Reseña de The Irishman: Elegía épica de gangsters

Martin Scorsese es uno de los gigantes del cine y muy, pero que muy pocos podrían decir lo contrario. Goodfellas es altamente considerada como una de las mejores películas de gángsters de todos los tiempos (incluso para algunas personas es de las mejores películas de la historia), y lo peor que uno podría decir sobre Casino es que no es tan buena como Goodfellas. Pero Scorsese ha hecho suyo el género cuando lo explora, por lo que es apropiado que su película más reciente, The Irishman (o I Heard You Paint Houses, dependiendo de cómo quiera leer las tarjetas de título), vuelva al género mientras Scorsese mira no solo un Estados Unidos de posguerra, sino lo que deja los que han sido denominados como The Greatest Generation. Dirigido por un trío de actuaciones destacadas de actores legendarios que están felices de recordarle a la audiencia por qué son leyendas, la película es una mirada reflexiva a la segunda mitad del siglo XX en Estados Unidos con Scorsese sin perder nada de su chispa.

La película comienza en un hogar de ancianos donde un Frank Sheeran anciano (Robert De Niro) comparte la historia de su vida de hacerse amigo del jefe de la mafia Russell Bufalino (Joe Pesci). Frank es un miembro del equipo (es decir, un conductor de camión) que no le importa cometer delitos ocasionales, lo que lo pone en el radar de Bufalino y otros mafiosos. Finalmente, esta amistad pone a Frank en la órbita del presidente del equipo Jimmy Hoffa (Al Pacino), quien tiene algo muy bueno con los mafiosos. Los mafiosos quieren construir casinos, pero los bancos no les prestarán el dinero. Hoffa lidera el sindicato y puede usar sus cuotas y pensiones para invertir en casinos. Pero a medida que pasan las décadas, la relación entre la mafia y Hoffa se deshilacha con Sheeran, una amiga de Bufalino y Hoffa, atrapada en el medio.

Lo bueno

La edición: Se tiene que decir desde el principio porque es el punto que muchos mencionan cuando hablan de esta película. A pesar de que su duración de 3 1/2 horas, The Irishman nunca se siente exageradamente larga. Scorsese y su editora por las últimas déccadas, Thelma Schoonmaker, saben cómo mantener la película en movimiento a un ritmo uniforme, y eso es haciendo que sea tan divertida como una película de gangsters puede ser. En lugar de disfrutar de los excesos de mafiosos que se muestran en Goodfellas y Casino, disfrutamos pasar tiempo con estos personajes reales y su extraña visión del mundo. La película saltará felizmente mientras Sheeran entra y nos cuenta acerca de un hombre hecho antes de que el texto parpadee en la pantalla diciéndonos cómo esta o aquella persona murió horriblemente. The Irishman sigue siendo violenta, pero de una manera fría e insensible. No hay montaje con la canción "Layla" de fondo donde vemos la inmensidad de la brutalidad. En cambio, Scorsese lo convierte en una versión del género tipo clase trabajadora, como Frank, y no necesita mostrarnos cada golpe brutal porque, para citar un refrán frecuente, "es lo que es".

Martin Scorsese: Con The Wolf of Wall Street del 2013 y Silence del 2016, no parecía que la edad avanzada del director hubiera afectado a uno de los mejores cineastas de todos los tiempos. Utilizando métodos probados junto con nueva tecnología, Scorsese demostró ser experto en contar historias en la pantalla grande con la misma energía, intensidad y honestidad emocional en sus setenta años que en los años setenta. Si bien The Wolf of Wall Street tenía un sentido muy familiar en comparación con otras entradas en su filmografía, todavía estaba brillantemente ejecutada y entretenida. The Irishman es interesante porque es una película sobre un anciano, que comienza con Frank en una casa de retiro contando su historia (mientras Scorsese invierte su propia toma famosa de la escena del Copacabana en Goodfellas), pero también se siente como una película hecha por un hombre que entiende su posición actual en el mundo al igual que el legado que dejará atrás.

De Niro, Pacino y Pesci: Si bien De Niro, Pesci y Pacino han presentado actuaciones cuestionables, especialmente en las últimas partes de su carrera (Dios te guarde si nunca has visto Dirty Grandpa con De Niro o Jack & Jill con Pacino), todos vinieron a batear y lo que hicieron fue pegar jonrones en todos los sentidos. De Niro tiene el estoicismo conciso que recuerda mucho a su trabajo en The Godfather: Part II; Pesci le da a Bufalino una gentileza sorprendente y abuelo que se yuxtapone muy bien con la violencia que supervisa al igual que sus actuaciones en películas como Goodfellas o Lethal Weapon; y la agresividad rimbombante del trabajo posterior de Pacino encaja super bien con el ególatra Hoffa. Estos actores trabajan bien juntos no solo porque los hemos visto juntos antes en películas en otras películas, sino porque son adecuados para estos roles específicos, especialmente bajo la dirección de Scorsese.

Los efectos especiales: Antes de que alguien viera una sola escena de la película, hubo una gran discusión sobre el uso de la tecnología de eliminación del envejecimiento de sus actores (específicamente su protagonista). De Niro tiene más de setenta años, y esta película muestra a un Frank Sheeran mucho más joven por gran parte de su duración al igual que Samuel L. Jackson en Captain Marvel a principios de este año. Aparte de dos excepciones notables, el uso de esta tecnología es impecable. Es fácil aceptar a De Niro como un hombre de mediana edad, o incluso un hombre joven. Aún así, las dos excepciones son cuando vemos a Sheeran en sus veintes, y una escena en la que se mueve lentamente, como un anciano. De Niro y Scorsese han trabajado juntos desde Mean Streets hace casi 50 años, y esas primeras actuaciones con películas Taxi Driver y The King of Comedy (que cierta otra película le hace mucha reverencia) son prácticamente acrobáticas. No puedes fingir la fisicalidad de la juventud. Scorsese y De Niro lo internalizan, por lo que la mayor parte de la actuación está en su cara. Y eso hace toda a diferencia.

Lo malo

Muchas personas la verán en una pantalla pequeña: Aunque ahora mismo solo se encuentra en los cines, a partir del 29 de noviembre del 2019 se alojará en Netflix ya que la misma es al casa distribuidora. Al igual que Roma el año pasado, el verla en una pantalla mucho más pequeña (ya sea por televisión o el celular) te estará robando de gran parte de la experiencia de la película. Sí entiendo que el dedicarle el día a esta película en el cine por tres horas y media en vez de verla en casa donde puedes cuando quieras puede ser algo no muy atractivo, pero también entiendo que es una película que merece ser vista con un público en la pantalla grande donde todos pueden apreciar cada detalle de amor que el director le brindó a la misma.

Ves The Irishman, ya sea en un cine o en Netflix, con una sensación de tiempo que pasa; es el tipo de película pausada old-school que ya no se hace mucho (y que según el mismo Scorsese dice que corren peligro por las películas de superhéroes [lo cual es su opinión y se respeta]), y te preguntas cuántas películas más Scorsese y sus estrellas les quedan por hacer. En sus escenas finales tranquilas, The Irishman se siente como una elegía. Un hombre recuerda una vida, solo y en silencio consigo mismo, reflexionando sobre las historias que llevará a su tumba. "Por lo general, tres personas solo pueden guardar un secreto", gruñe, "si dos de ellos están muertos". 

