Reseña de Maleficent: Mistress of Evil: Una mejora definitiva de la primera (pero eso no era difícil)

Seré el primero en admitir que pensé que la primera película de Maleficent fue un aburrimiento total y absoluto. Salvo por la actuación de Angelina Jolie y la escena del bautismo que sacaron directamente del clásico de Disney (desde una perspectiva diferente), la película fue un desastre completamente no inspirado que parecía que nunca se detuvo. Al el punto en que me quedé dormido, y esto no es una broma, cinco veces durante la misma presentación. Entonces, cuando El Ratón anunció que estaban haciendo una secuela, solo me vino a la mente el temor de sufrir una secuela de esa película. Dicho esto, después de salir del cine, puedo decir con seguridad que Maleficent: Mistress of Evil es una mejora definitiva sobre la primera entrega (aunque eso no es un gran desafío).

Mistress of Evil comienza cinco años después de los acontecimientos de la primera entrega, con Aurora (Elle Fanning) felizmente gobernando a los moros como su reina. Sin embargo, cuando el Príncipe Phillip (Harris Dickinson) le pide a Aurora que se case con él, se pone en marcha una cadena de eventos que cambiará la vida de todas las personas más cercanas a ellos y a todos sus reinos. Los padres de Phillip, el Rey John (Robert Lindsay) y la Reina Ingrith (Michelle Pfeiffer), invitan a Aurora y Maleficent a cenar, pero las cosas empeoran cuando esta última pierde los estribos y prohíbe el matrimonio. Maleficent huye y se refugia con otras hadas como ella, aprendiendo de Conall (Chiwetel Ejiofor) que los Dark Fae se están escondiendo de los humanos y algunos, como Borra (Ed Skrein), los obligarían a hacer la guerra a los humanos. Con la reina Ingrith avivando de manera similar las llamas de la guerra entre los humanos, los fae y la humanidad se precipitan hacia una batalla épica, y queda por ver si Aurora y Maleficent podrán detenerla, o si tomarán partido.

Lo bueno

Angelina Jolie: Desde su aparición en la primera entrega hace cinco años, Jolie se ha retirado detrás de la cámara, dirigiendo tres películas e ignorando ser principalmente el centro de atención. Eso le da a Malficent: Mistress of Evil algo de peso real ya que es la primera vez que la hemos visto en tanto tiempo. Es encantador tenerla de vuelta en un papel principal y, aunque el estrellato de Jolie a menudo ha sido definido por los dramas de las revistas que la rodean, es una actriz que puede convertir los guiones más delgados en algo convincente (piense en Salt o Wanted). Cada vez que está presente en Mistress of Evil, con pómulos sobresalientes y blancos perlados como colmillos, es imposible mirar hacia otro lado.

Los vestidos y el diseño de producción: Para ver mejor los mejores activos que tiene la película (aparte de Jolie y Fanning), uno debe mirar las partes estéticas porque son geniales. Ellen Mirojnick se supera por completo creando tres looks distintos para cada una de estas mujeres hermosas, poderosas e independientes en el corazón de la historia al definir a cada uno de sus personajes a través de hilos, joyas e incluso alas, similar a cómo hizo la vestimenta en The Greatest Showman. En igual escala de admiración, Patrick Tatopoulos merece algo de amor por el diseño de producción de esta película. No importaba si era los moros, la caverna de los faes oscuros o el reino de Ulstead, todo se sentía vivido con la historia dentro de cada pared, mesa, árboles, etc. Contrariamente a la creencia popular, a veces es importante ver el bosque por medio de los árboles y esta película muestra el por qué.

