno como el hijo de Ivan Drago en Creed II dado que era su primera película después de una carrera en el boxeo, recibe una gran introducción como Razor Fist durante la escena del autobús que vemos en los trailers y el guión simplemente lo hace desvanecer en el fondo hasta la batalla del tercer acto cuando esencialmente dice "¡Oh, cierto! Tenemos este personaje para usar y/o darle líneas". Y luego está el personaje de Death Dealer, quien en el tráiler parece que iba a ser el personaje principal de la película solo con su disfraz. A través de flashbacks, ves que entrena a Shang-Chi cuando era niño a través del dolor y la resistencia física y mental. Uno pensaría, dado esto, que Shang-Chi querría un poco de venganza por todo lo que tuvo que soportar a manos de Death Dealer. Pero aparte de una gran escena en la torre de Macao, este personaje es apenas un pensamiento. Puedo vivir con la lista de verificación mencionada anteriormente; simplemente es lo que es. Sin embargo, esto es algo que realmente me molestó mientras sigo pensando en la película. Entender que hacer películas es un acto de malabarismo y un pequeño milagro para completar dadas todas las variables, es un milagro aún mayor hacer una buena película. Y no me malinterpreten, Shang-Chi es una película muy, muy buena, pero para llevarla al siguiente nivel necesitaba coherencia con sus personajes o simplemente eliminarlos de ella.

Aunque la película está envuelta en la tela familiar que es el Universo Cinematográfico de Marvel, Shang-Chi and the Legend of the Ten Rings tiene una personalidad propia que la hace destacar entre todas las demás películas y programas de esta franquicia. La película no solo profundiza un poco más en el núcleo de la historia, sino que también tiene grandes personajes que se combinarán a la perfección con todos los demás Avengers (que aún siguen vivos) y es un placer visual dada la forma en que se filma, sus secuencias de acción. y la estética que lo rodea. Dado que hay dos escenas posteriores a los créditos, no es de extrañar que esta no sea la última vez que veremos a Shang-Chi. Si continúan usando la narración efectiva en otras películas, seguramente puedes apostar que su leyenda apenas ha comenzado.

Rating: A-

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viernes, 30 de julio de 2021

Reseña de Jungle Cruise: A disfrutar el viaje

Nada suele sorprender más al público cinematográfico que una mala idea convertida en una buena película. Ya sea que se trate de bloques de construcción de plástico que cobran vida, un anciano y su casa voladora levitada por globos, o un mapache intergaláctico parlante y su mejor amigo, un árbol que solo habla tres palabras, las malas ideas que tienen éxito tienden a permanecer en el cerebro de las audiencias durante mucho más tiempo (no es un hecho científico, solo lo que he percibido a lo largo de los años). Uno de los mejores ejemplos de esto fue hace casi 20 años cuando Disney miró alrededor de sus parques temáticos y decidió adaptar Pirates of the Caribbean a la pantalla grande como un blockbuster de verano. En general, una idea terrible, pero encontraron oro cuando Pirates se convirtió en un éxito mundial y, para bien o para mal, generó cuatro secuelas. Con esta idea surgió un nuevo conjunto de malas ideas, ya que las adaptaciones de The Haunted Mansion, Tomorrowland y The Country Bears debutaron y desaparecieron con la misma rapidez. Esta semana, su quinto intento de adaptar una de sus atracciones a la pantalla grande ha comenzado su viaje inaugural en Jungle Cruise y, en general, es una película divertida para toda la familia.

Ambientada durante la Primera Guerra Mundial, el capitán Frank Wolff (Dwayne Johnson) transporta a la científica británica Dra. Lily Houghton (Emily Blunt) y a su hermano McGregor (Jack Whitehall) a las profundidades de la jungla mediante su bote para encontrar el legendario Árbol de la Vida, cuyas hojas se cree tener poderes curativos que podrían beneficiar a la medicina moderna. Al mismo tiempo, el trío debe desafiar a los misteriosos habitantes de la jungla, que incluyen flora y fauna letales, caníbales y conquistadores malditos, así como una expedición rival, dirigida por el carismático y ambicioso Príncipe Joachim (Jesse Plemons) que quiere para usar el Árbol de la Vida para ganar la guerra.

