Las 10 de los 2010s: Películas de Comics

(Este artículo es parte de una serie llamada Las 10 de los 2010s, el cual celebra todas las películas que estrenaron durante la década de los 2010s).

Es difícil no pensar en la década que está por terminar y no considerarla la edad de oro de las películas de cómics. No solo han estado recaudando dinero y batiendo récords en todo el mundo, sino que la calidad ha sido considerablemente más consistente en términos de historias entre el 2010 y el 2019. Y no es solo eso, también se han vuelto considerablemente ambiciosos en la forma que cuentan estas historias, evolucionando de "persona con poderes salva a la chica del malo" a thrillers políticos, películas de robos, comedias, películas psicológicas y películas sobre identidad racial y de género. Es por esto (y como 10,000 razones más) que, como parte de Los 10 de los 2010, estamos haciendo una lista de las mejores películas de cómics de la década.

Como toda lista que hacemos en esta página, estas fueron escritas en un papel para cada integrante y se hizo un ranking usando promedios, convenciendo y chantajeando uno al otro. La lista es nuestra opinión sincera y no la lista definitiva de todos los tiempos. Sabemos que hay personas que tienen opiniones diferentes y está más que bien ya que todas las películas son subjetivas. Además, nos concentramos solamente en las películas que estrenaron entre el 2010-2019. En otras palabras, para esta lista no se pueden incluir películas como The Dark Knight, la trilogía de Spider-Man protagonizada por Tobey Maguire, Iron Man, entre otras que salieron en la década anterior.

Menciones honorable: Shazam!, X-Men: First Class, Spider-Man: Homecoming, Avengers: Infinity War y Thor.

10. Wonder Woman (2017)

Ver Wonder Woman en los cines durante su debut es ver cómo se hace la historia en el cine (lo cual se podría decir por varias películas en esta lista). El mero acto de ver al personaje femenino que surgió del mundo de los cómics más famosa fue algo significativo, y dado que rápidamente se convirtió en una de las películas más lucrativas jamás creadas por una directora fue el cherry encima del sundae. Afortunadamente, no es solo trascendental; en realidad es una película muy agradable. Gal Gadot da una actuación deslumbrante como la guerrera titular, uno tejido con una seriedad que rara vez se ve en la industria de películas de superhéroes hoy día. Chris Pine es una delicia total como la damisela en apuros masculina (llámalo amigo en circunstancias extremas, tal vez). Aunque solo está en unos minutos de la película, Robin Wright es fantástica como la mentora de Diana. El tercer acto es  un poco aburrido y rutinario, pero el resto es tanto encantador como emocionante. 

9. Black Panther (2018)

Si Superman nos hizo creer que un hombre puede volar en el 1978, Black Panther nos hizo creer que Wakanda es un lugar verdadero 40 años después. En un nivel puramente superheroico, dispara en todos los cilindros. El protagonista titular de Chadwick Boseman es un ícono instantáneo gracias a su carisma real y patrones de discurso contemplativo. Su rival en Michael B. Jordan se encuentra entre los mejores villanos que jamás hayan adornado el género de los superhéroes en cualquier medio, presentando una arrogancia intimidante y un plan maestro persuasivo. Su conflicto es shakesperiano en sus temas, épico en su diálogo (aunque también es propenso a deliciosas inmersiones en vernáculo) y asombroso en su acción climática. El CGI y los efectos prácticos son casi perfectos (todo iba bien salvo el tercer acto) y el diseño de vestuario y producción, con su mezcla de panafricanismo y Apple Store, parece como nada que hayamos visto antes.

8. Joker (2019)

Las películas siempre nos han mostrado quiénes somos, pero eso no significa que la dinámica tenga que ser literal. No soy el héroe armado de una película de vaqueros o un jedi en una galaxia muy, muy lejana, o un vigilante que sale de noche con un disfraz de murciélago. Pero cuando veo esas películas, soy cada una de esas personas. Esa es la gloria del cine. Y cuando miro a Joker, con la intimidad inquieta que establece entre el público y Arthur Fleck, durante dos horas soy un hombre desesperado, enfermo que busca una escotilla de escape. Arthur es a la vez el villano y protagonista de Joker, y la brillantez de la actuación de Joaquin Phoenix, al igual que la audacia de la película, es que Phoenix toma el síndrome psicológico de la rabia de sentirse bien y lo deja al descubierto, lo desnuda, lo muestra Arthur desde el interior, poniéndonos en contacto con la furia deformada que lo ha atormentado, y ahora lo está limpiando mentalmente. Por eso es más que un simple "incel". Somos todos nosotros. Toda nuestra ira, toda la ira que nos hace sentir tan liberados cuando la dejamos salir. Sin embargo, no lo tomes demasiado literalmente. Arthur es un producto, una proyección, una imagen soñada de nuestro espíritu colectivo. Por eso es una advertencia. La película nos dice "sonríe cuando tu corazón está furioso pero entiende que así es como se podría expresar si no se hace nada interna o externamente".

7. Avengers: Endgame (2019)

En los tiempos de antes, cuando el MCU no existía, el tipo de historia que se cuenta en Avengers: Endgame se habría considerado no filmable, por no mencionar que no se hubiese podido "promocionar". Es una película de tres horas que requiere que hayas visto más de 50 horas de películas anteriores para tener la comprensión más básica de lo que está sucediendo en la trama, protagonizada por un montón de personajes de superhéroes inferiores de Marvel Comics (por eso me refiero que los protagonistas no son Spider-Man o los X-Men), decenas de las cuales tienen que reproducir narraciones en la pantalla. Y como quiera los directores, los Hermanos Russo, y los guionistas Christopher Markus y Stephen McFeely se han convertido en veteranos en este tipo de cosas, funcionando como una banda de malabaristas de cuatro hombres que se lanzan pavos rellenos entre sí dentro de la misma cocina. En realidad, no hay ningún tema fuera de los temas típicos sobre creer en ti mismo y recordar el poder de la amistad, pero el hilo se ejecuta con precisión milimétrica (también debemos inclinarnos ante los editores Jeffrey Ford y Matthew Schmidt). Lo que es más, en una rareza para el MCU, hay imágenes realmente inquietantes, la mayoría de ellas inspiradas por el creador de Thanos/Drax/Gamora, Jim Starlin, cuyo trabajo le ha ganado a otras personas cantidades de dinero incomprensibles. La historia contiene saltos de lógica que requieren confianza, pero no importa eso: en un nivel emocional, cada latido se siente ganado y orgánico. Cada vez que la película se remonta a una anterior, me encuentro extraña y algo vergonzosamente conmovido por la idea de que el MCU ha estado allí durante tantos puntos en mi vida reciente, lo cual es probablemente el triunfo más grande que esta película pudo haber tenido (aparte de los $2 mil millones que recaudó mundialmente). 