Lo malo

No sale mucho Maleficent: Para una película con el nombre de un personaje en el título, no hay mucho de ella dentro de la misma. Jolie no es una presencia constante en esta nueva película, ya que hay muchos asuntos urgentes que atender en los reinos vecinos de los moros (el reino de las hadas gobernado por Maléfica y la princesa Aurora) y Ulstead, una tierra militarista que es el hogar de Phillip. Mientras Aurora y Phillip planean su boda, la temida Maleficent es invitada a Ulstead para reunirse con los padres del príncipe y negociar relaciones diplomáticas. El único problema es que la madre de Phillip, la reina Ingrith (Michelle Pfeiffer), es una presumida supremacista humana que ve a Maleficent y sus súbditos mágicos como una plaga para erradicar. Además, conocemos a la raza de Maleficent y su cultura, así como una revolución política dirigida por los personajes de Ed Skrein y Chiwetel Ejiofor que esencialmente interpretan versiones de Malcolm X y Martin Luther King del mundo fae, respectivamente. Y todo esto tiene que resolverse de una forma u otra en dos horas. Al igual que The Lion King hace unos meses, la película intenta jugar con la geopolítica sin apegarse a uno o dos carriles. En cambio, los tres guionistas (Linda Woolverton, Noah Harpster y Micah Fitzerman-Blue) quieren tenerlo todo haciendo un híbrido de Guess Who's Coming to Dinner/Meet the Parents/Game of Thrones/Selma que no funciona completamente dentro de uno guión.

Queen Ingrith: Es bien triste decir lo siguiente, pero el libreto le falla a Michelle Pfeiffer completamente. Ella hace lo mejor que puede con el rol que le dieron y, hablando claro, se nota que se lo está gozando de principio a fin y las escenas que ella comparte con Jolie son de las mejores que tiene la película ya que están a la par en cuanto a talento y experiencia. Pero el mero hecho que su personaje fue tan unidimensional en una época dónde estamos teniendo villanos tridimensionales como Thanos, Killmonger y Arthur Fleck no hay mucha excusa para tratar de buscarle la vuelta a los personajes. Es bien difícil no pensar que Ingrith es una de las peores villanas escritas del año (aunque el personaje de Jessica Chastain en Dark Phoenix le puede dar la competencia).

Lo feo

La resolución: Como cabría esperar, Disney no gestiona muy bien lo que solo se puede definir como genocidio. Obviamente, esto pasará por alto a los niños, pero para los padres que los llevarán a verla, será un poco difícil NO verlo. El problema con Mistress of Evil no es que aborde el tema del genocidio, sino que la resolución sea completamente sorda. Las consecuencias son barridas debajo de la alfombra. La forma ordenada en que concluye la película es ofensiva en su determinación de no ser ofensivo. No puede presentar un problema tan serio como este y luego concluirlo con todos cantando Kumbaya porque es totalmente irresponsable. Si la película estaba tratando de abordar temas actuales y delicados, esta definitivamente NO era la forma de hacerlo.

Habiendo entrado con las expectativas increíblemente bajas, me gustó la película lo suficiente como para recomendarla especialmente si te gustó la primera. Maleficent: Mistress of Evil no es una secuela "feel-good" con un romance conmovedor que uno encuentra dentro de un cuento de hadas al amplificar radicalmente la oscuridad dentro de la misma. Prepare a sus más chiquillos para una experiencia un poco más fuerte de lo normal. Me atrajo de formas que no esperaba (aunque el guión es bastante tosco), pero ciertamente no soy el público a quienes decidieron dirigir esta película.

Rating: C+

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Reseña de Joker: Con el corazón a millón

Una historia de origen del enemigo más grande de Batman fue algo que nadie realmente pidió. Al igual que el desafortunado intento de Disney de desarrollar la historia de fondo de uno de sus más grandes villanos en Maleficent, el Guasón es un personaje cuyo misterio es parte de su encanto. Es un personaje que nunca podemos entender completamente. Tampoco debemos buscar entenderlo. Así que, aparentemente indiscriminado en su caos, el Alfred de Michael Caine en The Dark Knight resumió perfectamente su marca de maldad cuando teorizó: "Algunos hombres solo quieren ver el mundo arder". En un clima cinematográfico actual de secuelas, reboots, precuelas, remakes, etc. interminables, muchos asumirán que Joker del escritor/director Todd Phillips no es más que una desvergonzada toma de efectivo bajo la apariencia de una historia de origen. Pero si esperas que la película esté llena de referencias de franquicias y oportunidades de secuelas, estarás sorprendentemente equivocado. 