Rating: A

¿Qué tú pensaste de The Irishman? Déjanos saber en el área de los comentarios o en nuestra página de Facebook: www.facebook.com/MovieRican.

Recuerda darle LIKE y SHARE a la página.

Reseña de Charlie's Angels: Actualización necesaria

Este no ha sido el mejor año para reiniciar o lo que podría considerarse una continuación innecesaria de las franquicias de gran presupuesto. Después de que Men in Black: International demostró ser una falla para Sony, creció la preocupación por Charlie's Angels, y los tráilers no ayudaron los suficiente para cambiar esa mentalidad. Resulta, sin embargo, que esta podría ser una sorpresa agradable. Elizabeth Banks no solo demuestra que la marca todavía tiene un gran atractivo (hasta cierto punto), sino que también se suma a ella al ampliar el alcance de la Agencia Townsend e introducir tres nuevas espías increíblemente encantadoras.

Al comienzo de la película, Sabina (Kristen Stewart) y Jane (Ella Balinska) ya son ángeles de pleno derecho. Jane es una ex agente del MI-6 que es eficiente y meticulosa, mientras que Sabina es un poco más descarada y no tiene problemas para divertirse un poco en las misiones. A pesar de sus diferentes estilos, Sabina y Jane se juntan con la tarea de proteger a Elena (Naomi Scott), la científica responsable de crear un dispositivo de energía sostenible llamado Calisto. Calisto tiene un gran potencial para hacer del mundo un lugar mejor, pero también es algo que puede ser armado, y Elena no puede evitar que sus jefes lo hagan sin la ayuda de los Ángeles.

Lo bueno

Las Angels: Como la única que no comienza como un Angel oficial, Scott se las juega con las cualidades más torpes de Elena con gran efecto, incluyendo una escena de pelea sobresaliente con algunas coreografías muy creativas. Stewart le mete como el alivio cómico en la película, entregando un lote completo de frases ganadoras y siendo una alegría absoluta para ver en este tipo de película. Y qué debut para Balinska; ¡que presencia en la pantalla! No tiene problemas para liderar cada frame que aparece mientras hace casi todo, desde vender a Jane como una fuerza letal hasta tener un encuentro divertido y lindo con un científico y vender sin esfuerzo el único momento emocional de la película. Agrupa a las tres y se recrea lo que también ha sido el corazón de la marca Charlie’s Angels, un trío principal indudablemente entretenido, capaz y adorable.

Acción a mitad de presupuesto: Trabajando con aproximadamente la mitad del presupuesto de las películas de los 2000s, esta versión todavía se las arregla para empacar todas las persecuciones de automóviles, explosiones y secuencias de lucha por las que esta franquicia es conocida, filmadas en una serie de locales deslumbrantes en todo el mundo. Para una película que "solo" cuesta $50 millones (lo cual es prácticamente ultraconservador en la industria del cine hoy día), este reboot nunca parece una rebaja. Pero la escritora/directora/productora Banks ofrece algo mucho más basado en la realidad, con la estilizada coreografía de lucha tipo Matrix que causó furor en el 2000 a favor de una acción mucho más auténtica.

La perspectiva femenina: siempre me ha parecido interesante que para una serie de programas de televisión y películas centrados principalmente en tres mujeres inteligentes e independientes, siempre se hayan escrito y dirigido desde la perspectiva masculina. Las encarnaciones anteriores de Charlie's Angels todavía tienen admiradores, y ciertamente tienen sus propios méritos, pero esta versión no solo es la entrada en la franquicia que muchos espectadores han querido ver durante algún tiempo al presentar una película de acción desde la mirada femenina que muchos cinéfilos han deseado durante años, si no décadas. En ese seentido, Charlie's Angels de Banks es una revelación que ofrece a los espectadores exactamente lo que necesitan, incluso si no sabían que es lo que siempre quisieron (aunque, a veces, no es muy sutil al respecto).

Lo malo

Elizabeth Banks, directora: La película es una mejora importante de Pitch Perfect 2 (su debut como directora), pero Banks todavía tiene un largo camino detrás de las cámaras. Charlie's Angels tienen una serie de escenas muy bien construidas, mejoradas aún más por un diseño de producción vibrante y atuendos impresionantes, pero la película carece de un estilo coherente. Si estás ansioso por descubrir cómo es una película de Elizabeth Banks, esta no será de mucha ayuda. Su trabajo es más que útil aquí, pero la única cualidad sobresaliente es la emoción y la pasión que Banks tiene por la marca en lugar de hacer suyo el material.

40% de la historia: En cuanto a la trama principal, la asignación de los Ángeles no es nada especialmente revolucionaria; las entidades malvadas están tratando de convertir en arma una creación tecnológica genial. Como a los 20 minutos de película ya uno sabe quién va a ser el malo, lo cual la torna predecible. Dicho esto, los detalles de la misión siempre han sido secundarios al atractivo de las ángeles, y el guión encuentra un gran éxito al establecer y unir a nuestras tres jugadores principales.

Los fanáticos de las películas de acción en general harían bien en ver Charlie's Angels. Es bastante divertida (incluso mejor que Hobbs & Shaw en términos simples de diversión dentro de películas de acción que han salido este año), y la película see mueve bastantee rápida para aquellos que desean una emocionante excursión en el teatro. Stewart, Balinska, Scott y Banks son dinamita en la pantalla, con todo el grupo trabajando excelentemente juntas para infundir humor y corazón en la película (aunque hay más de lo primero que de lo segundo). En última instancia, Charlie's Angels actualiza la franquicia de espías mientras honra lo que vino antes, ofreciendo una actualización muy necesaria y allanando el camino para toda una nueva generación de ángeles.

Rating: B-

¿Qué pensaron ustedes de la nueva versión de Charlie's Angels? Déjanos saber en el área de los comentarios o en nuestra página de Facebook: www.facebook.com/MovieRican.

Recuerda darle LIKE y SHARE a la página.

Las 10 de los 2010s: Películas de Comics

(Este artículo es parte de una serie llamada Las 10 de los 2010s, el cual celebra todas las películas que estrenaron durante la década de los 2010s).

Es difícil no pensar en la década que está por terminar y no considerarla la edad de oro de las películas de cómics. No solo han estado recaudando dinero y batiendo récords en todo el mundo, sino que la calidad ha sido considerablemente más consistente en términos de historias entre el 2010 y el 2019. Y no es solo eso, también se han vuelto considerablemente ambiciosos en la forma que cuentan estas historias, evolucionando de "persona con poderes salva a la chica del malo" a thrillers políticos, películas de robos, comedias, películas psicológicas y películas sobre identidad racial y de género. Es por esto (y como 10,000 razones más) que, como parte de Los 10 de los 2010, estamos haciendo una lista de las mejores películas de cómics de la década.