6. Captain America: The Winter Soldier (2014)

Si miras todas las actuaciones principales del boom de los superhéroes, no encontrarás una más implacablemente entrañable que la de Chris Evans como Steve Rogers en la segunda película de Captain America. Apenas unos minutos después, vemos que el rubio desplazado por el tiempo garabatea con atención una nota para sí mismo en un papel que guarda para anotar las cosas que se perdió mientras estaba congelado (por ejemplo, "Star Wars/Trek", "El aterrizaje en la luna","Comida tailandesa", entre otras). ¿Cómo no puedes recibir ese momento con un cordial "awwww"? Incluso cuando está golpeando a una masa de villanos retorciéndose en un ascensor, Evans/Rogers nos mantiene atrapados con su sinceridad y anhelo por un pasado e ideales perdidos. Pero Winter Soldier no se basa únicamente en la naturaleza ganadora de su actor principal. También ofrece una historia tonalmente claustrofóbica sobre conspiración y complicidad, puntuada por secuencias de acción excitantes y líneas llenas de subtexto. Permite que veteranos como Robert Redford y Samuel L. Jackson se diviertan y eviten la jerga de los cómics. Y aunque no es una predicación o una política explícita, esta es una película sobre el camino de mierda que un soldado retirado tiene que recorrer, sabiendo que el mundo lo ha dejado atrás y buscando consuelo en presencia de otros soldados. El vínculo entre Steve y Bucky inspiró historias de fanfiction (a menudo románticas) a pesar de que este último tiene menos de 20 líneas en toda la película, lo que es un testimonio del poder de la película. A diferencia de la mayoría de las películas de superhéroes, Winter Soldier en realidad tiene subtexto mucho más interesante que a simple vista.

5.  Scott Pilgrim vs. The World (2010)

La película basada en el cómic que más representa la forma de arte no tiene a un solo superhéroe a la vista (bueno... sí los tiene [Chris Evans, Brie Larson, Brandon Routh y Mary Elizabeth Winstead] pero ninguno como su personaje más famoso). Edgar Wright utiliza el sonido y la edición como nadie más, especialmente en esta maravilla vertiginosa en la que los chistes llegan rápidos y furiosos. Cada frame de la película es como un cuadro cómico y la acción es maravillosa. Cada pieza del set (con cada malvado ex novio con el que nuestro héroe debe luchar) usa diferentes técnicas: Matthew Patel adquiere un sabor de Bollywood, mientras que la pelea con el bajista vegano de Brandon Routh es un enfrentamiento mágico y musical. La película está impregnada de nostalgia de videojuegos, mezclando los estilos de 8 bits con globos de sonido cómicos en un festín visual.

4. Captain America: Civil War (2016)

A pesar de todo su algarabía y subtexto sobre la supervisión del gobierno y los lazos de amistad, la magia del Captain America: Civil War reside en la familiaridad. Verla es como ver un muy buen episodio de un programa de televisión de larga duración mientras los personajes que conoces se pelean tanto físicamente como verbalmente por algo que cambiará la dinámica por siempre. La película tiene una enorme cantidad de arte que incluye, pero no se limita a: la introducción de ambos Black Panther y Spider-Man orgánicamente a la historia, secuencias de acción que provocan suspiros por doquier, diálogos sólidamente divertidos, un equilibrio magistral de atención entre el elenco masivo de personajes, una sabia decisión de no perder el tiempo en historias de origen, y esa pequeña y extraña escena que resucita Robert Downey Jr., de la era de Less Than Zero. Al juntar todo esto, más el equipaje que traen cada uno de estos personajes debido a todas las películas anteriores, Civil War tiene ese punto de diferenciación brutal de todas las películas del género al poder juntarlo todo sin problemas.

3. Guardians of the Galaxy (2014)

Guardians of the Galaxy reescribió las reglas del MCU. Resulta que las películas de superhéroes pueden ser tontas e irreverentes pero con mucho corazón. Desde la escena de apertura hasta los momentos finales, el amor del escritor y director James Gunn por el material se exhibe descaradamente, cada frame rebosando del alma. Y el elenco va más allá gracias al guión de Gunn. La participación de Chris Pratt como el hilarante Star Lord fue una revelación para aquellos que no habían visto Parks and Recreation. Luego está Zoe Saldana como la malhumorada Gamora, Dave Bautista como el excelente y torpe Drax, Vin Diesel diciendo las mismas tres palabras (con diferentes inflexiones) como Groot y Bradley Cooper como la voz del temperamental Rocket. Todos los miembros del grupo homónimo de inadaptados trabajan super bien juntos. Además, está la banda sonora y fan service están en todo su apogéo para hacer de esta una entrega obligada para ver dentro del MCU.

2. The Avengers (2012)

Hasta el día de hoy, la primera entrega de The Avengers es el mayor logro del Marvel Cinematic Universe ya que hizo algo que ninguna película había hecho antes hasta ese momento: unir personajes e historias dispares en una narrativa coherente que fue algo más grande y emocionante que lo que había sucedido antes. La epopeya de Joss Whedon combina dialogo humorístico y juguetón con un abrazo exuberante de la lucha de ciencia ficción que ha dado paso al modelo a seguir dentro del MCU. Su diálogo resalta, su comedia es ágil, sus personajes laten con fuerza (quién puede olvidar el momento que Bruce Banner admite que controla su enojo porque "siempre estoy enojado"), su ritmo nunca se arrastra y te deja rogando por más tiempo con el equipo titular. Nadie ama a los superhéroes más que Whedon, y nunca ha habido una expresión de amor más pura para ellos que esta película (salvo la última hora de Endgame).

1. Logan (2017)

En el mejor de los casos, el género de comics crea un arte a partir de la noción de la franquicia, al ensamblar diferentes entregas en un mosaico que adquiere una forma agregada cuando se ve desde la distancia. Logan es un ejemplo brillante de este método de narración de historias al beneficiarse del hecho de que no tiene que perder tiempo en la exposición. De hecho, confía al espectador casi todas las explicaciones de lo que ocurrió antes de que aparezca el "title card" y recompensa nuestro existente adoración del personaje titular enviándolo en una nota alta. Todo se siente urgente y profundo: el diálogo, la iconografía, la construcción del mundo y las rebeliones sutiles contra nuestra situación política actual, que nunca se siente como una predicación. Muchas historias de héroes tratan de superar inmensos obstáculos, pero el razonamiento generalmente se basa en la negación: el héroe debe luchando contra el mal. Aquí hay una historia rara sobre un individuo poderoso que lucha por algo totalmente diferente: el amor. Cuando uso esa palabra, lo digo no como el eros romántico, sino como una versión curiosa y sangrienta del ágape expansivo, el abrazo de nuestra especie defectuosa en su conjunto. Claro, nuestro héroe mata a mucha gente, pero esa es una buena metáfora: ¿Quién de nosotros no tiene problemas para amar? Solo podemos esperar movernos en la dirección correcta. Logan es una historia que te agarra la cara, te acerca y te susurra al oído: "Estamos todos juntos en esto". Nada mal para una historia sobre un tipo con grandes cuchillos en los nudillos.