Lo bueno

Johnson y Blunt: Di lo que quieras de Dwayne Johnson (está en demasiadas películas al año, no es el mejor actor, siempre se interpreta a sí mismo, etc.), pero no puedes negar que es una estrella de cine que rezuma carisma. Pero este hace algo diferente en esta película en el sentido de que no interpreta su típico papel arquetípico de "Soy The Rock y esto es todo lo que obtendrás". Frank, aunque honesto y los dad jokes son legendariamente malos, es un poco más relajado en términos de moral personal y siempre les dice a los hermanos que no deben confiar en él. Y mientras que otras películas tienden a ignorar los rasgos de los personajes de vez en cuando, la película continúa con esto una y otra vez mientras muestra por qué deben entender que puede engañarlos a lo largo de su aventura. Pero para este tipo de película de aventuras, necesitas un actor que coincida con nuestro héroe en términos de ego e inteligencia y consiguieron a la fenomenal Emily Blunt para hacer esto. Esta hace lo que muchas mujeres que coprotagonizan con The Rock no suelen hacer (salvo Karen Gillan en las películas de Jumanji): hacer un buen contraste para Johnson durante todo el tiempo de ejecución sin dejar que su combinación de tamaño y presencia la abrume. Su química natural hace que esta película valga la pena e, incluso cuando están en desacuerdo, su conexión se siente en todo momento, lo que vale el precio de la entrada solo.

Jesse Plemons: Si hay un actor que sabe al 100% en qué tipo de película está, es Jesse Plemons. Interpretando al mortífero aristócrata alemán, Plemons decide asumir su papel de villano con un regocijo delicioso solo por ser poco convencional y, al mismo tiempo, amenazador para nuestros héroes. Está comprometido con las excentricidades del personaje que, aunque a veces pueden ser percibidas más como molestas que cobardes, no puedes permitirte no desarmarte por él. Ya sea en papeles más dramáticos como en Breaking Bad o papeles más cómicos como en Game Night, Plemons es honestamente uno de los mejores "character actors" que tenemos en este momento.

Alusiones: Es difícil adaptarse directamente a una atracción de un parque temático como lo es The Jungle Cruise. No solo fue diseñado y construido en la década de los 1950s, sino que incluye algunas cosas que, honestamente, están fuera de contacto con el momento en el que nos encontramos como civilización. Lo que el director Jaume Collet-Serra y su grupo de guionistas hacen de manera brillante es tomar la premisa básica de la atracción (un paseo en bote por la jungla) y sus momentos más memorables (los dad jokes, algunos de los animales y "La parte trasera del agua") y los coloca en los primeros veinte minutos de tiempo de duración. El resto de la película es más una reverencia a las películas de aventuras que inspiraron tanto la atracción como la película en sí: ya sea The African Queen, las películas de Indiana Jones, Romancing the Stone y The Mummy de 1999. El director español combina de manera asombrosa todo de estos tonos dispares y lo convierte en una película de aventuras efectiva y todo lo que incluye (búsqueda de tesoros, rivalidades, rastreros espeluznantes, algunas escenas de miedo aquí y allá) con un poco del encanto de Disney para asegurarse de que incluso los niños puedan verlo.

Lo malo

Los efectos especiales: Al igual que el vehículo titular, el CGI podría haber usado una nueva capa de pintura. Si bien también se inspiran en las películas de Pirates en términos de villanos generados por computadora, a veces se siente que los conquistadores no muertos no están en el mismo plano que todos los demás actores y se agregaron al frame de una manera muy apresurada y sin éxito como si hubieran dejado esos efectos para el final. Pero este tema se expande varias veces a la propia expedición principal. Si bien el diseño de producción de lo que realmente rodea a los actores se siente emocionante, antiguo y vivido, hay partes en las que claramente se siente como si hubieran grabado dentro de un escenario. Esto puede no ser necesariamente perceptible cuando miras directamente a los actores, pero cuando miras alrededor del encuadre donde no parece que la película expanda más su configuración y que hay green-screen a pocos pies de Johnson, Blunt, Whitehall y/o cualquier persona que actúe con ellos. A veces, más simple significa mejor, y al no ser tan sobrecargado como Disney permitió que las secuelas de piratas se volvieran en términos de efectos especiales, esta película podría haberse beneficiado de navegar por el Amazonas.

