Para todos los efectos, HBO es ahora un servicio de transmisión. Si bien comenzó como un canal de cable premium y todavía está disponible para suscriptores de cable, reconocieron el panorama cambiante y decidieron hacer que su programación esté disponible por separado de un paquete de cable a través de HBO Max. Sin embargo, si aún obtiene el canal a través de su proveedor de cable, tendrá acceso a HBO Go. De cualquier manera, tiene acceso a su catálogo completo de películas en cualquier momento, lo que significa que puede crear una lista de observación de películas que desea ver.
Para ayudarlo en este esfuerzo, proporcionamos una lista de las mejores películas actualmente disponibles en HBO. Continuaremos actualizando esta lista a medida que se agreguen y eliminen nuevas películas de su catálogo.
ACCIÓN/AVENTURA
Die Hard
Una obra maestra de acción de principio a fin, Die Hard también es una clase magistral en la narración. Tiene una configuración simple: un detective de la policía de Nueva York (Bruce Willis) va a Los Ángeles para reconciliarse con su esposa, solo para descubrir que ella y sus compañeros de trabajo están retenidos como rehenes en su edificio de oficinas. John McClane es tu héroe reacio prototípico, pero lo que lo distingue de las estrellas de acción machista de los años 80 es que es vulnerable. Está constantemente fuera de su alcance, molesto por toda la situación, y además no tiene zapatos puestos y tiene que cruzar por un piso lleno de vidrio roto. Este es un héroe que no solo uno puede apoyar, sino que puede simpatizar con su situación (hasta cierto punto). Y Alan Rickman ofrece una actuación verdaderamente icónica como el villano Hans Gruber.
Fast Five
Al principio de Fast Five, la tercera película del director Justin Lin dentro de la franquicia, el agente del Servicio de Seguridad Diplomática de EE. UU. Luke Hobbs (Dwayne Johnson) le recuerda a su equipo de operativos de élite diciendo "Y, sobre todo, nunca les permitimos que suban a los autos”. Por supuesto, refiriéndose a un cuadro de ladrones (?) internacionales liderado por Dominic Torretto (Vin Diesel) y el ex superpolicía Brian O'Conner (Paul Walker), Hobbs es el primer personaje de la serie que acaba de entrar y declarar todo del subtexto de las películas anteriores en voz alta: la conexión simbiótica de estas personas con los automóviles los convierte en superhéroes. Lo que entonces insistiría Dominic Torretto: su relación simbiótica entre ellos los convierte en dioses. Debido a que la magia de las películas Fast & Furious, cristalizada en Fast Five, es que finalmente se da cuenta de que el siguiente paso lógico de una relación poderosa entre el hombre y la máquina es una relación poderosa entre el hombre y la máquina y el hombre, todo lo que opera en sinergía que niega las leyes de la física, y se doblegan a la voluntad de nuestro equipo titular. Robar $100 millones pero causar mucho más en daños a la propiedad pública está bien mientras un narcotraficante sufra más. Lo que hace, después de que Dom y Brian arrastran una caja fuerte de varias toneladas por las calles de Río de Janeiro, la realidad a su merced, la justicia (existencial y cósmica) de su lado. Fast Five no es estúpida. (hasta cierto punto), es la película más sagaz de todas dentro de la franquicia, la piedra angular del mega éxito de la serie, simplemente extremadamente comparable al cuerpo de Vin Diesel: demasiado grande, demasiado contundente y manejado con la abrumadora creencia de que el mundo gira alrededor de él. Cuando algo tiene tanta masa, crece su propia gravedad.
John Wick: Chapter 3 - Parabellum
La belleza ilimitada de la franquicia de John Wick, cristalizada en Chapter 3 - Parabellum, es que aludir a los videojuegos cuando se habla de la película no importa. Nada de esto importa. A medida que los videojuegos y las películas de acción se acercan cada vez más parabólicamente, John Wick 3 puede ser la primera de su tipo en descubrir cómo evitar que esa comparación sea un punto de vergüenza. En consecuencia, cada pieza del set de acción es una hazaña asombrosa, desde las primeras peleas cuerpo a cuerpo en las estrechas pilas de la biblioteca, hasta una pelea cómica con cuchillos en medio de cajas de armas antiguas, hasta una persecución a caballo y, más tarde, una persecución en el cuidado de motocicletas de malvados que empuñaban katana. John Wick 3 se deleita en su sangre sin perder de vista el costo real de un caos tan absoluto. Es tanto una explosión de sangre y agallas como una colección de dolor inmersiva, un litigio de las formas en que absorbemos y absorbemos y exigimos violencia, en el que hiperestilizamos la muerte. Cada disparo de arma, golpe de cuerpo, mandíbula y corte de tripas resuenan sonoramente de la pantalla, de modo que incluso si otro secuaz sin rostro pierde la vida, dejando este avión mortal desapercibido, al menos se recordará el acto de violencia que los terminó.