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Reseña de Doctor Sleep: El título promete la experiencia

Para algunos aficionados al cine, The Shining, la película de 1980 de Stanley Kubrick sobre un niño psíquico casi asesinado por su padre en un viejo hotel, es el equivalente de Picasso, los Beatles y Muhammad Ali en cuanto al género de horror: fue y siempre será la mejor. La película tiene sus detractores, especialmente el hombre que escribió la novela fuente, Stephen King, pero no se puede descartar sus imágenes icónicas: las gemelas Grady, los ascensores llenos de sangre, Jack Nicholson con un hacha gritando "Here's Johnny!" y, por supuesto, el demonio podrido oficialmente conocido como la vieja en el baño. Casi 40 años después llega la secuela, Doctor Sleep, basada en la novela del autor del 2013. Si eras fanático de la primera película, esta película quizás será todo lo que temías, y no en el mejor de los sentidos.

La película sigue a un Danny Torrance adulto (Ewan McGregor), condenado a seguir los pasos de su padre alcohólico y tratando desterrar los recuerdos de lo que le sucedió en el Hotel Overlook como para suprimir los poderes telepáticos con los que nació, a lo que se refiere como "el Resplandor". Un día, una joven llamada Abra (Kyliegh Curran) hace contacto. Ella es igual que él, solo que más poderosa, y necesita su ayuda. Danny debe confrontar su pasado para detener los True Knots, un grupo de semi-inmortales liderado por Rose the Hat (Rebecca Ferguson) que se alimentan del "brillo" de los niños pequeños.

Lo bueno

McGregor, Ferguson y Curran: Si hay algo con lo que me pudo llevar de principio a fin sin decir "Me paro y me voy" fueron las actuaciones de los tres protagonistas. McGregor realmente se destaca como actor con un libreto un poco flojo (cosa que ha hecho en roles en Christopher Robin y las precuelas de Star Wars), profundizando en la batalla de su personaje para superar su comportamiento autodestructivo y utilizando sus poderes para ayudar a otros. Curran lo acompaña amablemente como la valiente y encantadora Abra. En el lado opuesto, Ferguson es una delicia espeluznante como Rose the Hat (que es el total opuesto de su rol de Ilsa Faust en las últimas Mission: Impossible). la villana obtiene una sorprendente cantidad de profundidad y vulnerabilidad para una asesina que corre por todas partes matando niños sin pensarlo dos veces.

Lo malo

Mike Flanagan: Para ser justo, Flanagan (Gerald's Game, The Haunting of Hill House) es uno de mis directores de terror preferidos trabajando hoy día. No hay otro cineasta en la industria que entienda y aprecie cómo navegar con éxito por estas aguas que él, y puede confiar en que nunca se encontrará rodeado de sustos baratos o escalofríos no ganados en sus manos. Eso hace que lo que voy a decir sea extremadamente difícil. Si bien respeta la novela de Stephen King con gran detalle (similar a lo que hizo Andy Muschietti con las películas de It [hasta cierto punto]), pero recrea fielmente varias escenas de The Shining original de Kubrick (un cineasta que diría que no respetó el trabajo de King en su tiempo), Flanagan ha tomado la decisión única de servir a ambos maestros. Es completamente comprensible por qué lo intentaría: la película es universalmente querida, y Stephen King es el escritor de terror más exitoso del mundo. Mantenga a todos felices, tiene sentido. Entonces, ¿por qué se siente tan... algarete con tantos personajes, historias y homenajes? Nunca se sintió como un proyecto completamente hecho por Flanagan y eso le resto un montón de puntos en mi cabeza.

No da miedo en absoluto: Los intentos de la película para recrear a The Shining (o, al menos, volver a visitarlo [que a eso llegaré en más profundidad]) varían desde técnicamente impresionantes hasta casi tontos, pero nunca dan miedo. Flanagan podría imitar las técnicas de cámara de Kubrick, pero les quita su importancia. Todos esos tiros de seguimiento y fundidos cruzados ayudaron a crear la claustrofobia nauseabunda del Overlook. Sin embargo, cuando la acción tiene lugar cuatro décadas después y en varios estados, no tiene el mismo efecto. La partitura original de Wendy Carlos y Rachel Elkind, con esas notas electrónicas que suenan como sirenas de niebla, solo aparece una vez. De lo contrario, es una mezcla más convencional de gemidos orquestales y gritos de violín por parte de los hermanos Newton, pinchados por el sonido de un corazón que late que se supone que llene la sala de una atmósfera fría y tenebrosa, pero hace todo lo contrario.

Lo feo

The Overlook Hotel: Esto no puede ser considerado un spoiler ya que aparece en el trailer y ya presiento que este va a ser el punto divisivo de esta reseña, pero déjame explicar. Es cuando la película finalmente llega al Overlook que todo lo que afecta y desvergonza la película parece colisionar. Hay una resonancia innegable al ver a Danny caminar de regreso a través de los oscuros corredores de su antigua casa, enfrentando su pasado interno como el externo. Pero al mismo tiempo, este final demuestra ser tan complaciente en su lista de verificación de devoluciones de llamadas pavlovianas (la máquina de escribir, el hacha, la bañera, el cuarto 237, el laberinto, etc), como la secuencia comparable en Ready Player One, que tenía la ventaja de ser breve y también organizada por tal vez el mejor artesano de gran éxito de la historia. Esta toma el tercer acto completo. Y lo más triste es que te quedarás pensando "Entonces, ¿para qué volvimos al hotel?".

¿Qué exactamente eres, película?: El problema de entrar y salir de la historia cinematográfica como si fuese Marty McFly perdido en un vacío de Netflix, es que si no se maneja de manera absolutamente perfecta, crea una pérdida de identidad total. ¿Es esta película una película independiente o una secuela del original? Si es lo último, ¿por qué se siente más como el primero y viceversa? La historia principal funciona tan bien cuando la seguimos, solo para desviarnos a poco más que fan service (que no siempre es malo) que se descarrila por completo dondequiera que estemos en dicha historia.

El truco sucio de Doctor Sleep es que es solo otra extensión de franquicia nostálgica, que convierte el viaje terapéutico de un personaje en una excusa conveniente para interpretar los éxitos. Si los espectadores estarán dispuestos a caminar penosamente a través de un hilo de fantasía ligeramente tonto y marginalmente similar para llegar a la entrada de ese viejo hotel es una pregunta para los resplandientes. Aquí no hay lugar para la sutileza: Doctor Sleep está demasiado ocupada entre los mundos triádicos de Kubrick, King y Flanagan.

Rating: D+

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Reseña de Maleficent: Mistress of Evil: Una mejora definitiva de la primera (pero eso no era difícil)

Seré el primero en admitir que pensé que la primera película de Maleficent fue un aburrimiento total y absoluto. Salvo por la actuación de Angelina Jolie y la escena del bautismo que sacaron directamente del clásico de Disney (desde una perspectiva diferente), la película fue un desastre completamente no inspirado que parecía que nunca se detuvo. Al el punto en que me quedé dormido, y esto no es una broma, cinco veces durante la misma presentación. Entonces, cuando El Ratón anunció que estaban haciendo una secuela, solo me vino a la mente el temor de sufrir una secuela de esa película. Dicho esto, después de salir del cine, puedo decir con seguridad que Maleficent: Mistress of Evil es una mejora definitiva sobre la primera entrega (aunque eso no es un gran desafío).