Como toda lista que hacemos en esta página, estas fueron escritas en un papel para cada integrante y se hizo un ranking usando promedios, convenciendo y chantajeando uno al otro. La lista es nuestra opinión sincera y no la lista definitiva de todos los tiempos. Sabemos que hay personas que tienen opiniones diferentes y está más que bien ya que todas las películas son subjetivas. Además, nos concentramos solamente en las películas que estrenaron entre el 2010-2019. En otras palabras, para esta lista no se pueden incluir películas como The Dark Knight, la trilogía de Spider-Man protagonizada por Tobey Maguire, Iron Man, entre otras que salieron en la década anterior.

Menciones honorable: Shazam!, X-Men: First Class, Spider-Man: Homecoming, Avengers: Infinity War y Thor.

10. Wonder Woman (2017)

Ver Wonder Woman en los cines durante su debut es ver cómo se hace la historia en el cine (lo cual se podría decir por varias películas en esta lista). El mero acto de ver al personaje femenino que surgió del mundo de los cómics más famosa fue algo significativo, y dado que rápidamente se convirtió en una de las películas más lucrativas jamás creadas por una directora fue el cherry encima del sundae. Afortunadamente, no es solo trascendental; en realidad es una película muy agradable. Gal Gadot da una actuación deslumbrante como la guerrera titular, uno tejido con una seriedad que rara vez se ve en la industria de películas de superhéroes hoy día. Chris Pine es una delicia total como la damisela en apuros masculina (llámalo amigo en circunstancias extremas, tal vez). Aunque solo está en unos minutos de la película, Robin Wright es fantástica como la mentora de Diana. El tercer acto es  un poco aburrido y rutinario, pero el resto es tanto encantador como emocionante. 

9. Black Panther (2018)

Si Superman nos hizo creer que un hombre puede volar en el 1978, Black Panther nos hizo creer que Wakanda es un lugar verdadero 40 años después. En un nivel puramente superheroico, dispara en todos los cilindros. El protagonista titular de Chadwick Boseman es un ícono instantáneo gracias a su carisma real y patrones de discurso contemplativo. Su rival en Michael B. Jordan se encuentra entre los mejores villanos que jamás hayan adornado el género de los superhéroes en cualquier medio, presentando una arrogancia intimidante y un plan maestro persuasivo. Su conflicto es shakesperiano en sus temas, épico en su diálogo (aunque también es propenso a deliciosas inmersiones en vernáculo) y asombroso en su acción climática. El CGI y los efectos prácticos son casi perfectos (todo iba bien salvo el tercer acto) y el diseño de vestuario y producción, con su mezcla de panafricanismo y Apple Store, parece como nada que hayamos visto antes.

8. Joker (2019)

Las películas siempre nos han mostrado quiénes somos, pero eso no significa que la dinámica tenga que ser literal. No soy el héroe armado de una película de vaqueros o un jedi en una galaxia muy, muy lejana, o un vigilante que sale de noche con un disfraz de murciélago. Pero cuando veo esas películas, soy cada una de esas personas. Esa es la gloria del cine. Y cuando miro a Joker, con la intimidad inquieta que establece entre el público y Arthur Fleck, durante dos horas soy un hombre desesperado, enfermo que busca una escotilla de escape. Arthur es a la vez el villano y protagonista de Joker, y la brillantez de la actuación de Joaquin Phoenix, al igual que la audacia de la película, es que Phoenix toma el síndrome psicológico de la rabia de sentirse bien y lo deja al descubierto, lo desnuda, lo muestra Arthur desde el interior, poniéndonos en contacto con la furia deformada que lo ha atormentado, y ahora lo está limpiando mentalmente. Por eso es más que un simple "incel". Somos todos nosotros. Toda nuestra ira, toda la ira que nos hace sentir tan liberados cuando la dejamos salir. Sin embargo, no lo tomes demasiado literalmente. Arthur es un producto, una proyección, una imagen soñada de nuestro espíritu colectivo. Por eso es una advertencia. La película nos dice "sonríe cuando tu corazón está furioso pero entiende que así es como se podría expresar si no se hace nada interna o externamente".

7. Avengers: Endgame (2019)

En los tiempos de antes, cuando el MCU no existía, el tipo de historia que se cuenta en Avengers: Endgame se habría considerado no filmable, por no mencionar que no se hubiese podido "promocionar". Es una película de tres horas que requiere que hayas visto más de 50 horas de películas anteriores para tener la comprensión más básica de lo que está sucediendo en la trama, protagonizada por un montón de personajes de superhéroes inferiores de Marvel Comics (por eso me refiero que los protagonistas no son Spider-Man o los X-Men), decenas de las cuales tienen que reproducir narraciones en la pantalla. Y como quiera los directores, los Hermanos Russo, y los guionistas Christopher Markus y Stephen McFeely se han convertido en veteranos en este tipo de cosas, funcionando como una banda de malabaristas de cuatro hombres que se lanzan pavos rellenos entre sí dentro de la misma cocina. En realidad, no hay ningún tema fuera de los temas típicos sobre creer en ti mismo y recordar el poder de la amistad, pero el hilo se ejecuta con precisión milimétrica (también debemos inclinarnos ante los editores Jeffrey Ford y Matthew Schmidt). Lo que es más, en una rareza para el MCU, hay imágenes realmente inquietantes, la mayoría de ellas inspiradas por el creador de Thanos/Drax/Gamora, Jim Starlin, cuyo trabajo le ha ganado a otras personas cantidades de dinero incomprensibles. La historia contiene saltos de lógica que requieren confianza, pero no importa eso: en un nivel emocional, cada latido se siente ganado y orgánico. Cada vez que la película se remonta a una anterior, me encuentro extraña y algo vergonzosamente conmovido por la idea de que el MCU ha estado allí durante tantos puntos en mi vida reciente, lo cual es probablemente el triunfo más grande que esta película pudo haber tenido (aparte de los $2 mil millones que recaudó mundialmente). 

6. Captain America: The Winter Soldier (2014)

Si miras todas las actuaciones principales del boom de los superhéroes, no encontrarás una más implacablemente entrañable que la de Chris Evans como Steve Rogers en la segunda película de Captain America. Apenas unos minutos después, vemos que el rubio desplazado por el tiempo garabatea con atención una nota para sí mismo en un papel que guarda para anotar las cosas que se perdió mientras estaba congelado (por ejemplo, "Star Wars/Trek", "El aterrizaje en la luna","Comida tailandesa", entre otras). ¿Cómo no puedes recibir ese momento con un cordial "awwww"? Incluso cuando está golpeando a una masa de villanos retorciéndose en un ascensor, Evans/Rogers nos mantiene atrapados con su sinceridad y anhelo por un pasado e ideales perdidos. Pero Winter Soldier no se basa únicamente en la naturaleza ganadora de su actor principal. También ofrece una historia tonalmente claustrofóbica sobre conspiración y complicidad, puntuada por secuencias de acción excitantes y líneas llenas de subtexto. Permite que veteranos como Robert Redford y Samuel L. Jackson se diviertan y eviten la jerga de los cómics. Y aunque no es una predicación o una política explícita, esta es una película sobre el camino de mierda que un soldado retirado tiene que recorrer, sabiendo que el mundo lo ha dejado atrás y buscando consuelo en presencia de otros soldados. El vínculo entre Steve y Bucky inspiró historias de fanfiction (a menudo románticas) a pesar de que este último tiene menos de 20 líneas en toda la película, lo que es un testimonio del poder de la película. A diferencia de la mayoría de las películas de superhéroes, Winter Soldier en realidad tiene subtexto mucho más interesante que a simple vista.