McGregor como personaje: Cuando se trata de la actuación de McGregor, Whitehall está más que preparado para la tarea y, si no fuera por la mera razón de que es la misma película que el excéntrico Plemons aparece, se habría robado la película a ciegas, especialmente durante una escena sincera que tiene con Johnson a mitad de la película. El problema es que cuando llegas a esa escena en particular y comienzas a recordar todo lo que sucedió antes, comienzas a ver muchos problemas en la cadena con la forma en que se escribió el personaje hasta ese momento. A parte de tener una segunda mitad en general un poco desordenada, el equipo de guionistas de Michael Green (Logan), Glenn Ficarra y John Requa (ambos escritores/directores de Focus) le hacen un flaco servicio al personaje, ya que se apoyan en el cliché para tratar de explicar por qué no es tan aventurero como su hermana o lo que la sociedad quería él sea. Y aunque tiene un arco de personajes completo a lo largo de la película, es lamentable ver que todavía tenemos que lidiar con algunos "rasgos de carácter" que están pasaditos de moda y no reflejan a toda una comunidad.

Aunque la película se tropieza un poco en ciertos aspectos mencionados anteriormente, me sorprendió lo mucho que me gustó Jungle Cruise. Es una película con actores que tienen una excelente química entre ellos, es alegre, emocionante y nunca le habla a la audiencia con desdén como lo han hecho otras películas que estrenaron este año. Y aunque puede que no llegue a las alturas de las películas de aventuras que venera, sin duda es una adición bienvenida al género aunque solo sea para matar el tiempo ó para quitarte a los nenes de encima por dos horas. Solo asegúrese de estar cómodo con su(s) ser querido(s), un bolsa de popcorn en mano y disfrutar del viaje.

Rating: B

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miércoles, 28 de julio de 2021

Reseña de The Suicide Squad: Hiperviolenta, sangrienta e hilarante

 

Si hay algo que la mayoría de los fanáticos de las películas de cómics pueden estar de acuerdo es que Suicide Squad de David Ayer es más que una decepción; es un lío incoherente de una película. Desde su edición entrecortada, al estilo de un video musical, hasta su interminable introducción de sus personajes, su uso exagerado de la música y su terrible villano, la película original sobrevivió gracias a la camaradería de su elenco principal cada vez que se les dio el oportunidad. Cinco años después, Warner Bros y DC Comics van a ir a la mina nuevamente para salvar esta franquicia de los desamparados con la ayuda de James Gunn, a quien él mismo ayudó a desarrollar otra franquicia de los desamparados en uno de los productos principales de Marvel Studios, Guardians of the Galaxy. Lo que obtenemos en The Suicide Squad de Gunn (tenga en cuenta que la única diferencia entre el título original y este es solo un simple "The") es una película deliciosamente ambiciosa que definitivamente es una mejora con respecto a la primera... por default.

Bienvenidos una vez más al infierno, también conocido como Belle Reve, la prisión con la tasa de mortalidad más alta del universo de DC Comics, donde se guardan los peores supervillanos y donde estos harán cualquier cosa para escapar, incluso unirse a la grupo supersecreto, Task Force X. Como directora del programa, Amanda Waller (Viola Davis) y su mano derecha, el coronel Rick Flagg (Joel Kinnaman), reúnen una serie de villanos, incluyendo a Bloodsport (Idris Elba), Peacemaker (John Cena), Ratcatcher 2 (Daniela Melchior), King Shark (la voz de Sylvester Stallone), Polka-Dot Man (Damian Dastmastalchian) y la payasa psicótica preferida de todos, Harley Quinn (Margot Robbie) y dejarlos (literalmente) en la remota isla de Corto Maltés, infundida de enemigos, donde han comenzado a surgir problemas geopolíticos.

Lo bueno

Una película competente: Hacer una película es difícil. Hacer una buena película es aún más difícil. No culpo a Warner Bros o DC por intentar hacer la primera película lo mejor posible con el material que tenían en la mano. A lo que sí le echo la culpa es a ellos reaccionar tan severamente una y otra vez a lo que estaba haciendo su competencia en lugar de enfocarse en contar una buena historia, que es lo que sucedió principalmente con la película de David Ayers. La gente reaccionó positivamente a los dos avances fantásticos (uno lanzado en Comic Con un año antes del lanzamiento y el otro con Bohemian Rhapsody cosido), por lo que contrataron a los editores del avance para terminar la película, lo que resultó en el basura que obtuvimos sin un buen storyline ni desarrollo de personajes. Al tener a su editor de Guardians, Fred Raskin, y a Christian Wagner (Fast Five, Furious 7), trabajando en esta película, parece que James Gunn no tuvo más remedio que escribir y dirigir una película competente con no solo escenas divertidas entretejidas, pero también personajes por los que te preocupas tanto que quieres que sobrevivan hasta los créditos (más sobre esto más adelante). Se sentía como si tuviera una estructura de tres partes con ethos y pathos. Y sé que esta parte de la reseña suena como si estuviera pidiendo lo mínimo, pero eso es algo que todo aficionado al cine debería pedir: que el cineasta cuente la historia que quiere contar, sin importar si es vanguardista. garde o predecible, de una manera que sea digerible y competente para su audiencia. De esta manera, The Suicide Squad es una ganadora sobre la primera película.