Mistress of Evil comienza cinco años después de los acontecimientos de la primera entrega, con Aurora (Elle Fanning) felizmente gobernando a los moros como su reina. Sin embargo, cuando el Príncipe Phillip (Harris Dickinson) le pide a Aurora que se case con él, se pone en marcha una cadena de eventos que cambiará la vida de todas las personas más cercanas a ellos y a todos sus reinos. Los padres de Phillip, el Rey John (Robert Lindsay) y la Reina Ingrith (Michelle Pfeiffer), invitan a Aurora y Maleficent a cenar, pero las cosas empeoran cuando esta última pierde los estribos y prohíbe el matrimonio. Maleficent huye y se refugia con otras hadas como ella, aprendiendo de Conall (Chiwetel Ejiofor) que los Dark Fae se están escondiendo de los humanos y algunos, como Borra (Ed Skrein), los obligarían a hacer la guerra a los humanos. Con la reina Ingrith avivando de manera similar las llamas de la guerra entre los humanos, los fae y la humanidad se precipitan hacia una batalla épica, y queda por ver si Aurora y Maleficent podrán detenerla, o si tomarán partido.

Lo bueno

Angelina Jolie: Desde su aparición en la primera entrega hace cinco años, Jolie se ha retirado detrás de la cámara, dirigiendo tres películas e ignorando ser principalmente el centro de atención. Eso le da a Malficent: Mistress of Evil algo de peso real ya que es la primera vez que la hemos visto en tanto tiempo. Es encantador tenerla de vuelta en un papel principal y, aunque el estrellato de Jolie a menudo ha sido definido por los dramas de las revistas que la rodean, es una actriz que puede convertir los guiones más delgados en algo convincente (piense en Salt o Wanted). Cada vez que está presente en Mistress of Evil, con pómulos sobresalientes y blancos perlados como colmillos, es imposible mirar hacia otro lado.

Los vestidos y el diseño de producción: Para ver mejor los mejores activos que tiene la película (aparte de Jolie y Fanning), uno debe mirar las partes estéticas porque son geniales. Ellen Mirojnick se supera por completo creando tres looks distintos para cada una de estas mujeres hermosas, poderosas e independientes en el corazón de la historia al definir a cada uno de sus personajes a través de hilos, joyas e incluso alas, similar a cómo hizo la vestimenta en The Greatest Showman. En igual escala de admiración, Patrick Tatopoulos merece algo de amor por el diseño de producción de esta película. No importaba si era los moros, la caverna de los faes oscuros o el reino de Ulstead, todo se sentía vivido con la historia dentro de cada pared, mesa, árboles, etc. Contrariamente a la creencia popular, a veces es importante ver el bosque por medio de los árboles y esta película muestra el por qué.

Lo malo

No sale mucho Maleficent: Para una película con el nombre de un personaje en el título, no hay mucho de ella dentro de la misma. Jolie no es una presencia constante en esta nueva película, ya que hay muchos asuntos urgentes que atender en los reinos vecinos de los moros (el reino de las hadas gobernado por Maléfica y la princesa Aurora) y Ulstead, una tierra militarista que es el hogar de Phillip. Mientras Aurora y Phillip planean su boda, la temida Maleficent es invitada a Ulstead para reunirse con los padres del príncipe y negociar relaciones diplomáticas. El único problema es que la madre de Phillip, la reina Ingrith (Michelle Pfeiffer), es una presumida supremacista humana que ve a Maleficent y sus súbditos mágicos como una plaga para erradicar. Además, conocemos a la raza de Maleficent y su cultura, así como una revolución política dirigida por los personajes de Ed Skrein y Chiwetel Ejiofor que esencialmente interpretan versiones de Malcolm X y Martin Luther King del mundo fae, respectivamente. Y todo esto tiene que resolverse de una forma u otra en dos horas. Al igual que The Lion King hace unos meses, la película intenta jugar con la geopolítica sin apegarse a uno o dos carriles. En cambio, los tres guionistas (Linda Woolverton, Noah Harpster y Micah Fitzerman-Blue) quieren tenerlo todo haciendo un híbrido de Guess Who's Coming to Dinner/Meet the Parents/Game of Thrones/Selma que no funciona completamente dentro de uno guión.

Queen Ingrith: Es bien triste decir lo siguiente, pero el libreto le falla a Michelle Pfeiffer completamente. Ella hace lo mejor que puede con el rol que le dieron y, hablando claro, se nota que se lo está gozando de principio a fin y las escenas que ella comparte con Jolie son de las mejores que tiene la película ya que están a la par en cuanto a talento y experiencia. Pero el mero hecho que su personaje fue tan unidimensional en una época dónde estamos teniendo villanos tridimensionales como Thanos, Killmonger y Arthur Fleck no hay mucha excusa para tratar de buscarle la vuelta a los personajes. Es bien difícil no pensar que Ingrith es una de las peores villanas escritas del año (aunque el personaje de Jessica Chastain en Dark Phoenix le puede dar la competencia).

Lo feo

La resolución: Como cabría esperar, Disney no gestiona muy bien lo que solo se puede definir como genocidio. Obviamente, esto pasará por alto a los niños, pero para los padres que los llevarán a verla, será un poco difícil NO verlo. El problema con Mistress of Evil no es que aborde el tema del genocidio, sino que la resolución sea completamente sorda. Las consecuencias son barridas debajo de la alfombra. La forma ordenada en que concluye la película es ofensiva en su determinación de no ser ofensivo. No puede presentar un problema tan serio como este y luego concluirlo con todos cantando Kumbaya porque es totalmente irresponsable. Si la película estaba tratando de abordar temas actuales y delicados, esta definitivamente NO era la forma de hacerlo.

Habiendo entrado con las expectativas increíblemente bajas, me gustó la película lo suficiente como para recomendarla especialmente si te gustó la primera. Maleficent: Mistress of Evil no es una secuela "feel-good" con un romance conmovedor que uno encuentra dentro de un cuento de hadas al amplificar radicalmente la oscuridad dentro de la misma. Prepare a sus más chiquillos para una experiencia un poco más fuerte de lo normal. Me atrajo de formas que no esperaba (aunque el guión es bastante tosco), pero ciertamente no soy el público a quienes decidieron dirigir esta película.

Rating: C+

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Reseña de Joker: Con el corazón a millón

Una historia de origen del enemigo más grande de Batman fue algo que nadie realmente pidió. Al igual que el desafortunado intento de Disney de desarrollar la historia de fondo de uno de sus más grandes villanos en Maleficent, el Guasón es un personaje cuyo misterio es parte de su encanto. Es un personaje que nunca podemos entender completamente. Tampoco debemos buscar entenderlo. Así que, aparentemente indiscriminado en su caos, el Alfred de Michael Caine en The Dark Knight resumió perfectamente su marca de maldad cuando teorizó: "Algunos hombres solo quieren ver el mundo arder". En un clima cinematográfico actual de secuelas, reboots, precuelas, remakes, etc. interminables, muchos asumirán que Joker del escritor/director Todd Phillips no es más que una desvergonzada toma de efectivo bajo la apariencia de una historia de origen. Pero si esperas que la película esté llena de referencias de franquicias y oportunidades de secuelas, estarás sorprendentemente equivocado. 