Sin entrar en mucho detalle, el comediante Arthur Fleck (Joaquin Phoenix) vive con su madre (Frances Conroy), mientras que la sociedad, el gobierno y patronos han decidido ignorarlos al igual que a todos los de clase baja. Este desprecio hace que Arthur comience una lenta disidencia en su propia locura para transformarse en el Príncipe del Crímen. 

Lo bueno:

Joaquin Phoenix: Hemos visto muchas interpretaciones de Guasón en el cine, desde la versión del tramposo (Cesar Romero), a la versión más divertida (Jack Nicholson), a la versión loca y animada (Mark Hamill), a la versión anárquica (Heath Ledger), a una versión sentimental (Zach Galifianakis) y lo que sea que hizo Jared Leto en Suicide Squad. Pero nunca hemos visto la versión monstruosa. Lo más que puedo decir sobre la actuación de Phoenix como Joker (y no lo estoy comparando con ninguna otra actuación del personaje de ninguna manera. Estoy evaluando la película bajo sus propios méritos) es que no solo saca a la luz la humanidad que hay en Arthur (o lo que le queda), sino que se vuelve AL-GA-RE-TE cuando deja salir al monstruo. Tanto una extensión como una reinvención del personaje, Joaquin Phoenix ofrece una representación inquietante del villano que probablemente no olvidarás a medida que pase la temporada de premios.

Todd Phillips: Esto puede sonar un poco extraño, pero la película es un viaje hacia la demencia que no puedes evitar sentir que no deberías estar viendo. Probablemente saldrás de esta película con un nudo en el estómago y eso es completamente lo que quiere Phillips como director y escritor (co-escrita por Scott Silver). En un sentido visual, Joker invoca los primeros trabajos de Martin Scorsese, especialmente a Taxi Driver y hasta The King of Comedy (que casualmente fueron protagonizadas por Robert De Niro y este tiene una presencia en esta como un personaje secundario). Francamente, casi esperas que Travis Bickle pase en su taxi en cualquier momento. Llámalo homenaje o estafa, Phillips es claramente un gran admirador de Scorsese. Y con un diseño de producción espectacular por parte de Mark Friedberg, Gotham City se siente más como la ciudad de Nueva York a finales de los 70s/principios de los 80s con sus calles empapadas de neón y los vagones del metro cubiertos de graffiti. Es una estética que se hace eco del Gotham del futuro que se encuentra en la trilogía de Christopher Nolan, incluso si todavía nos hacen creer que las películas no están conectadas.

Más allá de las películas de cómics: Sean advertidos, esta película no es Avengers, X-Men: Dark Phoenix Shazam!, Wonder Woman o Spider-Man. Como mencioné anteriormente, es mucho más similar a las películas de Scorsese pre-Goodfellas: lenta, mucho más concentrado en sus personajes y sus acciones, movimiento de la cámara, etc. Si habría que compararla a algo más reciente, piense en como te hacia sentir un episodio de Breaking Bad. Pero esto es lo que a hace resaltar de un mundo lleno de películas con hombres y mujeres con capas que tiran láseres por sus ojos o hacen que sus uñas de metal crezcan y hagan "SNIKT" cuando chocan contra algo. Sí, tiene elementos de los comics (especialmente The Killing Joke, la cual probablemente tomó mucha inspiración) y sí, el setting es Gotham City. Pero, aparte de eso, esto es un thriller psicológico... con el Guasón como protagonista.