El escuadrón: Otra cosa que coloca a esta película sobre la película original es su elenco. Esta ecléctica banda de personajes hace que el guión de Gunn destaque, ya que cada uno de ellos está perfectamente representado por su respectivo actor. La cara más reconocible de este escuadrón, Harley Quinn, se sirve bien en esta película, no solo demostrando lo eficiente que es físicamente, sino también por lo mucho que ha crecido desde Birds of Prey la convirtió en el personaje más consistente. desde su primera aparición en el 2016. Pero el corazón de la película pertenece a Bloodsport y Ratcatcher 2, ya que traen un vínculo padre / hija a la pantalla que en realidad es bastante conmovedor y fundamenta toda la película mientras ocurren situaciones ridículas a su alrededor. Una vez que te expandes aún más en el resto del equipo principal, el pacificador ultranacionalista de John Cena es gracioso (y mejor que lo que sea que le hicieron hacer en F9), Damian Dastmalchian es a la vez deliciosamente psicótico y trágico, y Jesucristo, necesito más King Shark en mi vida. Honestamente, es lo más entretenido de esta película y ahora no puedo imaginar una película de Suicide Squad sin la voz de este personaje de Sylvester Stallone. Lo mejor también es que Gunn no olvida que tiene talento de sobra con la vieja guardia representada tanto en Waller como en Flagg, y tanto Davis como Kinnaman se utilizan perfectamente a lo largo de la película. De hecho, esta película me mostró que en realidad me importaba más de lo que pensaba el personaje de Flagg después de la primera en la que era solo una máquina de exposición para ayudar al público a comprender lo que estaba sucediendo ... y fallando espectacularmente (nuevamente, fue eso culpa del guión y la edición de la película, no del actor). Y aunque muchos otros también se usaron con moderación, Gunn les dio lo suficiente para hacerlos memorables durante su tiempo en la pantalla.

Violentamente R: Si hay algo que esta película te promete en sus primeros 15 minutos, es esto: no te apegues a ningún personaje, porque es posible que no supere los créditos. Inspirándose claramente en películas como The Dirty Dozen, Platoon y Kelly's Heroes, esta película se siente, en su mayor parte, menos como una película de superhéroes y más como una guerra épica de tropas que cruzan las líneas enemigas para conseguir un determinado objeto, pero con las sensibilidades irreverentes de James Gunn. Entonces, cuando la sangre y las tripas comienzan a salpicar, salpican por todas partes. El caos y el orden se ponen a prueba durante el tiempo de ejecución de la película, ya que los personajes se seleccionan uno por uno cuando menos lo esperas o incluso cuando empiezas a preocuparte un poco más por ellos. ¡Y qué hermosas muertes tienen! Si usted es un padre, conoce a su hijo más que nadie, así que comprenda que esta película no tiene fin y que su hijo, o usted, puede o no tener el estómago para este tipo de película.

Lo malo

Carte blancheUna cosa de la que ciertamente no puedo responder es cuando un creador tiene el control total de sus proyectos, y esto parece ser una preocupación creciente entre las películas de Gunn. Al igual que la secuela de Guardians of the Galaxy, esta película parece que le dejaron hacer lo que quiere y como él quiere hacerlo sin restricciones. Al igual que la práctica de deportes, la realización de películas no es un trabajo de una sola persona, aunque pueda parecerlo. Entonces, cuando a Gunn se le da carta blanca para hacer lo que quiera, esa situación de caos y orden que quiere llevar a la pantalla tiende a inclinarse un poco más hacia el caos, lo que tiende a significar que el exceso se introduce en los procedimientos. Si hubiera alguien que le dijera que no a un par de ideas (la película es demasiado larga, por qué tomar ciertas medidas como no usar personajes por largo rato, hay alguna forma de no incluir todos los chistes que escribiste en la película, etc.), esta película habría sido fantástico.