Sin entrar en mucho detalle, el comediante Arthur Fleck (Joaquin Phoenix) vive con su madre (Frances Conroy), mientras que la sociedad, el gobierno y patronos han decidido ignorarlos al igual que a todos los de clase baja. Este desprecio hace que Arthur comience una lenta disidencia en su propia locura para transformarse en el Príncipe del Crímen. 

Lo bueno:

Joaquin Phoenix: Hemos visto muchas interpretaciones de Guasón en el cine, desde la versión del tramposo (Cesar Romero), a la versión más divertida (Jack Nicholson), a la versión loca y animada (Mark Hamill), a la versión anárquica (Heath Ledger), a una versión sentimental (Zach Galifianakis) y lo que sea que hizo Jared Leto en Suicide Squad. Pero nunca hemos visto la versión monstruosa. Lo más que puedo decir sobre la actuación de Phoenix como Joker (y no lo estoy comparando con ninguna otra actuación del personaje de ninguna manera. Estoy evaluando la película bajo sus propios méritos) es que no solo saca a la luz la humanidad que hay en Arthur (o lo que le queda), sino que se vuelve AL-GA-RE-TE cuando deja salir al monstruo. Tanto una extensión como una reinvención del personaje, Joaquin Phoenix ofrece una representación inquietante del villano que probablemente no olvidarás a medida que pase la temporada de premios.

Todd Phillips: Esto puede sonar un poco extraño, pero la película es un viaje hacia la demencia que no puedes evitar sentir que no deberías estar viendo. Probablemente saldrás de esta película con un nudo en el estómago y eso es completamente lo que quiere Phillips como director y escritor (co-escrita por Scott Silver). En un sentido visual, Joker invoca los primeros trabajos de Martin Scorsese, especialmente a Taxi Driver y hasta The King of Comedy (que casualmente fueron protagonizadas por Robert De Niro y este tiene una presencia en esta como un personaje secundario). Francamente, casi esperas que Travis Bickle pase en su taxi en cualquier momento. Llámalo homenaje o estafa, Phillips es claramente un gran admirador de Scorsese. Y con un diseño de producción espectacular por parte de Mark Friedberg, Gotham City se siente más como la ciudad de Nueva York a finales de los 70s/principios de los 80s con sus calles empapadas de neón y los vagones del metro cubiertos de graffiti. Es una estética que se hace eco del Gotham del futuro que se encuentra en la trilogía de Christopher Nolan, incluso si todavía nos hacen creer que las películas no están conectadas.

Más allá de las películas de cómics: Sean advertidos, esta película no es Avengers, X-Men: Dark Phoenix Shazam!, Wonder Woman o Spider-Man. Como mencioné anteriormente, es mucho más similar a las películas de Scorsese pre-Goodfellas: lenta, mucho más concentrado en sus personajes y sus acciones, movimiento de la cámara, etc. Si habría que compararla a algo más reciente, piense en como te hacia sentir un episodio de Breaking Bad. Pero esto es lo que a hace resaltar de un mundo lleno de películas con hombres y mujeres con capas que tiran láseres por sus ojos o hacen que sus uñas de metal crezcan y hagan "SNIKT" cuando chocan contra algo. Sí, tiene elementos de los comics (especialmente The Killing Joke, la cual probablemente tomó mucha inspiración) y sí, el setting es Gotham City. Pero, aparte de eso, esto es un thriller psicológico... con el Guasón como protagonista.

La violencia no retratada como entretenimiento: La violencia en esta película es tanto brutal (así definida por la Real Academia Española y no como la usamos por ahí) y gráfica, ganando cada centímetro de su muy publicitada clasificación R. La vista de la cara de Arthur salpicada de sangre roja carmesí en su maquillaje de payaso blanco es tanto sorprendente y perturbadora. Para aquellos más acostumbrados a las adaptaciones típicas de cómics que minimizan la violencia, Joker se sentirá o como un soplo de aire fresco o simplemente demasiado. Está lejos de ser una película excesivamente violenta, pero cuando ocurren ciertas cosas, estas están destinadas a sorprender a la audiencia.

Lo malo:

Divisiva: Joker es una descripción inquebrantable e incómoda de una enfermedad mental que algunos pueden llamar explotadora y otros pueden considerar completamente esencial (más de esto adelante). Donde las líneas se vuelven borrosas es la inferencia que la inestabilidad mental de Arthur junto con su tratamiento sombrío por parte de la sociedad es lo que hace que un villano nazca, casi para sugerir que su violencia y venganza son reacciones completamente válidas. No hay duda de que Joker será una película divisiva y que hay personas que van a tomar sus puestos en alguno de los bandos. Al punto que este crítico/cinéfilo/wanabí todavía está debatiendo si la película me hizo enamorarme y sentir lástima por un monstruo, porque no hay otra forma de definir al personaje y sus acciones que no sea monstruosa, o si simplemente me monté en una montaña rusa que no paraba de dar vueltas. También nubló mi juicio hasta el punto en que se sintió moralmente ambiguo. Esta es una película que te dejará entumecido y que te hará que tengas tu corazón a un millón de seguro.

La mitología de Batman: Con toda honestidad, Phillips pudo haber eliminado cualquier conexión con el mundo de DC Comics y simplemente llamó a esta película Clown, Bobo o Chuckles y todavía funcionaría con la misma eficacia. A pesar de su conexión con un mundo narrativo más grande, Joker es una pieza independiente que en última instancia busca retratar el descenso de un hombre a la locura absoluta. Claro, ese hombre eventualmente progresa para convertirse en alguien que lucha contra el heroico vigilante del crimen de Gotham, pero la forma en que meten la mayoría de la mitología en la película (no toda. Una escena en particular es realmente genial para el desarrollo de Arthur.) se sintió como "¡Ei, audiencia! ¿Adivina quién está aquí?" o "¡Sabes lo que significa ESO!", y esas partes se sintieron un poco inorgánicas y detuvieron la película, especialmente cuando estaba ganando ritmo (por cierto, kudos al editor, Jeff Groth, quien hizo que 2 horas y 2 minutos parecieran nada [salvo por esas pocas escenas mencionadas]).

En fin, Joker es una película descaradamente impresionante con Joaquin Phoenix ofreciendo una actuación fuera de este mundo como el Príncipe del Crimen y Todd Phillips elevándose con su dirección absolutamente hermosa lo cual por fin hará que su nombre se desprenda de a trilogía de The Hangover. Molestará a algunos, contorsionará a otros y quizás hasta te hará reír, pero esta película siempre encuentra la línea perfecta entre tragedia y comedia. Esta es una película de DC que no debe perderse ya que han mostrado su disposición a aceptar historias un poco más adultas y espero que este sea el comienzo de las películas de cómics dirigidas solo a este mercado fuera de las películas de Deadpool y Logan.