La violencia no retratada como entretenimiento: La violencia en esta película es tanto brutal (así definida por la Real Academia Española y no como la usamos por ahí) y gráfica, ganando cada centímetro de su muy publicitada clasificación R. La vista de la cara de Arthur salpicada de sangre roja carmesí en su maquillaje de payaso blanco es tanto sorprendente y perturbadora. Para aquellos más acostumbrados a las adaptaciones típicas de cómics que minimizan la violencia, Joker se sentirá o como un soplo de aire fresco o simplemente demasiado. Está lejos de ser una película excesivamente violenta, pero cuando ocurren ciertas cosas, estas están destinadas a sorprender a la audiencia.

Lo malo:

Divisiva: Joker es una descripción inquebrantable e incómoda de una enfermedad mental que algunos pueden llamar explotadora y otros pueden considerar completamente esencial (más de esto adelante). Donde las líneas se vuelven borrosas es la inferencia que la inestabilidad mental de Arthur junto con su tratamiento sombrío por parte de la sociedad es lo que hace que un villano nazca, casi para sugerir que su violencia y venganza son reacciones completamente válidas. No hay duda de que Joker será una película divisiva y que hay personas que van a tomar sus puestos en alguno de los bandos. Al punto que este crítico/cinéfilo/wanabí todavía está debatiendo si la película me hizo enamorarme y sentir lástima por un monstruo, porque no hay otra forma de definir al personaje y sus acciones que no sea monstruosa, o si simplemente me monté en una montaña rusa que no paraba de dar vueltas. También nubló mi juicio hasta el punto en que se sintió moralmente ambiguo. Esta es una película que te dejará entumecido y que te hará que tengas tu corazón a un millón de seguro.

La mitología de Batman: Con toda honestidad, Phillips pudo haber eliminado cualquier conexión con el mundo de DC Comics y simplemente llamó a esta película Clown, Bobo o Chuckles y todavía funcionaría con la misma eficacia. A pesar de su conexión con un mundo narrativo más grande, Joker es una pieza independiente que en última instancia busca retratar el descenso de un hombre a la locura absoluta. Claro, ese hombre eventualmente progresa para convertirse en alguien que lucha contra el heroico vigilante del crimen de Gotham, pero la forma en que meten la mayoría de la mitología en la película (no toda. Una escena en particular es realmente genial para el desarrollo de Arthur.) se sintió como "¡Ei, audiencia! ¿Adivina quién está aquí?" o "¡Sabes lo que significa ESO!", y esas partes se sintieron un poco inorgánicas y detuvieron la película, especialmente cuando estaba ganando ritmo (por cierto, kudos al editor, Jeff Groth, quien hizo que 2 horas y 2 minutos parecieran nada [salvo por esas pocas escenas mencionadas]).

En fin, Joker es una película descaradamente impresionante con Joaquin Phoenix ofreciendo una actuación fuera de este mundo como el Príncipe del Crimen y Todd Phillips elevándose con su dirección absolutamente hermosa lo cual por fin hará que su nombre se desprenda de a trilogía de The Hangover. Molestará a algunos, contorsionará a otros y quizás hasta te hará reír, pero esta película siempre encuentra la línea perfecta entre tragedia y comedia. Esta es una película de DC que no debe perderse ya que han mostrado su disposición a aceptar historias un poco más adultas y espero que este sea el comienzo de las películas de cómics dirigidas solo a este mercado fuera de las películas de Deadpool y Logan.

Rating: A+

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Reseña de IT: Chapter 2: Flotarás... pero no tan alto

¿Cómo sigues una sensación cultural como lo fue IT en el 2017? La adaptación de la novela de terror icónica de Stephen‌ King fue tanto un éxito crítico y comercial, rompiendo récords y deleitando al público (tanto fanáticos acérrimos como a una nueva generación por igual) con la historia de la mayoría de edad del Losers Club y la historia de Derry, Maine; hogar de la criatura que cambia de forma y se come a los niños, mejor conocida como Pennywise. Con It: Chapter 2, la respuesta es que la sigas con un giro salvaje y entusiasta que, con todas sus fortalezas, no puede escapar de la sombra de su propio legado y expectativa.