Casino Royale
Con una cara angular, como un peñasco, un cuerpo esculpido y la venenosa entrega de "¿Parece que me importa?" cuando se le pregunta si quiere que su martini se agite o mezcle, el James Bond de Casino Royale (Daniel Craig) está tan roto y delirantemente decidido a continuar, como el mundo (deliberadamente posterior al 11 de septiembre) a su alrededor. La vigésimaprimera entrega en la franquicia de más de 40 años fue más que un simple reboot, y más que un simple regreso a lo básico: fue un nuevo cálculo de lo que Bond significaría para la cultura que lo rodeaba. Y si bien lo que hace que el personaje y la serie sean interesantes es que esta necesidad de ser reactiva a la cultura, Casino Royale insiste en que la audiencia, además del propio Bond, puede sentir cada golpe intestinal, patada, disparo, náuseas, paranoia, y, quizás lo más importante, cada desamor. Enviado en su primera misión como agente double-0 para ganar un juego de póker con un hombre que financia el terrorismo, este Bond es más visceral como uno con locura, errores y arrogancia. Hace apuestas arriesgadas, salta el arma, expone su corazón. Craig se estableció como un James Bond de la vena de su creador y autor Ian Fleming, no como el superhéroe invencible e invencible que Bond se había convertido en el transcurso de la serie, sino que era un bastardo que aún no estaba acostumbrado a las experiencias traumáticas e implacables de ser el arma contratada del Servicio Secreto de Su Majestad. Mezclando piezas maximalistas y el drama de alta tensión de los juegos mentales psicosexuales, Casino Royale le da a Bond valor, un corazón astillado y una sensación palpable de mortalidad.
ANIMACIÓN
The Spongebob Squarepants Movie
No debe confundirse con Spongebob: Sponge Out of Water, esta película se realizó en la cima de la popularidad de Spongebob en los primeros años y es completamente animada. En esta aventura familiar bajo el mar, Mr. Krabs es acusado de robar la corona del Rey Neptuno, y solo Spongebob y su fiel compañero de estrella de mar Patrick pueden limpiar su nombre. La película progresa como el episodio de Spongebob más largo y divertido que hayas visto, como el estándar de oro de los programas animados de Nickelodeon adaptados a películas. The Spongebob Squarepants Movie es excelente para toda la familia, especialmente para los padres jóvenes que crecieron con SpongeBob.
COMEDIA
The Nice Guys
Una película extremadamente underrated que absolutamente deberías ponerte al día es The Nice Guys. Del cineasta detrás de Kiss Kiss, Bang Bang y Iron Man 3, esta comedia negra tiene lugar en el 1977 y está protagonizada por Ryan Gosling como un detective privado que investiga la desaparición de una adolescente. Él termina cruzando caminos con un ejecutor duro (Russell Crowe) y los dos se ven obligados a trabajar juntos para resolver el caso. En las manos equivocadas, esta historia es una comedia de memoria por números. En las manos de Shane Black, The Nice Guys es una obra maestra de la comedia. Llena de humor irónico, trama de crackerjack y una de las mejores actuaciones de la carrera de Gosling, esta película es una delicia de principio a fin.
Dodgeball: A True Underdog Story
Antes de comenzar a trabajar con Dwayne "The Rock" Johnson en películas de acción como Central Intelligence y Skyscraper, el director Rawson Marshall Thurber hizo esta comedia tonta sobre un equipo de inadaptados que intentan salvar su gimnasio al ganar el campeonato mundial de dodgeball. Vince Vaughn interpreta a su líder contra el White Goodman de Ben Stiller (en una de sus actuaciones más extravagantes e hilarantes). La película tiene un extraño sentido del humor elemental, pero funciona gracias a los personajes agradables y momentos tontos como "Si puedes esquivar una llave inglesa, puedes esquivar una pelota". Dodgeball es mucho más divertida de lo que tiene derecho a ser y se ha consolidado como una valiosa adición al canon de la comedia deportiva.