5.  Scott Pilgrim vs. The World (2010)

La película basada en el cómic que más representa la forma de arte no tiene a un solo superhéroe a la vista (bueno... sí los tiene [Chris Evans, Brie Larson, Brandon Routh y Mary Elizabeth Winstead] pero ninguno como su personaje más famoso). Edgar Wright utiliza el sonido y la edición como nadie más, especialmente en esta maravilla vertiginosa en la que los chistes llegan rápidos y furiosos. Cada frame de la película es como un cuadro cómico y la acción es maravillosa. Cada pieza del set (con cada malvado ex novio con el que nuestro héroe debe luchar) usa diferentes técnicas: Matthew Patel adquiere un sabor de Bollywood, mientras que la pelea con el bajista vegano de Brandon Routh es un enfrentamiento mágico y musical. La película está impregnada de nostalgia de videojuegos, mezclando los estilos de 8 bits con globos de sonido cómicos en un festín visual.

4. Captain America: Civil War (2016)

A pesar de todo su algarabía y subtexto sobre la supervisión del gobierno y los lazos de amistad, la magia del Captain America: Civil War reside en la familiaridad. Verla es como ver un muy buen episodio de un programa de televisión de larga duración mientras los personajes que conoces se pelean tanto físicamente como verbalmente por algo que cambiará la dinámica por siempre. La película tiene una enorme cantidad de arte que incluye, pero no se limita a: la introducción de ambos Black Panther y Spider-Man orgánicamente a la historia, secuencias de acción que provocan suspiros por doquier, diálogos sólidamente divertidos, un equilibrio magistral de atención entre el elenco masivo de personajes, una sabia decisión de no perder el tiempo en historias de origen, y esa pequeña y extraña escena que resucita Robert Downey Jr., de la era de Less Than Zero. Al juntar todo esto, más el equipaje que traen cada uno de estos personajes debido a todas las películas anteriores, Civil War tiene ese punto de diferenciación brutal de todas las películas del género al poder juntarlo todo sin problemas.

3. Guardians of the Galaxy (2014)

Guardians of the Galaxy reescribió las reglas del MCU. Resulta que las películas de superhéroes pueden ser tontas e irreverentes pero con mucho corazón. Desde la escena de apertura hasta los momentos finales, el amor del escritor y director James Gunn por el material se exhibe descaradamente, cada frame rebosando del alma. Y el elenco va más allá gracias al guión de Gunn. La participación de Chris Pratt como el hilarante Star Lord fue una revelación para aquellos que no habían visto Parks and Recreation. Luego está Zoe Saldana como la malhumorada Gamora, Dave Bautista como el excelente y torpe Drax, Vin Diesel diciendo las mismas tres palabras (con diferentes inflexiones) como Groot y Bradley Cooper como la voz del temperamental Rocket. Todos los miembros del grupo homónimo de inadaptados trabajan super bien juntos. Además, está la banda sonora y fan service están en todo su apogéo para hacer de esta una entrega obligada para ver dentro del MCU.

2. The Avengers (2012)

Hasta el día de hoy, la primera entrega de The Avengers es el mayor logro del Marvel Cinematic Universe ya que hizo algo que ninguna película había hecho antes hasta ese momento: unir personajes e historias dispares en una narrativa coherente que fue algo más grande y emocionante que lo que había sucedido antes. La epopeya de Joss Whedon combina dialogo humorístico y juguetón con un abrazo exuberante de la lucha de ciencia ficción que ha dado paso al modelo a seguir dentro del MCU. Su diálogo resalta, su comedia es ágil, sus personajes laten con fuerza (quién puede olvidar el momento que Bruce Banner admite que controla su enojo porque "siempre estoy enojado"), su ritmo nunca se arrastra y te deja rogando por más tiempo con el equipo titular. Nadie ama a los superhéroes más que Whedon, y nunca ha habido una expresión de amor más pura para ellos que esta película (salvo la última hora de Endgame).

1. Logan (2017)

En el mejor de los casos, el género de comics crea un arte a partir de la noción de la franquicia, al ensamblar diferentes entregas en un mosaico que adquiere una forma agregada cuando se ve desde la distancia. Logan es un ejemplo brillante de este método de narración de historias al beneficiarse del hecho de que no tiene que perder tiempo en la exposición. De hecho, confía al espectador casi todas las explicaciones de lo que ocurrió antes de que aparezca el "title card" y recompensa nuestro existente adoración del personaje titular enviándolo en una nota alta. Todo se siente urgente y profundo: el diálogo, la iconografía, la construcción del mundo y las rebeliones sutiles contra nuestra situación política actual, que nunca se siente como una predicación. Muchas historias de héroes tratan de superar inmensos obstáculos, pero el razonamiento generalmente se basa en la negación: el héroe debe luchando contra el mal. Aquí hay una historia rara sobre un individuo poderoso que lucha por algo totalmente diferente: el amor. Cuando uso esa palabra, lo digo no como el eros romántico, sino como una versión curiosa y sangrienta del ágape expansivo, el abrazo de nuestra especie defectuosa en su conjunto. Claro, nuestro héroe mata a mucha gente, pero esa es una buena metáfora: ¿Quién de nosotros no tiene problemas para amar? Solo podemos esperar movernos en la dirección correcta. Logan es una historia que te agarra la cara, te acerca y te susurra al oído: "Estamos todos juntos en esto". Nada mal para una historia sobre un tipo con grandes cuchillos en los nudillos.

¿Cuáles fueron tus películas de cómics preferidas de la década? Déjanos saber en el área de los comentarios o en nuestra página de Facebook: www.facebook.com/MovieRican.

Recuerda darle LIKE y SHARE a nuestra página.

Reseña de Doctor Sleep: El título promete la experiencia

Para algunos aficionados al cine, The Shining, la película de 1980 de Stanley Kubrick sobre un niño psíquico casi asesinado por su padre en un viejo hotel, es el equivalente de Picasso, los Beatles y Muhammad Ali en cuanto al género de horror: fue y siempre será la mejor. La película tiene sus detractores, especialmente el hombre que escribió la novela fuente, Stephen King, pero no se puede descartar sus imágenes icónicas: las gemelas Grady, los ascensores llenos de sangre, Jack Nicholson con un hacha gritando "Here's Johnny!" y, por supuesto, el demonio podrido oficialmente conocido como la vieja en el baño. Casi 40 años después llega la secuela, Doctor Sleep, basada en la novela del autor del 2013. Si eras fanático de la primera película, esta película quizás será todo lo que temías, y no en el mejor de los sentidos.

La película sigue a un Danny Torrance adulto (Ewan McGregor), condenado a seguir los pasos de su padre alcohólico y tratando desterrar los recuerdos de lo que le sucedió en el Hotel Overlook como para suprimir los poderes telepáticos con los que nació, a lo que se refiere como "el Resplandor". Un día, una joven llamada Abra (Kyliegh Curran) hace contacto. Ella es igual que él, solo que más poderosa, y necesita su ayuda. Danny debe confrontar su pasado para detener los True Knots, un grupo de semi-inmortales liderado por Rose the Hat (Rebecca Ferguson) que se alimentan del "brillo" de los niños pequeños.