Chapter 2 comienza 27 años después de que el Club de Perdedores derrotó inicialmente a Pennywise (Bill Skarsgård), con los niños ahora crecidos y la mayoría viviendo en otros lugares. Sin embargo, cuando Mike Hanlon (Isaiah Mustafa), el único que permanece en Derry, reconoce los signos de su regreso, llama a los demás integrantes y les pide que regresen y cumplan el juramento que hicieron en el 1989. Aunque todos han olvidado en gran medida a la ciudad de Derry y a Pennywise, la mayoría de los Perdedores, incluyendo a Bill Denbrough (James McAvoy), Beverly Marsh (Jessica Chastain), Ben Hanscom (Jay Ryan), Richie Tozier (Bill Hader) y Eddie Kaspbrak (James Ransome), regresan. A medida que los recuerdos de los miembros comienzan a regresar, estos deben lidiar con el trauma que sufrieron cuando eran niños e intentar derrotar al payaso asesino de una vez por todas.

Lo bueno

Los Losers adultos: En cuanto a los perdedores adultos, el elenco es el jonrón que podrías haber esperado. Como las "estrellas de Hollywood" de la película, James McAvoy y Jessica Chastain son sobresalientes como Bill y Beverly, respectivamente. McAvoy le da a Bill un patetismo desgarrador y la actuación de Chastain es tan silenciosa y excelente que espero que se pase por alto en favor de los personajes más llamativos de la película. Afortunadamente, se combinan con un trabajo igualmente fuerte del elenco de menor conocimiento / comodín, especialmente Jay Ryan como Ben e Isaiah Mustafa (el hombre Old Spice) como Mike, quienes son asombrosamente buenos para conjurar a sus contrapartes más jóvenes. Dicho esto, si hay que decir los ganadores de estos: tendrían que ser...

Bill Hader y James Ransone: Si bien todos los Losers están atrapados en su trauma preadolescente hasta cierto punto (Beverly se casó con un hombre aún más abusivo que su padre, Bill no puede dejar de escribir historias de terror sin un final apropiado, y Mike está literalmente atrapado en Derry). Lo más obvio en Eddie y Richie, cuyos miedos y ansiedades los han atrapado en su adolescencia (Eddie es un analista de riesgos que se casó con un timbre muerto para su madre y Richie es el bocón, que sigue contando chistes de masturbación y penes a tiempo completo a los 40 años) . Ambos actores aprovechan al máximo su material y se roban la película, manteniendo las bromas que definen la amistad de Richie y Eddie mientras profundizan en los momentos emocionales cuando cuenta.

Extraña y surrealista: En Chapter 2, Muschietti confía menos en la fuerza de sus actores en escenas de miedo simples y bien construidas (especialmente con Skarsgård [más sobre eso abajo]), inclinándose hacia lo extraño y alucinante a todo volumen. Aunque esto es asombroso e inmersivo mientras lo ves en pantalla, parte del sin duda se maneja mejor en la página, pero para crédito de Muschietti, es obvio que el director no quería descansar en sus laureles y hacer la misma película dos veces. 

Lo malo

El uso de Pennywise: La actuación de Bill Skarsgård sigue siendo una tormenta de fuego en el papel de villano, recordando una vez más cuán extraordinario es que logró redefinir un papel tan icónico. Es hilarante y horroroso de una manera claramente propia, una presencia eléctrica cuya mayor falla es la poca frecuencia con la que tiene la oportunidad de brillar en esta entrega. Esto se debe más a que la forma en que se usa al personaje es un poco más... juguetona. El payaso pasó eones en un maravilloso ciclo de banquetes y durmiendo hasta su primer encuentro con los Perdedores. Estos arruinaron su plan de "cada 27 años" y ahora él quiere arruinarles la existencia, lo que significa que la alimentación no es necesariamente su primera prioridad. Curiosamente, sus juegos mentales lo hacen menos visceralmente aterrador y más juguetón de una manera que recuerda a las versiones dee Freddy Kruger de la tercera A Nightmare on Elm Street en adelante. Él no necesariamente dice frases ingeniosas todo el tiempo, pero le gusta comprometerse con sus partes sangrientas.