Rating: A+

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Reseña de IT: Chapter 2: Flotarás... pero no tan alto

¿Cómo sigues una sensación cultural como lo fue IT en el 2017? La adaptación de la novela de terror icónica de Stephen‌ King fue tanto un éxito crítico y comercial, rompiendo récords y deleitando al público (tanto fanáticos acérrimos como a una nueva generación por igual) con la historia de la mayoría de edad del Losers Club y la historia de Derry, Maine; hogar de la criatura que cambia de forma y se come a los niños, mejor conocida como Pennywise. Con It: Chapter 2, la respuesta es que la sigas con un giro salvaje y entusiasta que, con todas sus fortalezas, no puede escapar de la sombra de su propio legado y expectativa.

Chapter 2 comienza 27 años después de que el Club de Perdedores derrotó inicialmente a Pennywise (Bill Skarsgård), con los niños ahora crecidos y la mayoría viviendo en otros lugares. Sin embargo, cuando Mike Hanlon (Isaiah Mustafa), el único que permanece en Derry, reconoce los signos de su regreso, llama a los demás integrantes y les pide que regresen y cumplan el juramento que hicieron en el 1989. Aunque todos han olvidado en gran medida a la ciudad de Derry y a Pennywise, la mayoría de los Perdedores, incluyendo a Bill Denbrough (James McAvoy), Beverly Marsh (Jessica Chastain), Ben Hanscom (Jay Ryan), Richie Tozier (Bill Hader) y Eddie Kaspbrak (James Ransome), regresan. A medida que los recuerdos de los miembros comienzan a regresar, estos deben lidiar con el trauma que sufrieron cuando eran niños e intentar derrotar al payaso asesino de una vez por todas.

Lo bueno

Los Losers adultos: En cuanto a los perdedores adultos, el elenco es el jonrón que podrías haber esperado. Como las "estrellas de Hollywood" de la película, James McAvoy y Jessica Chastain son sobresalientes como Bill y Beverly, respectivamente. McAvoy le da a Bill un patetismo desgarrador y la actuación de Chastain es tan silenciosa y excelente que espero que se pase por alto en favor de los personajes más llamativos de la película. Afortunadamente, se combinan con un trabajo igualmente fuerte del elenco de menor conocimiento / comodín, especialmente Jay Ryan como Ben e Isaiah Mustafa (el hombre Old Spice) como Mike, quienes son asombrosamente buenos para conjurar a sus contrapartes más jóvenes. Dicho esto, si hay que decir los ganadores de estos: tendrían que ser...

Bill Hader y James Ransone: Si bien todos los Losers están atrapados en su trauma preadolescente hasta cierto punto (Beverly se casó con un hombre aún más abusivo que su padre, Bill no puede dejar de escribir historias de terror sin un final apropiado, y Mike está literalmente atrapado en Derry). Lo más obvio en Eddie y Richie, cuyos miedos y ansiedades los han atrapado en su adolescencia (Eddie es un analista de riesgos que se casó con un timbre muerto para su madre y Richie es el bocón, que sigue contando chistes de masturbación y penes a tiempo completo a los 40 años) . Ambos actores aprovechan al máximo su material y se roban la película, manteniendo las bromas que definen la amistad de Richie y Eddie mientras profundizan en los momentos emocionales cuando cuenta.

Extraña y surrealista: En Chapter 2, Muschietti confía menos en la fuerza de sus actores en escenas de miedo simples y bien construidas (especialmente con Skarsgård [más sobre eso abajo]), inclinándose hacia lo extraño y alucinante a todo volumen. Aunque esto es asombroso e inmersivo mientras lo ves en pantalla, parte del sin duda se maneja mejor en la página, pero para crédito de Muschietti, es obvio que el director no quería descansar en sus laureles y hacer la misma película dos veces. 

Lo malo

El uso de Pennywise: La actuación de Bill Skarsgård sigue siendo una tormenta de fuego en el papel de villano, recordando una vez más cuán extraordinario es que logró redefinir un papel tan icónico. Es hilarante y horroroso de una manera claramente propia, una presencia eléctrica cuya mayor falla es la poca frecuencia con la que tiene la oportunidad de brillar en esta entrega. Esto se debe más a que la forma en que se usa al personaje es un poco más... juguetona. El payaso pasó eones en un maravilloso ciclo de banquetes y durmiendo hasta su primer encuentro con los Perdedores. Estos arruinaron su plan de "cada 27 años" y ahora él quiere arruinarles la existencia, lo que significa que la alimentación no es necesariamente su primera prioridad. Curiosamente, sus juegos mentales lo hacen menos visceralmente aterrador y más juguetón de una manera que recuerda a las versiones dee Freddy Kruger de la tercera A Nightmare on Elm Street en adelante. Él no necesariamente dice frases ingeniosas todo el tiempo, pero le gusta comprometerse con sus partes sangrientas.

La estructura del libreto: Mientras que la primera entrega de IT es una parábola de la mayoría de edad que presentaba a un grupo de niños en la cúspide de la maduración física y emocional, Chapter 2 cambia de manera torpe el enfoque hacia sus contrapartes adultas y la dificultad de lidiar con el trauma pasado (lo cual es el mismo pecado del libro original). Ya sea debido a la falta de delicadeza en el guión de Gary Dauberman o al cambio de enfoque que demuestra ser demasiado desafiante, el manejo de la historia y los temas de la segunda entrega no es tan sofisticado como su antecesora. Más bien, IT: Chapter 2 se basa demasiado en el diálogo expositivo y en decirle lo que va a ocurrir al espectador, en lugar de mostrárselos (o, en algunos casos, contárselo y mostrárselos).

Lo feo

¿Casi 3 horas para qué?: Si bien dije que la duración de la primera película pasó volando, Chapter 2 fue una tarea difícil. Mientras que Avengers: Endgame hizo que cada segundo contara y Once Upon a Time... in Hollywood hizo un experimento con la paciencia de su audiencia con una duración similar, la segunda entrega de IT nos dejó rascándonos la cabeza. Gran parte de la duración de casi tres horas de la película se gasta en el pasado, donde vislumbramos los recuerdos olvidados de los Perdedores del horrible verano que pasaron luchando contra Pennywise. Es emocionante volver a ver a la pandilla original: Finn Wolfhard, Jaeden Martell, Sophia Lillis, Jeremy Ray Taylor, Jack Dylan‌‌ Grazer, Chosen Jacobs y Wyatt Oleff todavía tienen esa química crepitante, aunque sí, rejuvenecimiento digital distrae (especialmente cuando hemos visto a algunos de estos niños en su forma actual en cosas como Stranger Things y Shazam!), pero, con pocas excepciones, se sienten como viajes por el camino de la memoria en lugar de información vital para los arcos actuales de los personajes adultos.

En última instancia, IT: Chapter 2 no es tan buena como lo fue la primera entrega, y puede tener problemas para cumplir con las expectativas que se han estado construyendo en los últimos dos años. No está tan hábilmente escrita ni la historia contiene temáticamente fuerte, aunque las imágenes son impactantes y sí generan una gran cantidad de sustos. Si bien Chapter 2 tiene sus fallas, todavía proviene de (casi) todo el mismo equipo creativo, lo que significa que si bien la historia requiere ciertas desviaciones de lo que funcionó en IT, Muschietti y Dauberman logran aportar líneas que evolucionan los personajes hasta y la franquicia de una manera interesante (hasta cierto punto). Como tal, la segunda entrega es una visita obligada para los fanáticos de Stephen King, y es una experiencia visual bastante entretenida incluso para aquellos que no son fanáticos del género de terror.