Lo bueno

McGregor, Ferguson y Curran: Si hay algo con lo que me pudo llevar de principio a fin sin decir "Me paro y me voy" fueron las actuaciones de los tres protagonistas. McGregor realmente se destaca como actor con un libreto un poco flojo (cosa que ha hecho en roles en Christopher Robin y las precuelas de Star Wars), profundizando en la batalla de su personaje para superar su comportamiento autodestructivo y utilizando sus poderes para ayudar a otros. Curran lo acompaña amablemente como la valiente y encantadora Abra. En el lado opuesto, Ferguson es una delicia espeluznante como Rose the Hat (que es el total opuesto de su rol de Ilsa Faust en las últimas Mission: Impossible). la villana obtiene una sorprendente cantidad de profundidad y vulnerabilidad para una asesina que corre por todas partes matando niños sin pensarlo dos veces.

Lo malo

Mike Flanagan: Para ser justo, Flanagan (Gerald's Game, The Haunting of Hill House) es uno de mis directores de terror preferidos trabajando hoy día. No hay otro cineasta en la industria que entienda y aprecie cómo navegar con éxito por estas aguas que él, y puede confiar en que nunca se encontrará rodeado de sustos baratos o escalofríos no ganados en sus manos. Eso hace que lo que voy a decir sea extremadamente difícil. Si bien respeta la novela de Stephen King con gran detalle (similar a lo que hizo Andy Muschietti con las películas de It [hasta cierto punto]), pero recrea fielmente varias escenas de The Shining original de Kubrick (un cineasta que diría que no respetó el trabajo de King en su tiempo), Flanagan ha tomado la decisión única de servir a ambos maestros. Es completamente comprensible por qué lo intentaría: la película es universalmente querida, y Stephen King es el escritor de terror más exitoso del mundo. Mantenga a todos felices, tiene sentido. Entonces, ¿por qué se siente tan... algarete con tantos personajes, historias y homenajes? Nunca se sintió como un proyecto completamente hecho por Flanagan y eso le resto un montón de puntos en mi cabeza.

No da miedo en absoluto: Los intentos de la película para recrear a The Shining (o, al menos, volver a visitarlo [que a eso llegaré en más profundidad]) varían desde técnicamente impresionantes hasta casi tontos, pero nunca dan miedo. Flanagan podría imitar las técnicas de cámara de Kubrick, pero les quita su importancia. Todos esos tiros de seguimiento y fundidos cruzados ayudaron a crear la claustrofobia nauseabunda del Overlook. Sin embargo, cuando la acción tiene lugar cuatro décadas después y en varios estados, no tiene el mismo efecto. La partitura original de Wendy Carlos y Rachel Elkind, con esas notas electrónicas que suenan como sirenas de niebla, solo aparece una vez. De lo contrario, es una mezcla más convencional de gemidos orquestales y gritos de violín por parte de los hermanos Newton, pinchados por el sonido de un corazón que late que se supone que llene la sala de una atmósfera fría y tenebrosa, pero hace todo lo contrario.

Lo feo

The Overlook Hotel: Esto no puede ser considerado un spoiler ya que aparece en el trailer y ya presiento que este va a ser el punto divisivo de esta reseña, pero déjame explicar. Es cuando la película finalmente llega al Overlook que todo lo que afecta y desvergonza la película parece colisionar. Hay una resonancia innegable al ver a Danny caminar de regreso a través de los oscuros corredores de su antigua casa, enfrentando su pasado interno como el externo. Pero al mismo tiempo, este final demuestra ser tan complaciente en su lista de verificación de devoluciones de llamadas pavlovianas (la máquina de escribir, el hacha, la bañera, el cuarto 237, el laberinto, etc), como la secuencia comparable en Ready Player One, que tenía la ventaja de ser breve y también organizada por tal vez el mejor artesano de gran éxito de la historia. Esta toma el tercer acto completo. Y lo más triste es que te quedarás pensando "Entonces, ¿para qué volvimos al hotel?".

¿Qué exactamente eres, película?: El problema de entrar y salir de la historia cinematográfica como si fuese Marty McFly perdido en un vacío de Netflix, es que si no se maneja de manera absolutamente perfecta, crea una pérdida de identidad total. ¿Es esta película una película independiente o una secuela del original? Si es lo último, ¿por qué se siente más como el primero y viceversa? La historia principal funciona tan bien cuando la seguimos, solo para desviarnos a poco más que fan service (que no siempre es malo) que se descarrila por completo dondequiera que estemos en dicha historia.

El truco sucio de Doctor Sleep es que es solo otra extensión de franquicia nostálgica, que convierte el viaje terapéutico de un personaje en una excusa conveniente para interpretar los éxitos. Si los espectadores estarán dispuestos a caminar penosamente a través de un hilo de fantasía ligeramente tonto y marginalmente similar para llegar a la entrada de ese viejo hotel es una pregunta para los resplandientes. Aquí no hay lugar para la sutileza: Doctor Sleep está demasiado ocupada entre los mundos triádicos de Kubrick, King y Flanagan.

Rating: D+

¿Qué pensaste tú de Doctor Sleep? Déjanos saber en el área de los comentarios o en nuestra página de Facebook: www.facebook.com/MovieRican.

Recuerda darle LIKE y SHARE a la página.

Reseña de Maleficent: Mistress of Evil: Una mejora definitiva de la primera (pero eso no era difícil)

Seré el primero en admitir que pensé que la primera película de Maleficent fue un aburrimiento total y absoluto. Salvo por la actuación de Angelina Jolie y la escena del bautismo que sacaron directamente del clásico de Disney (desde una perspectiva diferente), la película fue un desastre completamente no inspirado que parecía que nunca se detuvo. Al el punto en que me quedé dormido, y esto no es una broma, cinco veces durante la misma presentación. Entonces, cuando El Ratón anunció que estaban haciendo una secuela, solo me vino a la mente el temor de sufrir una secuela de esa película. Dicho esto, después de salir del cine, puedo decir con seguridad que Maleficent: Mistress of Evil es una mejora definitiva sobre la primera entrega (aunque eso no es un gran desafío).

Mistress of Evil comienza cinco años después de los acontecimientos de la primera entrega, con Aurora (Elle Fanning) felizmente gobernando a los moros como su reina. Sin embargo, cuando el Príncipe Phillip (Harris Dickinson) le pide a Aurora que se case con él, se pone en marcha una cadena de eventos que cambiará la vida de todas las personas más cercanas a ellos y a todos sus reinos. Los padres de Phillip, el Rey John (Robert Lindsay) y la Reina Ingrith (Michelle Pfeiffer), invitan a Aurora y Maleficent a cenar, pero las cosas empeoran cuando esta última pierde los estribos y prohíbe el matrimonio. Maleficent huye y se refugia con otras hadas como ella, aprendiendo de Conall (Chiwetel Ejiofor) que los Dark Fae se están escondiendo de los humanos y algunos, como Borra (Ed Skrein), los obligarían a hacer la guerra a los humanos. Con la reina Ingrith avivando de manera similar las llamas de la guerra entre los humanos, los fae y la humanidad se precipitan hacia una batalla épica, y queda por ver si Aurora y Maleficent podrán detenerla, o si tomarán partido.