La estructura del libreto: Mientras que la primera entrega de IT es una parábola de la mayoría de edad que presentaba a un grupo de niños en la cúspide de la maduración física y emocional, Chapter 2 cambia de manera torpe el enfoque hacia sus contrapartes adultas y la dificultad de lidiar con el trauma pasado (lo cual es el mismo pecado del libro original). Ya sea debido a la falta de delicadeza en el guión de Gary Dauberman o al cambio de enfoque que demuestra ser demasiado desafiante, el manejo de la historia y los temas de la segunda entrega no es tan sofisticado como su antecesora. Más bien, IT: Chapter 2 se basa demasiado en el diálogo expositivo y en decirle lo que va a ocurrir al espectador, en lugar de mostrárselos (o, en algunos casos, contárselo y mostrárselos).

Lo feo

¿Casi 3 horas para qué?: Si bien dije que la duración de la primera película pasó volando, Chapter 2 fue una tarea difícil. Mientras que Avengers: Endgame hizo que cada segundo contara y Once Upon a Time... in Hollywood hizo un experimento con la paciencia de su audiencia con una duración similar, la segunda entrega de IT nos dejó rascándonos la cabeza. Gran parte de la duración de casi tres horas de la película se gasta en el pasado, donde vislumbramos los recuerdos olvidados de los Perdedores del horrible verano que pasaron luchando contra Pennywise. Es emocionante volver a ver a la pandilla original: Finn Wolfhard, Jaeden Martell, Sophia Lillis, Jeremy Ray Taylor, Jack Dylan‌‌ Grazer, Chosen Jacobs y Wyatt Oleff todavía tienen esa química crepitante, aunque sí, rejuvenecimiento digital distrae (especialmente cuando hemos visto a algunos de estos niños en su forma actual en cosas como Stranger Things y Shazam!), pero, con pocas excepciones, se sienten como viajes por el camino de la memoria en lugar de información vital para los arcos actuales de los personajes adultos.

En última instancia, IT: Chapter 2 no es tan buena como lo fue la primera entrega, y puede tener problemas para cumplir con las expectativas que se han estado construyendo en los últimos dos años. No está tan hábilmente escrita ni la historia contiene temáticamente fuerte, aunque las imágenes son impactantes y sí generan una gran cantidad de sustos. Si bien Chapter 2 tiene sus fallas, todavía proviene de (casi) todo el mismo equipo creativo, lo que significa que si bien la historia requiere ciertas desviaciones de lo que funcionó en IT, Muschietti y Dauberman logran aportar líneas que evolucionan los personajes hasta y la franquicia de una manera interesante (hasta cierto punto). Como tal, la segunda entrega es una visita obligada para los fanáticos de Stephen King, y es una experiencia visual bastante entretenida incluso para aquellos que no son fanáticos del género de terror.

Rating: B-

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Reseña de Once Upon a Time... in Hollywood: Más extraño que la ficción

Si Quentin Tarantino cumple su promesa de retirarse después de dirigir 10 películas, entonces Once Upon a Time... in Hollywood, su novena, puede ser un intento de agrupar temas, imágenes y obsesiones de toda una carrera en un penúltimo proyecto en expansión. Incluso el título es un riff de un spaghetti Western de Sergio Leone, un género de película B que, junto con muchos otros, se pone amorosamente en el transcurso de esta saga de dos horas y cuarenta minutos sobre un grupo de habitantes de Tinseltown, algunos históricos, algo ficticios. Desafortunadamente, esta película tiene más glamour que sustancia.