Rating: B-

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Reseña de Once Upon a Time... in Hollywood: Más extraño que la ficción

Si Quentin Tarantino cumple su promesa de retirarse después de dirigir 10 películas, entonces Once Upon a Time... in Hollywood, su novena, puede ser un intento de agrupar temas, imágenes y obsesiones de toda una carrera en un penúltimo proyecto en expansión. Incluso el título es un riff de un spaghetti Western de Sergio Leone, un género de película B que, junto con muchos otros, se pone amorosamente en el transcurso de esta saga de dos horas y cuarenta minutos sobre un grupo de habitantes de Tinseltown, algunos históricos, algo ficticios. Desafortunadamente, esta película tiene más glamour que sustancia.

Leonardo DiCaprio interpreta a Rick Dalton, una estrella similar a John Wayne que se ha vuelto inseguro y lloroso, incapaz de soportar perder su condición de hombre duro de Hollywood. Brad Pitt es Cliff Booth, el doble de Rick y chofer a tiempo parcial: "Un amigo que es más que un hermano y un poco menos que una esposa", como explica la voz en off de la película. Seguimos a la pareja mientras corren por Los Ángeles, buscando trabajo y gritándole a los hippies por la ventana del auto. Juntos, Rick y Cliff forman una diada de la masculinidad de la pantalla plateada de la vieja escuela, casi caricaturescamente machista aunque ciertamente muy sexy en sus autos rápidos y jeans ajustados. ¡Ah! Y todo esto ocurre mientras Sharon Tate y Roman Polanski se mudan a la casa justo al lado de Dalton, trayendo con ellos una secta liderada por Charles Manson.

Lo bueno

Leo y Brad: Una de las razones principales por las que Once Upon a Time... in Hollywood es levemente efectiva es porque los personajes principales y ficticios son divertidos. Rick y Cliff son el núcleo emocional de la película, con DiCaprio y Pitt mostrando una dulzura inherente en la relación de sus personajes; se sienten como dos viejos amigos que han pasado por muchas cosas juntos. Como era de esperar, ambos actores (que han trabajado con Tarantino antes) están dando actuaciones de primera, ya sea que estén cargando tramos de la película sobre sus hombros o mostrando su química. Como el emocionalmente inseguro Rick, DiCaprio tiene la oportunidad de mostrar un lado diferente de su rango de maneras que pueden ser humorísticas y sinceras. Pitt se ajusta a la parte de Cliff como un guante, canalizando los lados sensatos y tranquilos de la personalidad del especialista, dependiendo de lo que requiera la escena. Los dos siempre son entretenidos en pantalla y forman una gran pareja.

Welcome to the Sixties: Otro gran activo que tiene la película a su disposición es la tremenda tripulación de Tarantino que trabaja diligentemente para recrear Los Ángeles de la década de los 1960s con detalles intrincados. Ya sea alrededor de Hollywood Boulevard o en los sets que Rick está filmando, la película tiene mucho éxito en su misión de transportar a los espectadores en el tiempo. La diseñadora de producción Barbara Ling, la diseñadora de vestuario Arianne Phillips y el cinematógrafo Robert Richardson (entre otros innumerables) merecen crédito por sus contribuciones, ya que trabajan juntos para crear algo inmensamente atractivo, agarrar al espectador y nunca dejarlo ir hasta que se agoten los créditos. Y como era de esperar, las selecciones de la banda sonora de Tarantino ayudan a crear el ambiente para las escenas de una manera que solo él puede lograr.

Lo malo

Sharon Tate: Le daremos esto a Tarantino; él dejo claro que la película no trataba sobre los asesinatos hechos por la familia Manson, sino que esto sería el fondo de la película. Pero ahí es que comienzan los problemas con la película. A pesar de tener pocas líneas, el entusiasmo y la energía positiva trae Margot Robbie cuando interpreta a Sharon Tate irradia. La visión de ver a la verdadera Tate en The Wrecking Crew es una linda mordaza que refleja su búsqueda de validación, pero las apuestas con su personaje son demasiado bajas. Sus relaciones son desinteresadas ya que Polanski no se registra como personaje y Emilie Hirsch como su estilista y ex, Jay Sebring, está perdida. En lugar de centrarse en el viaje de cine alargado solo o incluso interactuar con los personajes ficticios interpretados por Pitt y DiCaprio, las relaciones de Tate con estos hombres podrían haber enriquecido sus escenas.

¿Cuál es el enfoque de la película?: Algunos han elogiado a Hollywood como un poderoso ensayo visual de la época y no seremos los primeros en decir lo contrario porque, como mencionamos anteriormente, es hermosa estéticamente. Sin embargo, los fuertes recortes pop abruman una narrativa potencialmente convincente. Hasta el final, la historia está demasiado fragmentada. Nunca decide si quiere ser una película sobre la industria del cine en esa época, o si es sobre un hombre que está buscando redención sobre sus acciones/rumores de acciones tomadas o sobre una mujer buscando validación del público antes de sus últimos días. Esto deja la representaciones de DiCaprio, sólida y autocrítica, de Pitt, fuerte y sensata, y la de Robbie, dulce y genuina, varadas en un proyecto desigual, con un final grotesco (aunque grandioso debido a lo que ocurre) para justificar su pregunta inútil "¿y si esto hubiese ocurrido?".

Lo feo

2 horas y 20 mins de básicamente nada: La película dura 2 horas y 40 mins. De esos, 20 mins son lo más interesante ya que básicamente se cruza entre sus personajes principales y su vida cotidiana. Ahora, no estoy diciendo que no hay escenas interesantes dentro de ella (una escena entre Leo y una actriz joven es peak-Tarantino), sino que un par de tijeras para cortar las 15 escenas (y eso es un conteo bajito de lo que probablemente fue/se sintió) donde vemos a Brad y Leo conduciendo sin rumbo por LA no habría mató a cualquiera. Rick ensaya líneas con su reproductor de cintas y contempla hacer spaghetti westerns en Italia (consejos de carrera de un agente, interpretado por Al Pacino). Cliff conduce por la ciudad haciendo trabajos extraños antes de irse a casa a una caravana lúgubre, donde su pitbull espera ansiosamente su cena. Sharon hace fiestas en la Mansión Playboy y salta a los discos en su casa de Cielo Drive. En resumen, no sucede mucho realmente. (Hasta que de repente sí ocurre algo). Tarantino parece más interesado en presumir a sus actores principales, que se claramente deleitan para él, y su recreación amorosa de los puntos de referencia de Los Ángeles (como Musso & Frank's y El Coyote) que en la construcción de tensión dramática en torno a la "historia" que concibió.