Los ciudadanos de Corto Maltés: Se necesitan personajes suplementarios para explicar la situación sobre el terreno de nuestros personajes principales. Pero pensarías que serían más integrales en la trama considerando que (más o menos) se unen a ellos a mitad de la película. Desafortunadamente, tanto los ciudadanos heroicos como los villanos de Corto Maltés son una ocurrencia tardía en esta película porque la película se centra principalmente en el elenco principal (y con razón). Esto nuevamente me recuerda a Guardians Vol. 2 con The Sovereign en el sentido de que se les da importancia al comienzo de la película y simplemente desaparecen por 75% de la duración hasta el final.

Aunque tiene problemas si realmente quieres verlo, The Suicide Squad es una montaña rusa de diversión y una gran adición a las películas de DCEU que resonará tanto con los fanáticos actuales como con los futuros conversos al pararse sobre sus propios dos pies mientras también reconociendo lo que vino antes y preparando futuras aventuras con los que quedan. Con un diálogo veloz y una acción sangrienta, esta película rezuma un carisma que solo James Gunn puede aportar a una película (de nuevo, para bien o para mal). Aunque el primero es terrible, este es un éxito seguro, delicioso y peligroso.

Rating: B+

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viernes, 23 de julio de 2021

Reseña de Snake Eyes: Acción ininteligible

Las películas de acción son bestias curiosas en sí mismas. No solo tienes que realizar todas las acrobacias físicas para darle a la audiencia la emoción que buscan cuando van a ver este tipo de películas, sino que también tienen que basarse en el desarrollo de personajes que se ha establecido a lo largo de la duración de la película. E incluso cuando eso es una ocurrencia tardía, la forma en que se filman y editan algunas de estas escenas puede hacer o deshacer una película, ya que tienden a compensar, y a veces compensar en exceso, algunas de las fallas que una película puede tener. Obviamente, cuando te aseguras de que todas estas cosas estén bien mezcladas, tiendes a obtener una gran película de acción. Sin embargo, la precuela de G.I. Joe, Snake Eyes, decide descartar la mayor parte de esto y, por lo tanto, se convierte en una película apenas atractiva.

Un antiguo clan japonés llamado Arashikage da la bienvenida a un tenaz solitario que se hace llamar Snake Eyes (Henry Golding) después de que salva la vida de su heredero aparente, Tommy Arashikage (Andrew Koji). A su llegada a Japón, el Arashikage le enseña los caminos del guerrero ninja al mismo tiempo que le proporciona algo que Snake Eyes ha estado anhelando: un hogar. Sin embargo, cuando se revelan los secretos del pasado de nuestro protagonista, su honor y lealtad se ponen a prueba, ya que finalmente emprende el camino para convertirse en el heroico operativo de la organización G.I. Joe

Lo bueno

Golding y Koji: Honestamente, es una pena que la película no entienda realmente cómo usar a sus dos protagonistas correctamente porque Golding y Koji compensan con creces algunas de las fallas de la película. Golding no solo es tan encantador como lo fue en Crazy Rich Asians (hasta el punto en que lo tengo entre mis cinco primeros para interpretar a James Bond una vez que termina el tiempo de Daniel Craig), sino que también usa la venganza como fuerza impulsora para esto. carácter como insignia de honor. Realmente entiendes que él no se mantiene firme en su lealtad a todos los que lo rodean caducan, como dijo un senador infame sobre el actual gobernador de Puerto Rico alguna vez. Koji, más famoso por su papel en la serie de televisión Warrior en HBO Max, aporta más complejidad a los personajes de la que merece esta película. Simplemente aporta capas a su personaje que la película no necesariamente quiere explorar porque está más interesada en la construcción del mundo que en lo que está justo frente a ellos. Dicho esto, una vez que estos dos estén juntos en la pantalla, puedes sentir la química, la hermandad y la eventual caída por la que pasarán estos dos personajes, ya que sabemos que este "bromance" eventualmente perecerá cuando se conviertan en enemigos mortales.

Trabajo de precuela: Como suelen hacer muchos de estos tipos de películas, tiene la tarea de mostrar cosas que a la audiencia le pueden interesar o no aprender. Entre estos: cómo nuestro protagonista obtuvo su nombre, espada, traje y motocicleta, cómo conoció al escuadrón de G.I. Joe, su primer enfrentamiento con un operativo de Cobra, y, finalmente, su relación rota con Tommy/Storm Shadow. Y, honestamente, es bastante exitoso en este frente, ya que está un poco estructurado como un drama deportivo: un desvalido debe enfrentar el desafío de su venganza interna para convertirse en algo más de lo que es a pesar de lo que piensan algunos escépticos. Esto hace que la película mantenga el ritmo en el que nunca te aburres del todo o simplemente te encoges de hombros ante decisiones vergonzosas sobre cómo consiguió ciertas cosas (piensa en cómo Natasha Romanoff consiguió su chaleco de Infinity War en los últimos minutos de la película Black Widow [que me gustó, pero esa escena en particular fue un poco vergonzosa]).