Shazam!
Mientras Shazam! puede que no tenga la sustancia temática de Wonder Woman o el impacto cultural de que han tenido muchas de las películas de Marvel, esta marca un cambio emocionante para el DC Cinematic Universe. Esta adaptación de DC Comics es básicamente Big (que hablaremos más sobre ella más abajo) pero con superhéroes, ya que un niño adoptivo joven tiene el poder de transformarse en un superhéroe musculoso simplemente pronunciando la palabra "¡Shazam!". Zachary Levi interpreta la versión de superhéroe del personaje, y el director David F. Sandberg se divierte perfeccionando cómo sería realmente si un niño viviera dentro de un cuerpo superhéroe. Surgen sorpresas en el tercer acto que apuntan un paso positivo hacia adelante para futuras entregas, pero por ahora esta es una película de DC agradablemente agradable, que es un cambio de ritmo bienvenido dentro del DCEU.
Pokemón: Detective Pikachu
¿Creías que atrapar Pokémon de realidad aumentada con tu teléfono inteligente en tu patio era genial? El mundo ficticio de Rhyme City te dejará boquiabierto. En Detective Pikachu, Rhyme City es un lugar donde los humanos y los Pokémon están unidos, unidos entre sí como un perro y su humano. Trabajan juntos para combatir el crimen, apagar incendios y gobernar su mundo. Hay una hermosa armonía. Sin embargo, cuando el detective Harry Goldman desaparece misteriosamente, su compañero Pokémon amnésico, Pikachu (con la voz de Ryan Reynolds) descubre que el hijo de Harry, Tim, puede entenderlo. Juntos, se propusieron descubrir lo que realmente le sucedió a Harry y, en el proceso, descubrir una conspiración profunda y oscura que amenaza con desentrañar el equilibrio entre humanos y Pokémon para siempre. Con Pokémones de aspecto realista generado por CGI en casi cada toma, esta película es una delicia visual, y la historia tiene suficiente agua para los fanáticos de todas las edades.
Big
Una película clásica de Tom Hanks de los días en que la comedia era su pan de cada día, Big es una historia conmovedora sobre un niño que crece demasiado pronto. Con la esperanza de impresionar a una niña mayor, Josh, de 12 años, desea ser "grande", y a la mañana siguiente se despierta en el cuerpo de un adulto. Después de ser expulsado de su casa, Josh consigue un trabajo en una empresa de juguetes donde sus ideas infantiles le ayudan a subir de rango. Tener los deseos de un preadolescente con la cuenta bancaria de un ejecutivo exitoso es divertido por un tiempo, pero finalmente Josh necesita encontrar el camino a casa. En el camino hay muchas risas, incluyendo Josh compartiendo un dueto en un teclado gigante operado con el pie con el propietario de la compañía de juguetes, el Sr. MacMillan (Robert Loggia).
Bridesmaids
A diferencia de The Hangover, que era básicamente un boceto de comedia (aunque efectivo), Bridesmaids es en realidad una película. Esta es siempre la gran pregunta cuando se trata de comedias: ¿aspiras a hacer una experiencia cinematográfica completa y te arriesgas a quedarte corto (Wedding Crashers) o simplemente disparas para reír sin emociones y lograr un éxito salvaje con un logro menos trascendente (Anchorman)? Bridesmaids es una historia completamente hilarante y con cuerpo, gracias al brillo de la actriz/coescritora Kristen Wiig, Rose Byrne, Maya Rudolph, Ellie Kemper, Wendi McLendon-Covey y particularmente Melissa McCarthy en una de las mejroes actuaciones de la década, y tiene poder de permanencia en el panteón de la comedia cinematográfica menos aspiracional.
BlacKkKlansman
Hay un momento extraño en el medio de ver a BlacKkKlansman donde sabes que estás viendo una de las mejores películas que Spike Lee ha hecho en su larga carrera. Sí, tiene todas las características de una película de Spike Lee, tanto para bien como para mal, pero también tiene un humor y una intensidad que la hace más inmediata que algunos de sus otros trabajos. La verdadera historia sigue al detective de Colorado Ron Stallworth (John David Washington), quien pudo infiltrarse en el capítulo local Ku Klux Klan usando una voz blanca y la ayuda de su compañero oficial Flip Zimmerman (Adam Driver). A pesar de los eventos extravagantes (¡pero en gran medida ciertos!), BlacKkKlansman es tan mordaz y revelador como cualquiera de los otros trabajos de Lee sobre raza en Estados Unidos y exige ser visto.