Lo bueno

Angelina Jolie: Desde su aparición en la primera entrega hace cinco años, Jolie se ha retirado detrás de la cámara, dirigiendo tres películas e ignorando ser principalmente el centro de atención. Eso le da a Malficent: Mistress of Evil algo de peso real ya que es la primera vez que la hemos visto en tanto tiempo. Es encantador tenerla de vuelta en un papel principal y, aunque el estrellato de Jolie a menudo ha sido definido por los dramas de las revistas que la rodean, es una actriz que puede convertir los guiones más delgados en algo convincente (piense en Salt o Wanted). Cada vez que está presente en Mistress of Evil, con pómulos sobresalientes y blancos perlados como colmillos, es imposible mirar hacia otro lado.

Los vestidos y el diseño de producción: Para ver mejor los mejores activos que tiene la película (aparte de Jolie y Fanning), uno debe mirar las partes estéticas porque son geniales. Ellen Mirojnick se supera por completo creando tres looks distintos para cada una de estas mujeres hermosas, poderosas e independientes en el corazón de la historia al definir a cada uno de sus personajes a través de hilos, joyas e incluso alas, similar a cómo hizo la vestimenta en The Greatest Showman. En igual escala de admiración, Patrick Tatopoulos merece algo de amor por el diseño de producción de esta película. No importaba si era los moros, la caverna de los faes oscuros o el reino de Ulstead, todo se sentía vivido con la historia dentro de cada pared, mesa, árboles, etc. Contrariamente a la creencia popular, a veces es importante ver el bosque por medio de los árboles y esta película muestra el por qué.

Lo malo

No sale mucho Maleficent: Para una película con el nombre de un personaje en el título, no hay mucho de ella dentro de la misma. Jolie no es una presencia constante en esta nueva película, ya que hay muchos asuntos urgentes que atender en los reinos vecinos de los moros (el reino de las hadas gobernado por Maléfica y la princesa Aurora) y Ulstead, una tierra militarista que es el hogar de Phillip. Mientras Aurora y Phillip planean su boda, la temida Maleficent es invitada a Ulstead para reunirse con los padres del príncipe y negociar relaciones diplomáticas. El único problema es que la madre de Phillip, la reina Ingrith (Michelle Pfeiffer), es una presumida supremacista humana que ve a Maleficent y sus súbditos mágicos como una plaga para erradicar. Además, conocemos a la raza de Maleficent y su cultura, así como una revolución política dirigida por los personajes de Ed Skrein y Chiwetel Ejiofor que esencialmente interpretan versiones de Malcolm X y Martin Luther King del mundo fae, respectivamente. Y todo esto tiene que resolverse de una forma u otra en dos horas. Al igual que The Lion King hace unos meses, la película intenta jugar con la geopolítica sin apegarse a uno o dos carriles. En cambio, los tres guionistas (Linda Woolverton, Noah Harpster y Micah Fitzerman-Blue) quieren tenerlo todo haciendo un híbrido de Guess Who's Coming to Dinner/Meet the Parents/Game of Thrones/Selma que no funciona completamente dentro de uno guión.

Queen Ingrith: Es bien triste decir lo siguiente, pero el libreto le falla a Michelle Pfeiffer completamente. Ella hace lo mejor que puede con el rol que le dieron y, hablando claro, se nota que se lo está gozando de principio a fin y las escenas que ella comparte con Jolie son de las mejores que tiene la película ya que están a la par en cuanto a talento y experiencia. Pero el mero hecho que su personaje fue tan unidimensional en una época dónde estamos teniendo villanos tridimensionales como Thanos, Killmonger y Arthur Fleck no hay mucha excusa para tratar de buscarle la vuelta a los personajes. Es bien difícil no pensar que Ingrith es una de las peores villanas escritas del año (aunque el personaje de Jessica Chastain en Dark Phoenix le puede dar la competencia).

Lo feo

La resolución: Como cabría esperar, Disney no gestiona muy bien lo que solo se puede definir como genocidio. Obviamente, esto pasará por alto a los niños, pero para los padres que los llevarán a verla, será un poco difícil NO verlo. El problema con Mistress of Evil no es que aborde el tema del genocidio, sino que la resolución sea completamente sorda. Las consecuencias son barridas debajo de la alfombra. La forma ordenada en que concluye la película es ofensiva en su determinación de no ser ofensivo. No puede presentar un problema tan serio como este y luego concluirlo con todos cantando Kumbaya porque es totalmente irresponsable. Si la película estaba tratando de abordar temas actuales y delicados, esta definitivamente NO era la forma de hacerlo.

Habiendo entrado con las expectativas increíblemente bajas, me gustó la película lo suficiente como para recomendarla especialmente si te gustó la primera. Maleficent: Mistress of Evil no es una secuela "feel-good" con un romance conmovedor que uno encuentra dentro de un cuento de hadas al amplificar radicalmente la oscuridad dentro de la misma. Prepare a sus más chiquillos para una experiencia un poco más fuerte de lo normal. Me atrajo de formas que no esperaba (aunque el guión es bastante tosco), pero ciertamente no soy el público a quienes decidieron dirigir esta película.

Rating: C+

¿Qué pensaron ustedes de Maleficent: Mistress of Evil? Déjanos saber en el área de los comentarios o en nuestra página de Facebook: www.facebook.com/MovieRican.

Recuerda darle LIKE y SHARE a la página.

Reseña de Joker: Con el corazón a millón

Una historia de origen del enemigo más grande de Batman fue algo que nadie realmente pidió. Al igual que el desafortunado intento de Disney de desarrollar la historia de fondo de uno de sus más grandes villanos en Maleficent, el Guasón es un personaje cuyo misterio es parte de su encanto. Es un personaje que nunca podemos entender completamente. Tampoco debemos buscar entenderlo. Así que, aparentemente indiscriminado en su caos, el Alfred de Michael Caine en The Dark Knight resumió perfectamente su marca de maldad cuando teorizó: "Algunos hombres solo quieren ver el mundo arder". En un clima cinematográfico actual de secuelas, reboots, precuelas, remakes, etc. interminables, muchos asumirán que Joker del escritor/director Todd Phillips no es más que una desvergonzada toma de efectivo bajo la apariencia de una historia de origen. Pero si esperas que la película esté llena de referencias de franquicias y oportunidades de secuelas, estarás sorprendentemente equivocado. 

Sin entrar en mucho detalle, el comediante Arthur Fleck (Joaquin Phoenix) vive con su madre (Frances Conroy), mientras que la sociedad, el gobierno y patronos han decidido ignorarlos al igual que a todos los de clase baja. Este desprecio hace que Arthur comience una lenta disidencia en su propia locura para transformarse en el Príncipe del Crímen. 