Leonardo DiCaprio interpreta a Rick Dalton, una estrella similar a John Wayne que se ha vuelto inseguro y lloroso, incapaz de soportar perder su condición de hombre duro de Hollywood. Brad Pitt es Cliff Booth, el doble de Rick y chofer a tiempo parcial: "Un amigo que es más que un hermano y un poco menos que una esposa", como explica la voz en off de la película. Seguimos a la pareja mientras corren por Los Ángeles, buscando trabajo y gritándole a los hippies por la ventana del auto. Juntos, Rick y Cliff forman una diada de la masculinidad de la pantalla plateada de la vieja escuela, casi caricaturescamente machista aunque ciertamente muy sexy en sus autos rápidos y jeans ajustados. ¡Ah! Y todo esto ocurre mientras Sharon Tate y Roman Polanski se mudan a la casa justo al lado de Dalton, trayendo con ellos una secta liderada por Charles Manson.

Lo bueno

Leo y Brad: Una de las razones principales por las que Once Upon a Time... in Hollywood es levemente efectiva es porque los personajes principales y ficticios son divertidos. Rick y Cliff son el núcleo emocional de la película, con DiCaprio y Pitt mostrando una dulzura inherente en la relación de sus personajes; se sienten como dos viejos amigos que han pasado por muchas cosas juntos. Como era de esperar, ambos actores (que han trabajado con Tarantino antes) están dando actuaciones de primera, ya sea que estén cargando tramos de la película sobre sus hombros o mostrando su química. Como el emocionalmente inseguro Rick, DiCaprio tiene la oportunidad de mostrar un lado diferente de su rango de maneras que pueden ser humorísticas y sinceras. Pitt se ajusta a la parte de Cliff como un guante, canalizando los lados sensatos y tranquilos de la personalidad del especialista, dependiendo de lo que requiera la escena. Los dos siempre son entretenidos en pantalla y forman una gran pareja.

Welcome to the Sixties: Otro gran activo que tiene la película a su disposición es la tremenda tripulación de Tarantino que trabaja diligentemente para recrear Los Ángeles de la década de los 1960s con detalles intrincados. Ya sea alrededor de Hollywood Boulevard o en los sets que Rick está filmando, la película tiene mucho éxito en su misión de transportar a los espectadores en el tiempo. La diseñadora de producción Barbara Ling, la diseñadora de vestuario Arianne Phillips y el cinematógrafo Robert Richardson (entre otros innumerables) merecen crédito por sus contribuciones, ya que trabajan juntos para crear algo inmensamente atractivo, agarrar al espectador y nunca dejarlo ir hasta que se agoten los créditos. Y como era de esperar, las selecciones de la banda sonora de Tarantino ayudan a crear el ambiente para las escenas de una manera que solo él puede lograr.

Lo malo

Sharon Tate: Le daremos esto a Tarantino; él dejo claro que la película no trataba sobre los asesinatos hechos por la familia Manson, sino que esto sería el fondo de la película. Pero ahí es que comienzan los problemas con la película. A pesar de tener pocas líneas, el entusiasmo y la energía positiva trae Margot Robbie cuando interpreta a Sharon Tate irradia. La visión de ver a la verdadera Tate en The Wrecking Crew es una linda mordaza que refleja su búsqueda de validación, pero las apuestas con su personaje son demasiado bajas. Sus relaciones son desinteresadas ya que Polanski no se registra como personaje y Emilie Hirsch como su estilista y ex, Jay Sebring, está perdida. En lugar de centrarse en el viaje de cine alargado solo o incluso interactuar con los personajes ficticios interpretados por Pitt y DiCaprio, las relaciones de Tate con estos hombres podrían haber enriquecido sus escenas.