Crazy Rich Asians
Incluso si dejas de lado lo importante que es Crazy Rich Asians en términos de representación para la comunidad asiática y asiática-estadounidenses, es simplemente una muy buena comedia romántica. La película está protagonizada por Constance Wu como Rachel Chu, profesora de economía de la NYU que no se da cuenta de que su novio Nick Young (Henry Golding) es básicamente realeza china, nacido en los niveles superiores de la élite adinerada de Singapur y todo lo que eso conlleva. Cuando viajan juntos a Singapur para la boda de un amigo, Rachel debe lidiar con la familia de Nick, especialmente con su madre, Eleanor (Michelle Yeoh). El director Jon M. Chu aborda su adaptación de la novela de Kevin Kwan con una sensibilidad efervescente que te permite perderte en el rico estilo de vida de los personajes sin sentirte culpable. Si bien la riqueza puede hacer que la película sea divertida, la película obtiene su gran corazón de la relación entre los personajes y la textura cultural única entre la educación chino-estadounidense de Rachel y los valores chinos que encarna Eleanor. Crazy Rich Asians es una prueba más de que los romcoms pueden ser encantadores sin dejar de tener profundidad.
School of Rock
La carta de amor al rock del director Richard Linklater sigue tan vibrante y alegre como siempre. Jack Black interpreta al guitarrista Dewey Finn, un rockero que acaba de ser expulsado de su banda y está luchando para pagar el alquiler. Decide pasar un trabajo de enseñanza sustituto de su compañero de cuarto Ned (Mike White), y aunque se aburre al principio, se energiza cuando ve que su clase está llena de rockeros potenciales y, por lo tanto, la oportunidad de ganar la batalla de las bandas. Sin embargo, cuando comienza a enseñarles sobre el rock, se da cuenta de que le importa más que solo ganar la competencia de rock. La película es encantadora, pero cobra vida gracias a la actuación ganadora de Black que te permite sentir que estás haciendo travesuras a medida que los niños aprenden sobre el rock en lugar de las matemáticas.
DRAMA
A Star is Born
A Star Is Born no es solo una de las mejores películas de 2018 y remake excelente, es uno de los debut como director más impresionantes en los últimos años. Bradley Cooper se pone detrás de la cámara por primera vez con el tercer remake de esta historia bien gastada, pero infunde cada shot con tanta pasión, arte y confianza que se siente como una historia nueva. Cooper interpreta a una estrella de rock alcohólica que se desvanece y conoce y se enamora de un talento joven y fresco (Lady Gaga). A medida que él la orienta y su carrera comienza a despegar, su relación atraviesa un territorio rocoso que apodera de la familia, la adicción y la fama. La banda sonora es increíble, las actuaciones, tanto de Cooper como de Gaga, son fenomenales, y la cinematografía de Matthew Libatique es a veces absolutamente asombrosa. Este es el tipo de película que definitivamente quieres ver en un gran teatro, con una gran multitud, con el volumen al máximo para que puedas cantar Shallows hasta que tus pulmones ya no puedan ceder.
Bohemian Rhapsody
Esta película biográfica de la legendaria banda de rock Queen fue nominada a la Mejor Película y obtuvo cuatro premios Oscar, incluido el de Mejor Actor por la actuación eléctrica de Rami Malek como Freddie Mercury. Bohemian Rhapsody sigue la formación y el ascenso de la banda, con un enfoque especial en Mercury, que se convirtió en un ícono rock y cultural por su estilo extravagante y su voz realmente impresionante. La película captura la voz de Mercury con una combinación de Malek, clips del propio Mercury firmando y clips del imitador de Mercury, Marc Martel, produciendo un sonido que es profundamente familiar pero original. Culminando con la actuación icónica de Queen en el concierto Live Aid del 1985, las dos horas de la película crecen con una de las piezas musicales más impresionantes y hermosas de la película del siglo XXI.