Lo bueno:

Joaquin Phoenix: Hemos visto muchas interpretaciones de Guasón en el cine, desde la versión del tramposo (Cesar Romero), a la versión más divertida (Jack Nicholson), a la versión loca y animada (Mark Hamill), a la versión anárquica (Heath Ledger), a una versión sentimental (Zach Galifianakis) y lo que sea que hizo Jared Leto en Suicide Squad. Pero nunca hemos visto la versión monstruosa. Lo más que puedo decir sobre la actuación de Phoenix como Joker (y no lo estoy comparando con ninguna otra actuación del personaje de ninguna manera. Estoy evaluando la película bajo sus propios méritos) es que no solo saca a la luz la humanidad que hay en Arthur (o lo que le queda), sino que se vuelve AL-GA-RE-TE cuando deja salir al monstruo. Tanto una extensión como una reinvención del personaje, Joaquin Phoenix ofrece una representación inquietante del villano que probablemente no olvidarás a medida que pase la temporada de premios.

Todd Phillips: Esto puede sonar un poco extraño, pero la película es un viaje hacia la demencia que no puedes evitar sentir que no deberías estar viendo. Probablemente saldrás de esta película con un nudo en el estómago y eso es completamente lo que quiere Phillips como director y escritor (co-escrita por Scott Silver). En un sentido visual, Joker invoca los primeros trabajos de Martin Scorsese, especialmente a Taxi Driver y hasta The King of Comedy (que casualmente fueron protagonizadas por Robert De Niro y este tiene una presencia en esta como un personaje secundario). Francamente, casi esperas que Travis Bickle pase en su taxi en cualquier momento. Llámalo homenaje o estafa, Phillips es claramente un gran admirador de Scorsese. Y con un diseño de producción espectacular por parte de Mark Friedberg, Gotham City se siente más como la ciudad de Nueva York a finales de los 70s/principios de los 80s con sus calles empapadas de neón y los vagones del metro cubiertos de graffiti. Es una estética que se hace eco del Gotham del futuro que se encuentra en la trilogía de Christopher Nolan, incluso si todavía nos hacen creer que las películas no están conectadas.

Más allá de las películas de cómics: Sean advertidos, esta película no es Avengers, X-Men: Dark Phoenix Shazam!, Wonder Woman o Spider-Man. Como mencioné anteriormente, es mucho más similar a las películas de Scorsese pre-Goodfellas: lenta, mucho más concentrado en sus personajes y sus acciones, movimiento de la cámara, etc. Si habría que compararla a algo más reciente, piense en como te hacia sentir un episodio de Breaking Bad. Pero esto es lo que a hace resaltar de un mundo lleno de películas con hombres y mujeres con capas que tiran láseres por sus ojos o hacen que sus uñas de metal crezcan y hagan "SNIKT" cuando chocan contra algo. Sí, tiene elementos de los comics (especialmente The Killing Joke, la cual probablemente tomó mucha inspiración) y sí, el setting es Gotham City. Pero, aparte de eso, esto es un thriller psicológico... con el Guasón como protagonista.

La violencia no retratada como entretenimiento: La violencia en esta película es tanto brutal (así definida por la Real Academia Española y no como la usamos por ahí) y gráfica, ganando cada centímetro de su muy publicitada clasificación R. La vista de la cara de Arthur salpicada de sangre roja carmesí en su maquillaje de payaso blanco es tanto sorprendente y perturbadora. Para aquellos más acostumbrados a las adaptaciones típicas de cómics que minimizan la violencia, Joker se sentirá o como un soplo de aire fresco o simplemente demasiado. Está lejos de ser una película excesivamente violenta, pero cuando ocurren ciertas cosas, estas están destinadas a sorprender a la audiencia.

Lo malo:

Divisiva: Joker es una descripción inquebrantable e incómoda de una enfermedad mental que algunos pueden llamar explotadora y otros pueden considerar completamente esencial (más de esto adelante). Donde las líneas se vuelven borrosas es la inferencia que la inestabilidad mental de Arthur junto con su tratamiento sombrío por parte de la sociedad es lo que hace que un villano nazca, casi para sugerir que su violencia y venganza son reacciones completamente válidas. No hay duda de que Joker será una película divisiva y que hay personas que van a tomar sus puestos en alguno de los bandos. Al punto que este crítico/cinéfilo/wanabí todavía está debatiendo si la película me hizo enamorarme y sentir lástima por un monstruo, porque no hay otra forma de definir al personaje y sus acciones que no sea monstruosa, o si simplemente me monté en una montaña rusa que no paraba de dar vueltas. También nubló mi juicio hasta el punto en que se sintió moralmente ambiguo. Esta es una película que te dejará entumecido y que te hará que tengas tu corazón a un millón de seguro.

La mitología de Batman: Con toda honestidad, Phillips pudo haber eliminado cualquier conexión con el mundo de DC Comics y simplemente llamó a esta película Clown, Bobo o Chuckles y todavía funcionaría con la misma eficacia. A pesar de su conexión con un mundo narrativo más grande, Joker es una pieza independiente que en última instancia busca retratar el descenso de un hombre a la locura absoluta. Claro, ese hombre eventualmente progresa para convertirse en alguien que lucha contra el heroico vigilante del crimen de Gotham, pero la forma en que meten la mayoría de la mitología en la película (no toda. Una escena en particular es realmente genial para el desarrollo de Arthur.) se sintió como "¡Ei, audiencia! ¿Adivina quién está aquí?" o "¡Sabes lo que significa ESO!", y esas partes se sintieron un poco inorgánicas y detuvieron la película, especialmente cuando estaba ganando ritmo (por cierto, kudos al editor, Jeff Groth, quien hizo que 2 horas y 2 minutos parecieran nada [salvo por esas pocas escenas mencionadas]).

En fin, Joker es una película descaradamente impresionante con Joaquin Phoenix ofreciendo una actuación fuera de este mundo como el Príncipe del Crimen y Todd Phillips elevándose con su dirección absolutamente hermosa lo cual por fin hará que su nombre se desprenda de a trilogía de The Hangover. Molestará a algunos, contorsionará a otros y quizás hasta te hará reír, pero esta película siempre encuentra la línea perfecta entre tragedia y comedia. Esta es una película de DC que no debe perderse ya que han mostrado su disposición a aceptar historias un poco más adultas y espero que este sea el comienzo de las películas de cómics dirigidas solo a este mercado fuera de las películas de Deadpool y Logan.

Rating: A+

¿Llegaste a ver Joker? ¿Qué pensaste de ella? Déjanos saber en el área de los comentarios o en nuestra página de Facebook: www.facebook.com/MovieRican.

Recuerda darle LIKE y SHARE a la página.

Reseña de IT: Chapter 2: Flotarás... pero no tan alto

¿Cómo sigues una sensación cultural como lo fue IT en el 2017? La adaptación de la novela de terror icónica de Stephen‌ King fue tanto un éxito crítico y comercial, rompiendo récords y deleitando al público (tanto fanáticos acérrimos como a una nueva generación por igual) con la historia de la mayoría de edad del Losers Club y la historia de Derry, Maine; hogar de la criatura que cambia de forma y se come a los niños, mejor conocida como Pennywise. Con It: Chapter 2, la respuesta es que la sigas con un giro salvaje y entusiasta que, con todas sus fortalezas, no puede escapar de la sombra de su propio legado y expectativa.