Lo malo

G.I. Joe vs. Cobra: Como sugiere el título, esta película sigue firmemente a Snake Eyes y sus orígenes... excepto cuando no lo hace. Se siente como si estuviera preparando otras cincuenta cosas que no eran lo que promete el título tipo Iron Man 2. En un mundo perfecto, Snake Eyes habría tenido la batalla inminente del escuadrón idealista y la organización terrorista en la periferia y los habría traído justo al final para preparar películas futuras mientras le prestaba toda su atención a su personaje principal. Desafortunadamente, el equipo de guionistas de Evan Spiliotopoulos, Joe Shrapnel y Anna Waterhouse traen al menos a un representante de cada bando en la forma de Scarlett (Samara Weaving) y la malvada Baroness (Úrsula Corberó) respectivamente a mitad de la película y esto, como consecuencia de dicha decisión, cambia de enfoque cuando su historia interna se convierte en un "Oye, soy (inserta el nombre aquí) de (inserta el nombre de la organización). ¡Somos los buenos/malos!" que también sufrió la nueva película de Mortal Kombat. Uno comienza a preguntarse por qué se supone que deben estar allí durante el resto de la película ya que nunca se integra orgánicamente en la historia. Entendiendo que están haciendo esto para configurar futuros encontronazos entre el G.I. Joe y Cobra, honestamente, podría haber funcionado mejor en otra entrega (siempre y cuando no sean como las dos que salieron en el 2009 y 2013).

Lo feo

Las escenas de acción: Como se mencionó anteriormente en esta reseña, las películas de acción no solo viven y mueren por sus personajes y coreografías, también necesitan una gran edición y trabajo de cámara para sentir la sacudida de energía en toda la audiencia. Snake Eyes no recibe mucho de los dos últimos, ya que el director Robert Schwentke tomó la desafortunada decisión de usar cortes rápidos y "shaky-cam" para filmar sus escenas de acción. El trabajo de cámara de esta película es el equivalente a los primeros planos de Tom Hooper en su adaptación de Les Miserábles donde es tan excesivo que apenas se ve lo que sucede en el entorno de los personajes en ese momento en particular en el que están más en peligro. Es bastante fácil ver que las escenas de acción son conceptualmente interesantes, pero se presentan como ininteligibles y difíciles de digerir. Las peleas terminan abruptamente o ni siquiera se muestran, lo que hace que las apuestas de los personajes rara vez se alineen con lo que ocurre en la pantalla. Al final, este es el aspecto más decepcionante de la película, ya que hace que la experiencia de ver la película sea tan interesante como ver una "story" de Instagram de alguien corriendo.

Al final, si sientes que esta película es un comercial para que los niños/niños de corazón compren juguetes, no estás solo. Snake Eyes es una película que probablemente debería haberse beneficiado de usar los talentos de sus protagonistas en su beneficio que usar esta película como plataforma de lanzamiento para un universo cinematográfico más grande debido al capricho del estudio de intentar jugar con los demás. ¿A algunas personas les gustará esta película? Probablemente; tiene espadas, ninjas y cosas que hacen "boom". Pero mi mano no tiembla cuando digo que esta es probablemente la película más decepcionante que he visto desde que regresamos a los cines (aparte de Mortal Kombat y F9).

Rating: C-

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viernes, 16 de julio de 2021

Reseña de Space Jam - A New Legacy: Güiriiiiita

A few new looks at Space Jam: A New Legacy - STACK | JB Hi-Fi 

Escribir sobre una película para niños es posiblemente una de las cosas más difíciles de hacer como crítico de cine. Uno tiene que entender que A. es posible que la película no se haya dirigido a usted como un adulto que ha tenido una experiencia de vida más larga que la audiencia a la que están dirigidas estas películas, con todas las pruebas y tribulaciones que vienen con eso y B. que no todas las películas están dirigidas a todos los públicos. Es por eso que hay mejores películas para niños dirigidas a toda la familia (vea el 97% de todas las películas de Pixar) que otras (vea la última película de Tom y Jerry). Space Jam - A New Legacy intenta lo mejor que puede para lograr ser parte de lo primero, pero se acerca más a lo segundo, ya que Warner Bros produce esta película como la máxima exposición de marca para ellos mismos.