La La Land
Quizás lo mejor que le ha pasado a La La Land es perder el premio Mejor Película. Fuera del peso de una carrera de premios, el musical de Damien Chazelle es un romance encantador y agridulce entre una aspirante a actriz (Emma Stone en el rol que le ganó su Oscar para Mejor Actriz) y un músico de jazz frustrado (Ryan Gosling), pero a la luz de una carrera de premios, era necesario ser más y cada falla, desde el amor de Gosling por el jazz hasta el lado más soleado de Hollywood se convirtió en una falta condenatoria. Ahora, casi cuatro años después de todo eso, es mucho más fácil apreciar La La Land por sus propios méritos y deleitarse en la impresionante película (que es una de nuestras preferidas de todos los tiempos). Puede que no sea la "Mejor Película" del 2016, pero su arte y corazón son innegables.
Punch-Drunk Love
Puede ser difícil recordar ahora que todos nos hemos reunido en apoyo a su talento, permitiéndole trascender el estigma de su acuerdo de Netflix mientras aún se beneficia ridículamente de ello, pero hubo una vez en que el mundo dudaba de los talentos Adam Sandler (hay muchos que todavía lo hacen). Mucho antes de que los Safdies o incluso Noah Baumbach se tomaran el tiempo con el Sandman, tenemos a Paul Thomas Anderson para agradecer por inspirar tanta esperanza. Comparado con el alcance de There Will Be Blood, la melancolía de Boogie Nights, la inexorable fascinación en el corazón de The Master, o la obsesión y la ofuscación de Phantom Thread, Punch-Drunk Love se desprende como una especie de alondra para Anderson, preparando el escenario para el tipo de fuerza cómica incisiva que el director más tarde personificaría y complicaría con Inherent Vice. Una simple historia de amor entre un retorcido (Sandler) al borde de la locura y la mujer (Emily Watson) que lo devuelve a la vida, Punch-Drunk Love es tan confusa como una delicia, una expresión de pasión implacable y chisporroteante, triste y febril y, lo más importante, optimista sobre lo que cualquiera es realmente capaz de hacer. Este podría ser la película más sincera que ha trabajado Anderson en toda su carrera.
DOCUMENTAL
Bowling for Columbine
Independientemente de lo que piense de Michael Moore, ya sea que lo vea como un medio ingenioso, un provocador o un activista documentalista genio, puede hacer una pausa para considerar lo que podría sentir sobre Bowling for Columbine por la continua relevancia y sustancia 16 años después de su lanzamiento, casi 20 años después de la masacre de la escuela secundaria mencionada en su título. La verdad: no mucho ha cambiado en Estados Unidos desde el evento en el 1999, o desde el 2002 cuando estrenó el documental, y si siente algún tipo de afirmación, considere que la misma evidencia que presenta Moore para presentar su caso en la película es tan relevante en el 2020 como lo fue en el momento de la carrera teatral original de la película. La paranoia y la ansiedad provocadas por el rampante alarmismo no han disminuido, sino que han aumentado exponencialmente, si no en volumen y luego en el rango de transmisión. Estados Unidos tiene más armas que personas, a pesar de que la posesión de armas ha disminuido sustancialmente en los años intermedios. Los estadounidenses racistas son más abiertamente racistas. Los propietarios de armas insisten más que nunca en su derecho a portar armas de asesinato en masa. La lista continua. Moore probablemente no tenía la intención de que Bowling for Columbine fuera un texto de importancia duradera. Que todavía es importante hoy es probablemente tan aleccionador para él como lo es para cualquiera.
Won't You Be My Neighbor?
Una de las mejores películas de 2018 y una de las películas más underrated de la década, el retrato ganador de Morgan Neville, Won't You Be My Neighbor?, retiene la oscuridad. Lo cual tiene sentido ya que el director ha dirigido su atención a Fred Rogers, una amable personalidad de la televisión que entretuvo a un par de generaciones de niños con su programa benigno, Mister Roger's Neighborhood. Rogers murió en 2003 a la edad de 74 años, y el 2018 marcó el quincuagésimo aniversario de su show histórico. Apropiadamente, como crónica oficial de la vida y el legado del hombre, Won't You Be My Neighbor? no es remotamente y necesariamente innovadora. Recibimos entrevistas pulidas de colegas, familiares y la viuda de Rogers. Hay muchos clips de su programa, así como otro material de archivo. Hay un truco recurrente de la animación para ilustrar partes de su historia que es el único elemento verdaderamente empalagoso de una película que evita la obscenidad. Y sin embargo, Won't You Be My Neighbor? es una película asombrosamente conmovedora que también se siente un poquito radical. Esa palabra se usó mucho durante este aniversario de oro de Mister Roger's Neighborhood, ya que sus fanáticos les recuerdan a todos que, en lugar de protagonizar una plaza sonriente que no podría haber sido menos varonil, el programa fue en realidad un programa bastante progresivo que francamente se discutió todo, desde relaciones raciales hasta el asesinato de John F. Kennedy. Neville acentúa la dulzura desvergonzada de Rogers como un ejemplo de su posición de principios contra la intolerancia y la injusticia, presentando el caso con convicción y entusiasmo.