Quizás la peor parte de todo esto es que es sintomático de problemas más profundos en Once Upon a Time... in Hollywood. Si bien contiene gran parte del mismo diálogo inteligente y de la construcción del universo fascinante que las mejores películas de Tarantino, esta película carecía de la misma narrativa convincente que hizo que Tarantino funcionara como Inglorious Basterds y Django Unchained clásicos contemporáneos. Parece que Tarantino está tan absorto en su propio estilo cinematográfico que pierde de vista lo que hizo que sus mejores películas funcionaran. El resultado es una película que, aunque semientretenida, se siente como una oportunidad perdida.

Rating: C

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Reseña de Hobbs & Shaw: Ejercicio de 'branding' para sus estrellas

Las películas de la serie de Fast & Furious obtuvieron una nueva oportunidad de vida cuando agregaron a Dwayne Johnson al elenco en el 2011. De muchas maneras, The Rock fue la pareja idónea para la franquicia musculosa y su exploración de la hermandad multicultural. Ahora, después de su muy publicitado choque fuera de la pantalla con Vin Diesel en The Fate of the Furious, Johnson y su coestrella Jason Statham encabezan un spin-off de su propio llamado Fast & Furious Presents: Hobbs & Shaw, un proyecto que, si nada más, mantiene la orgullosa tradición de la serie de no poder conformarse con un esquema de título consistente. Hobbs & Shaw tiene éxito parcial en la evolución de la propiedad, pero en su mayoría se siente como un ejercicio de marca para The Rock y Statham.

Hobbs & Shaw sigue al agente Luke Hobbs (Dwayne Johnson) quien es reclutado para una operación secreta que lo empareja con su frenemy, el asesino de las Fuerzas Especiales Británicas convertido en mercenario Deckard Shaw (Jason Statham). Los dos tienen la tarea de localizar a la hermana de Shaw, Hattie (Vanessa Kirby), una agente del MI6 que supuestamente ha robado un arma biológica extremadamente peligrosa. Sin embargo, cuando se enteran de que Brixton (Idris Elba), un terrorista cibernéticamente mejorado que trabaja para una poderosa organización criminal, está cazando a Hattie, la pareja se da cuenta gradualmente de que, les guste o no, tienen que cooperar si van a salvar el mundo.

Lo bueno

Johnson y Statham: Estos dos, junto a otra persona quien mencionaré un poco más abajo, son la razón principal para ver la película. En la serie original, los dos pasaron una película entera en desacuerdo entre sí, seguida de otra película trabajando a regañadientes codo con codo, pero en caso de que no estuvieran al tanto de su equipaje personal en esta película, Hobbs & Shaw envuelve un regalo fantástico. una escena entre los dos para recordarte que realmente no se quieren. Pero el quid de la historia aquí es que estas dos fuerzas opuestas tendrán que aprender a trabajar juntas para salvar el día ... y al mundo. Tiene un elemento de Lethal Weapon, pero en este caso ambos son Riggs en el sentido de que hacen una competencia sobre quién es más algarete que el otro durante peleas.

Vanessa Kirby: La actriz (quien recordarás que apareció en Mission: Impossible - Fallout) se une a la franquicia como Hattie Shaw, una agente del MI6 que resulta ser la hermana de Deckard y el McGuffin durante el resto de la historia. Es un giro inteligente en un tropo común, y es uno que hace de Hattie un activo valioso, una fuente de fricción emocional entre los tres protagonistas y una amenaza mortal para todo el mundo, todo al mismo tiempo. Hattie es tan fuerte y capaz que llama la atención de Hobbs y logra sentirse en gran medida como su propio personaje con cierta agencia y competencia, al tiempo que se convierte en un interés amoroso.

Lo malo

¿Expandiendo el universo?: Escrito por el arquitecto de la serie, Chris Morgan, acompañado por Drew Pearce (quien, curiosamente, tiene experiencia previa escribiendo sobre personajes mejorados cibernéticamente gracias a su trabajo en Iron Man 3), Hobbs & Shaw se queda corta en sus esfuerzos por desarrollar su concepto en una experiencia cinematográfica satisfactoria. Intenta trasladar los temas anteriores de Fast & Furious sobre la familia al retomar la historia de fondo de Shaw y explicar por qué Hobbs desarrolló su mentalidad de lobo solitario, pero al hacerlo, la película confunde la transformación en curso de Shaw de malvado vengativo en Furious 7 a antihéroe incomprendido en Fate of the Furious y esta. De igual manera, escribe de manera torpe como Toretto y su equipo están fuera de escena cuando se trata de la historia de Hobbs. Añadiéndole a esto, la película intenta darle a Hobbs y Shaw su propio equipo para posibles aventuras futuras, pero los personajes (que solo hacen cameos glorificados) son un carbon copy de los personajes principales de la serie grande. Por las mismas razones, Hobbs & Shaw parece menos interesado en expandir el universo y más como un intento calculador de remodelar, o, para decirlo de manera menos amable, robar, la franquicia para Johnson.

La acción: El director David Leitch y su compañía de producción 87Eleven han revolucionado absolutamente el cine de acción en Hollywood desde que salió la primera película de John Wick. Cualquier cosa en la que estén involucrados, voy a querer ver. Lamentablemente, la acción aquí se siente en gran medida sin peso y no particularmente atractiva. Hobbs & Shaw presenta piezas de acción ridículas desprovistas de lógica y física, al igual que sus predecesores, pero se olvida de inyectarlas con urgencia o creatividad. La motocicleta de inteligencia artificial de Brixton es la única novedad visual creativa nueva y genial o una nueva idea en juego aquí. Parece que tal vez Leitch simplemente se vio afectado por las limitaciones de la fórmula.

Lo feo

Demasiado larga: También hay una sensación de flujo realmente discordante en esta película. Es dolorosamente larga al tener una duración de 2 horas y 15 minutos. Es un gran error, ya que gran parte de ese tiempo de ejecución podría haberse cortado ya que provienen de estos fragmentos de comedia extendidos que ocasionalmente me hicieron reír, pero realmente rompió el sentido de urgencia y desinfló las apuestas de la película. La vida de Hattie es un reloj en marcha ya que el virus dentro de ella eventualmente la matará a ella y luego al mundo entero. Sin embargo, habitualmente tenemos tiempo para intercambios de chistes extendidos. ¿Esa tensión que el público de todo el mundo sintió en el acto final de Mission: Impossible - Fallout? Sí, no hay nada ni remotamente comparable aquí. La comedia está demasiado animada y las emociones están demasiado extendidas para que Hobbs & Shaw se sienta como algo más que una distracción masiva.

Como la suma de sus partes, Hobbs & Shaw es una desviación aceptablemente para un blockbuster de agosto, pero no es un buen augurio para el deseo de Universal de escindir múltiples personajes de Fast & Furious en películas independientes. The Rock tiene una marca distinta en este momento en esta carrera y la ha aplicado con éxito a otras IP en los últimos años, pero el resultado final aquí muestra las limitaciones de su enfoque y, en todo caso, ilustra cuán integral es Vin Diesel y su núcleo familiar realmente son para la franquicia. Por supuesto, si los fanáticos deciden que no están interesados en una sub-franquicia de Hobbs & Shaw después de todo, no es como si Johnson o Statham estuvieran sufriendo por trabajo en el futuro cercano/lejano.

Rating: C+

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