El disciplinado campeón de baloncesto e ícono mundial LeBron James (interpretándose a sí mismo) y su hijo más joven y ficticio, Dom (Cedric Joe), que sueña con ser un desarrollador de videojuegos en vez de baloncestista, se encuentran atrapados en el servidor Warner 3000, un espacio virtual gobernado por una inteligencia artificial tiránica llamada Al-G Rhythm (Don Cheadle). Después de que Dom es capturado, LeBron debe salvarlo y regresarlo a casa sano y salvo al vencer al algoritmo personificado en un juego de baloncesto. Después de no poder reclutar a otros personajes famosos de Warner Bros, LeBron debe formar un equipo con los notoriamente indisciplinados Looney Tunes para vencer a AI-G, su Goon Squad, y así poder salvar a su hijo.

Lo bueno

LeBron - 1, Jordan - 0: Aunque hay un espacio en mi corazón para el "clásico" de los noventa, Space Jam, hay muchas cosas que no funcionan al respecto. Una de los más evidentes es su estrella, Michael Jordan. Sí, su Royal Airness no es un buen actor. Impactante, ¿verdad? Simplemente se veía incómodo en el 86% de sus escenas, que son principalmente cuando no está haciendo aquello en lo que es bueno, el baloncesto. Por el contrario, LeBron James se siente más cómodo no solo interactuando con Bugs, Daffy, Tweety y el resto de la pandilla de los Looney Tunes, sino también con Dom. Sientes que se preocupa por él, su conexión y su futuro como familia. ¿Es un actor fantástico? No, hay un par de escenas que me hicieron relinchar un poco, ya sea cómico o dramático, pero al menos él ancla la película mientras hay un mundo de locura a su alrededor. También le gusta burlarse de sí mismo, de su carrera y no tiene miedo de entender que si juegas con estos personajes tienes que ser parte o al menos el blanco de las bromas, algo que Jordan y su marca no permitieron hacer en la primera película. Aunque lo prefiero como actor secundario como lo que hizo en Trainwreck y que entre las dos películas ha interpretado solamente a una versión ficticia de él mismo, ahora hay evidencia subjetiva sobre al menos una cosa que LeBron es superior a Jordan.

Una historia real: Otra cosa que la película original no tiene es una historia con una estructura de trama real. Incluso volviéndolo a ver antes del lanzamiento de A New Legacy, en su mayoría se sintió como un pitch con un montón de slam-dunks (la idea de la película surgió después de un comercial de McDonald's de Michael Jordan contra Bugs Bunny después de todo) cosido con el retiro de Jordan del baloncesto, los deseos de su padre después de su prematura muerte y su carrera en el béisbol como telón de fondo. Con esta película, puedes sentir que hay algo en juego e incluso corazón: Lebron y Dom no están conectando porque el nene quiere salir de la sombra de su padre y hacer lo suyo, lo cual es difícil de considerar para cualquier padre (Lamento haber sido bien malo en el béisbol, papi. Claramente prefería las películas). Llega hasta el punto que uno como audiencia se puede preguntar "¿LeBron James es un padre malo?".Se puede decir que la película es muy similar a Hook en muchos aspectos, incluyendo la forma en que terminan sucediendo las cosas, pero también está el lado de la historia de los Looney Tunes en el sentido de que Bugs ha estado solo durante años, estando en un estado mental que es aún más loco que de costumbre, y que haría cualquier cosa para volver a unir a su familia (aunque no a Pepe Le Pew por razones un tanto discutibles). Esto solo hace que la película aterrice un poco más fácil de lo que uno hubiera pensado o incluso hubiera dado crédito.

Estilos de animaciónCon toda la propiedad intelectual integrada en esta película, a la que llegaremos más adelante en esta revisión, fue genial ver al director Malcolm D. Lee ser flexible en cuanto al uso de la animación a lo largo de la película. Cuando la película pasa de un mundo a otro, obtienes diferentes estilos de animación. Por ejemplo, el diseño del panel de cómics para DC Comics World mientras intentan reclutar a Superman y la Liga de la Justicia para el equipo como el estilo clásico de Looney Tunes para su propio mundo. Simplemente combina perfectamente. De hecho, una vez que pasan a la sección más animada por computadora de la película, se siente suave y que están en el mismo plano de existencia que James. Toda la pandilla, e incluso algunos personajes de otros mundos, se sienten realistas hasta el punto en que sientes que puedes tocarlos. Era vibrante, hermoso a la vista e incluso reverente a los estilos de animación de antaño.