Chapter 2 comienza 27 años después de que el Club de Perdedores derrotó inicialmente a Pennywise (Bill Skarsgård), con los niños ahora crecidos y la mayoría viviendo en otros lugares. Sin embargo, cuando Mike Hanlon (Isaiah Mustafa), el único que permanece en Derry, reconoce los signos de su regreso, llama a los demás integrantes y les pide que regresen y cumplan el juramento que hicieron en el 1989. Aunque todos han olvidado en gran medida a la ciudad de Derry y a Pennywise, la mayoría de los Perdedores, incluyendo a Bill Denbrough (James McAvoy), Beverly Marsh (Jessica Chastain), Ben Hanscom (Jay Ryan), Richie Tozier (Bill Hader) y Eddie Kaspbrak (James Ransome), regresan. A medida que los recuerdos de los miembros comienzan a regresar, estos deben lidiar con el trauma que sufrieron cuando eran niños e intentar derrotar al payaso asesino de una vez por todas.

Lo bueno

Los Losers adultos: En cuanto a los perdedores adultos, el elenco es el jonrón que podrías haber esperado. Como las "estrellas de Hollywood" de la película, James McAvoy y Jessica Chastain son sobresalientes como Bill y Beverly, respectivamente. McAvoy le da a Bill un patetismo desgarrador y la actuación de Chastain es tan silenciosa y excelente que espero que se pase por alto en favor de los personajes más llamativos de la película. Afortunadamente, se combinan con un trabajo igualmente fuerte del elenco de menor conocimiento / comodín, especialmente Jay Ryan como Ben e Isaiah Mustafa (el hombre Old Spice) como Mike, quienes son asombrosamente buenos para conjurar a sus contrapartes más jóvenes. Dicho esto, si hay que decir los ganadores de estos: tendrían que ser...

Bill Hader y James Ransone: Si bien todos los Losers están atrapados en su trauma preadolescente hasta cierto punto (Beverly se casó con un hombre aún más abusivo que su padre, Bill no puede dejar de escribir historias de terror sin un final apropiado, y Mike está literalmente atrapado en Derry). Lo más obvio en Eddie y Richie, cuyos miedos y ansiedades los han atrapado en su adolescencia (Eddie es un analista de riesgos que se casó con un timbre muerto para su madre y Richie es el bocón, que sigue contando chistes de masturbación y penes a tiempo completo a los 40 años) . Ambos actores aprovechan al máximo su material y se roban la película, manteniendo las bromas que definen la amistad de Richie y Eddie mientras profundizan en los momentos emocionales cuando cuenta.

Extraña y surrealista: En Chapter 2, Muschietti confía menos en la fuerza de sus actores en escenas de miedo simples y bien construidas (especialmente con Skarsgård [más sobre eso abajo]), inclinándose hacia lo extraño y alucinante a todo volumen. Aunque esto es asombroso e inmersivo mientras lo ves en pantalla, parte del sin duda se maneja mejor en la página, pero para crédito de Muschietti, es obvio que el director no quería descansar en sus laureles y hacer la misma película dos veces. 

Lo malo

El uso de Pennywise: La actuación de Bill Skarsgård sigue siendo una tormenta de fuego en el papel de villano, recordando una vez más cuán extraordinario es que logró redefinir un papel tan icónico. Es hilarante y horroroso de una manera claramente propia, una presencia eléctrica cuya mayor falla es la poca frecuencia con la que tiene la oportunidad de brillar en esta entrega. Esto se debe más a que la forma en que se usa al personaje es un poco más... juguetona. El payaso pasó eones en un maravilloso ciclo de banquetes y durmiendo hasta su primer encuentro con los Perdedores. Estos arruinaron su plan de "cada 27 años" y ahora él quiere arruinarles la existencia, lo que significa que la alimentación no es necesariamente su primera prioridad. Curiosamente, sus juegos mentales lo hacen menos visceralmente aterrador y más juguetón de una manera que recuerda a las versiones dee Freddy Kruger de la tercera A Nightmare on Elm Street en adelante. Él no necesariamente dice frases ingeniosas todo el tiempo, pero le gusta comprometerse con sus partes sangrientas.

La estructura del libreto: Mientras que la primera entrega de IT es una parábola de la mayoría de edad que presentaba a un grupo de niños en la cúspide de la maduración física y emocional, Chapter 2 cambia de manera torpe el enfoque hacia sus contrapartes adultas y la dificultad de lidiar con el trauma pasado (lo cual es el mismo pecado del libro original). Ya sea debido a la falta de delicadeza en el guión de Gary Dauberman o al cambio de enfoque que demuestra ser demasiado desafiante, el manejo de la historia y los temas de la segunda entrega no es tan sofisticado como su antecesora. Más bien, IT: Chapter 2 se basa demasiado en el diálogo expositivo y en decirle lo que va a ocurrir al espectador, en lugar de mostrárselos (o, en algunos casos, contárselo y mostrárselos).

Lo feo

¿Casi 3 horas para qué?: Si bien dije que la duración de la primera película pasó volando, Chapter 2 fue una tarea difícil. Mientras que Avengers: Endgame hizo que cada segundo contara y Once Upon a Time... in Hollywood hizo un experimento con la paciencia de su audiencia con una duración similar, la segunda entrega de IT nos dejó rascándonos la cabeza. Gran parte de la duración de casi tres horas de la película se gasta en el pasado, donde vislumbramos los recuerdos olvidados de los Perdedores del horrible verano que pasaron luchando contra Pennywise. Es emocionante volver a ver a la pandilla original: Finn Wolfhard, Jaeden Martell, Sophia Lillis, Jeremy Ray Taylor, Jack Dylan‌‌ Grazer, Chosen Jacobs y Wyatt Oleff todavía tienen esa química crepitante, aunque sí, rejuvenecimiento digital distrae (especialmente cuando hemos visto a algunos de estos niños en su forma actual en cosas como Stranger Things y Shazam!), pero, con pocas excepciones, se sienten como viajes por el camino de la memoria en lugar de información vital para los arcos actuales de los personajes adultos.

En última instancia, IT: Chapter 2 no es tan buena como lo fue la primera entrega, y puede tener problemas para cumplir con las expectativas que se han estado construyendo en los últimos dos años. No está tan hábilmente escrita ni la historia contiene temáticamente fuerte, aunque las imágenes son impactantes y sí generan una gran cantidad de sustos. Si bien Chapter 2 tiene sus fallas, todavía proviene de (casi) todo el mismo equipo creativo, lo que significa que si bien la historia requiere ciertas desviaciones de lo que funcionó en IT, Muschietti y Dauberman logran aportar líneas que evolucionan los personajes hasta y la franquicia de una manera interesante (hasta cierto punto). Como tal, la segunda entrega es una visita obligada para los fanáticos de Stephen King, y es una experiencia visual bastante entretenida incluso para aquellos que no son fanáticos del género de terror.

Rating: B-

¿Que tú pensaste de IT: Chapter 2? Déjanos saber en el área de los comentarios o en nuestra página de Facebook: www.facebook.com/MovieRican.

Recuerda darle LIKE y SHARE a la página.