GUERRA
Apocalypse Now
Para muchos, está la película definitiva de guerra que se ha trabajado en la historia del cine. Tal vez, si tomamos Truffaut en su palabra, Apocalypse Now no puede evitar respaldar la guerra simplemente a través del acto de recrearla como arte. Tal vez eso no impida que la película transmita las tesis del director Francis Ford Coppola: la guerra convierte a los hombres en monstruos, los conduce a un descenso a un estado mental primario y sin ley, y la guerra es en sí misma un infierno, una frase siniestra que ahora se convirtió en cliché a fuerza de uso excesivo bruto entre 1979 y hoy. Si la película sanciona de forma innata la guerra por medio de una representación, no sanciona el impacto de la guerra en la humanidad de sus participantes. De hecho, Apocalypse Now sigue siendo una de las ilustraciones más profundas del efecto corrosivo que la violencia sancionada por la nación tiene sobre el espíritu y la psique de una persona. Es lindo que en 40 años más tarde estemos de acuerdo con citar esta película en comerciales de AT&T horriblemente graciosos, o reutilizar su telón de fondo de época para hacer que King Kong suceda para el público contemporáneo por segunda vez en los 1970s, pero no hay nada lindo, ni siquiera todo eso citable, al respecto. Apocalypse Now arde, enferma y cicatriza, se marca en nuestros recuerdos como solo las más sombrías muestras de depravación humana realmente pueden.
HORROR
Us
Con Get Out, Jordan Peele se anunció como un cineasta desafiante y talentoso para tener en la mirilla. Con su segunda película, Us, Peele se solidificó como uno de los talentos más emocionantes que trabajan detrás de la cámara hoy. Más grande, más profunda y más severa que Get Out, Us es una historia sobre la clase y cómo la educación y el estado social de uno pueden afectar su perspectiva del mundo. Hay mucho para que la humanidad contra la naturaleza que se adule aquí, y Peele empaqueta cada shot con intención y simbolismo; de hecho, desde el punto de vista de la dirección, Us es un paso importante desde Get Out, que en sí fue muy impresionante. Pero además de todo esto, Lupita Nyong’o ofrece dos de las mejores actuaciones del 2019 en su doble papel aquí, recordándonos que la ganadora del Oscar ha sido subutilizada en el tiempo transcurrido desde su victoria de 12 Years a Slave.
Black Swan
Es posible que no elijas una película sobre una compañía de ballet como tema de uno de los horrores más fascinantes del cine, pero Black Swan de 2010 debería hacerle pensar dos veces. Protagonizada por Natalie Portman en su papel más fascinante como la nueva protagonista de la producción de la Compañía de Ballet de la Ciudad de Nueva York del lago de los cisnes de Tchaikovsky, Black Swan es una película de terror psicológico fascinante. Vemos a Nina perder el control de la realidad y su propia cordura bajo la presión de su dominante madre Erica (Barbara Hershey) y cuando la ambiciosa Lily (Mila Kunis) amenaza su gran oportunidad. Black Swan te mantiene adivinando sobre lo que es real y lo que forma parte de las fantasías retorcidas de Nina hasta la aterradora conclusión.
Jaws
Jaws (junto con Star Wars) dio origen al éxito de taquilla moderno, y la película revolucionaria de Steven Spielberg no ha perdido nada de su potencia en las décadas posteriores. Una película que todavía te dará miedo volver al agua, la historia sigue al jefe de policía Martin Brody (Roy Scheider) mientras trata de proteger a su comunidad de un tiburón asesino que está engullendo a la población local. En lugar de usar una acción implacable, Spielberg muestra que sabe cómo jugar perfectamente el suspenso y mantenerlo involucrado en sus personajes principales mientras juegan un juego de presa que intenta burlar a un depredador temible. Ya sea que te esté sorprendiendo con una breve visión del tiburón o que te esté contando la historia del oscuro destino del USS Indianapolis, no hay un momento débil en este thriller clásico.