Lo malo

El juego: El plato principal de ambas películas es ver el juego de baloncesto del siglo: uno de los mejores jugadores de todos los tiempos y los Looney Tunes contra un equipo con las habilidades de los contemporáneos del jugador (piense en Charles Barkley y Patrick Ewing para Jordan al igual que Klay Thompson y Anthony Davis para James). Pero lo que le daré a la primera película una ventaja por encima de esta es que el juego es en más emocionante. Para entretener a los niños, los seis guionistas dieron al juego las reglas de un videojuego, debido a la capacidad de Dom para diseñar este tipo de entretenimiento a una edad temprana. El problema es que el juego es algo difícil de seguir dado que no tiene ninguna regla. Podemos debatir todo el día si la primera entrega tenía reglas dado a que Bugs Bunny cruza la cancha en un Vespa para hacer una asistencia, que no hubiesen botado a Tweety después de caerle encima a todo el equipo contrincante, ó que tanto Elmer Fudd como Yosemite Sam no recibieron faltas personales después de dispararle en los dientes a uno de los alienígenas mientras están disfrazados de Samuel L. Jackson y John Travolta en Pulp Fiction, pero al menos tenía consistencia en todo. Las reglas de baloncesto de A New Legacy son muy inconsistentes, desde los puntos de estilo que son a 75 puntos hasta el uso de un personaje que usa literalmente el poder de detener el tiempo para anotar un canasto. Si bien entiendo que todos estos tecnicismos están ahí para ayudar a James a comprender que tienes que dejar que los demás sean ellos mismos (algo que el verdadero James podría necesitar entender para ganar otro campeonato), simplemente le quitó el viento, así como toda la buena voluntad que la película había adquirido hasta ese momento.

Lo feo

Into the IP-VerseLo más atroz que hace esta película es incluir cada propiedad intelectual que tienen y su madre en esta película. En un momento en el que todo tiene que tener un (inserte la marca aquí)-verse, es increíblemente cuestionable hacer eso con los Looney Tunes. Muestra que Warner Bros. no estaban seguros de que fueran suficientes para entretener a los niños, por lo que tuvieron que agregar a personajes de Harry Potter, The Wizard of Oz y Hanna-Barbera. Y aunque no son relevantes para la trama, ya que aparecen en el exterior del encuadre, molesta increíblemente ver a The Wicked Witch of the West, Los Jetsons, el equipo de Quidditch de Slytherin y Pedro Picapiedras detrás de AI-G durante la juego porque sí. Sin embargo, esta acción plantea la pregunta: Al final, ¿para quién es esta película? ¿Niños o adultos? Si se hubieran quedado con los personajes mencionados anteriormente, entendería que la mayoría de los niños han visto o al menos escuchado de ese tipo de películas y programas. Sin embargo, la película toma la decisión de agregar referencias de películas y programas que creo que ningún niño habría visto a una edad tan temprana tanto contemporáneos como de décadas antes de que nacieran: Mad Max, The Matrix, Austin Powers, Game of Thrones, IT, entre otros. Incluso conozco a adultos que nunca han oído hablar de Casablanca o The Maltese Falcon, dos películas clásicas que tienen referencias aquí y que podrán ver por HBO Max después de ver esta (aunque algunos no lo harán porque "son en blanco y negro". #ChanguitoCity). Uno no quisiera comparar esta película con Ready Player One, que tiene una situación similar a esta en términos de easter eggs, pero al menos Spielberg entendió que los personajes principales y la historia eran más importantes que "¡Hola chicos, miren aquí! Tenemos a Magilla Gorilla y King Kong en el mismo frame! Que cool, ¿no?". Simplemente no le hizo ningún favor a la película.

En las palabras inmortales de Ernesto Díaz González, Space Jam - A New Legacy es una "¡güiriiiiiiita!" en vez de un slam dunk, pero eso implica que esto es una forma consistente de encestar la bola en el canasto. Hay suficientes momentos de diversión y corazón para mantener entretenidos tanto a los padres como a los chiquillos durante toda la duración. La película equilibra bien la acción caricaturesca, la dinámica familiar y la locura que viene con una marca como Looney Tunes, aunque hay cosas que hacen que toda la experiencia se sienta un poco como un comercial para el estudio y sus propias marcas. Como mínimo, se podría decir que la película, de nuevo con las inmortales palabras de Díaz González pero invertidas, al menos "... mete un coco en un jacuzzi".

Rating: B-

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