SCI-FI
Alita: Battle Angel
Basada en la popular serie de manga Gunnm y su adaptación original de animación de video en 1993, Battle Angel, Alita: Battle Angel fue producida por la leyenda de la ciencia ficción James Cameron y dirigida por el incondicional Robert Rodriguez a partir de un guión de él y el escritor de Shutter Island Laeta Kalogridis . Con un equipo así, los fanáticos tenían grandes expectativas. Y aunque no necesariamente cumplió con esos altos estándares críticos y de fanáticos, pero Alita: Battle Angel es, sin embargo, una experiencia visual eléctrica muy atractiva que supera los límites de los efectos especiales. Ambientada varios siglos en el futuro, la película sigue al cyborg Alita, quien es abandonado en un depósito de chatarra de Iron City y revitalizado por el compasivo ciber-doctor Ido. Aunque no recuerda quién es o no reconoce el mundo tal como lo encuentra, Alita pronto descubre que tiene inmensos poderes que no comprende completamente y se embarca en un viaje para navegar por su nueva vida y comprender su pasado.
Alien
Conductos, canales y cloacas: la oda de Ridley Scott a la claustrofobia deja poco espacio para respirar, abarrotando sus arquetipos de cuello azul a través de espacios demasiado pequeños para mantener cualquier tipo de cordura y demasiado implacable para sobrevivir. Que Alien también pueda hacer que el espacio en su inmensidad se sienta tan sofocante como un ataúd es un testimonio del control de Scott como director (posiblemente ausente de gran parte de su trabajo a seguir, incluyendo su insistencia en inflar el mito de esta primera película casi perfecta) , así como a la pureza del horror como género. Alien, después de todo, usa tensión como parte integral de la narrativa. Mientras Ripley (Sigourney Weaver en su papel más icónico) se arrastra entre los órganos de acero de la nave, Alien evoluciona hacia una pesadilla psicosexual; una acusación de lo inherentemente masculino, los actos de colonización y un tratado simbólico sobre el trauma de los asaltos sexuales. En el espacio, nadie puede oír tus gritos. Tal vez sea porque nadie está escuchando.
Aliens
Después de ver Alien, tienes que ver la secuela. James Cameron, quien toma el mando de Ridley Scott, no está jugando con temas de violación o el papel de las mujeres en una jerarquía económica, está colocando a las mujeres por defecto a la vanguardia de la futura guerra de la humanidad. Es una magnífica producción cinematográfica de gran éxito, y una de las primeras películas en redefinir lo que puede ser una franquicia dentro de los límites de la voz y la visión de un nuevo director.
RoboCop
¡Una película tan buena que no pueden dejar de hacer secuelas y spin-offs! HBO en realidad tiene la trilogía original de RoboCop, lanzada en 1987 por el original seminal de Paul Verhoeven, pero la única que vale la pena es la original. RoboCop es un compromiso convencional del cyberpunk de los años 80, que explora un futuro Detroit distópico y plagado de crímenes mientras lo infunde con un policía cyborg empeñado en vengarse. Los efectos especiales pueden no ser tan espectaculares como lo eran en aquel entonces, pero los temas son duraderos y, una vez que lo vea, comprenderá por qué se ha convertido en un elemento clave cultural. Todo el mundo sabe DE RoboCop, pero no lo entenderás hasta que veas el original.
THRILLER
The Usual Suspects
"¿Quién es Keyser Soze?" Esa es la pregunta en torno a The Usual Suspects de 1995. El misterio convincente sigue a cinco ladrones dispares reunidos por fuerzas invisibles para un atraco suicida. Inicialmente trabajando juntos para contraatacer a la policía de Nueva York, los ladrones finalmente se encuentran trabajando a instancias de Keyser Soze, un jefe criminal internacional tan legendario que ninguno de ellos está de acuerdo en si existe o no. La historia es contada en retrospectiva por Verbal (Kevin Spacey) en un recinto policial, y no todo es lo que parece. Con un elenco conjunto que incluye a Gabriel Byrne, Benicio del Toro y Giancarlo Esposito, este thriller neo-negro sigue siendo una bola para ver, incluso si conoce el final icónico.
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