¿Cuál es el enfoque de la película?: Algunos han elogiado a Hollywood como un poderoso ensayo visual de la época y no seremos los primeros en decir lo contrario porque, como mencionamos anteriormente, es hermosa estéticamente. Sin embargo, los fuertes recortes pop abruman una narrativa potencialmente convincente. Hasta el final, la historia está demasiado fragmentada. Nunca decide si quiere ser una película sobre la industria del cine en esa época, o si es sobre un hombre que está buscando redención sobre sus acciones/rumores de acciones tomadas o sobre una mujer buscando validación del público antes de sus últimos días. Esto deja la representaciones de DiCaprio, sólida y autocrítica, de Pitt, fuerte y sensata, y la de Robbie, dulce y genuina, varadas en un proyecto desigual, con un final grotesco (aunque grandioso debido a lo que ocurre) para justificar su pregunta inútil "¿y si esto hubiese ocurrido?".

Lo feo

2 horas y 20 mins de básicamente nada: La película dura 2 horas y 40 mins. De esos, 20 mins son lo más interesante ya que básicamente se cruza entre sus personajes principales y su vida cotidiana. Ahora, no estoy diciendo que no hay escenas interesantes dentro de ella (una escena entre Leo y una actriz joven es peak-Tarantino), sino que un par de tijeras para cortar las 15 escenas (y eso es un conteo bajito de lo que probablemente fue/se sintió) donde vemos a Brad y Leo conduciendo sin rumbo por LA no habría mató a cualquiera. Rick ensaya líneas con su reproductor de cintas y contempla hacer spaghetti westerns en Italia (consejos de carrera de un agente, interpretado por Al Pacino). Cliff conduce por la ciudad haciendo trabajos extraños antes de irse a casa a una caravana lúgubre, donde su pitbull espera ansiosamente su cena. Sharon hace fiestas en la Mansión Playboy y salta a los discos en su casa de Cielo Drive. En resumen, no sucede mucho realmente. (Hasta que de repente sí ocurre algo). Tarantino parece más interesado en presumir a sus actores principales, que se claramente deleitan para él, y su recreación amorosa de los puntos de referencia de Los Ángeles (como Musso & Frank's y El Coyote) que en la construcción de tensión dramática en torno a la "historia" que concibió.

Quizás la peor parte de todo esto es que es sintomático de problemas más profundos en Once Upon a Time... in Hollywood. Si bien contiene gran parte del mismo diálogo inteligente y de la construcción del universo fascinante que las mejores películas de Tarantino, esta película carecía de la misma narrativa convincente que hizo que Tarantino funcionara como Inglorious Basterds y Django Unchained clásicos contemporáneos. Parece que Tarantino está tan absorto en su propio estilo cinematográfico que pierde de vista lo que hizo que sus mejores películas funcionaran. El resultado es una película que, aunque semientretenida, se siente como una oportunidad perdida.

Rating: C

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Reseña de Hobbs & Shaw: Ejercicio de 'branding' para sus estrellas

Las películas de la serie de Fast & Furious obtuvieron una nueva oportunidad de vida cuando agregaron a Dwayne Johnson al elenco en el 2011. De muchas maneras, The Rock fue la pareja idónea para la franquicia musculosa y su exploración de la hermandad multicultural. Ahora, después de su muy publicitado choque fuera de la pantalla con Vin Diesel en The Fate of the Furious, Johnson y su coestrella Jason Statham encabezan un spin-off de su propio llamado Fast & Furious Presents: Hobbs & Shaw, un proyecto que, si nada más, mantiene la orgullosa tradición de la serie de no poder conformarse con un esquema de título consistente. Hobbs & Shaw tiene éxito parcial en la evolución de la propiedad, pero en su mayoría se siente como un ejercicio de marca para The Rock y Statham.

Hobbs & Shaw sigue al agente Luke Hobbs (Dwayne Johnson) quien es reclutado para una operación secreta que lo empareja con su frenemy, el asesino de las Fuerzas Especiales Británicas convertido en mercenario Deckard Shaw (Jason Statham). Los dos tienen la tarea de localizar a la hermana de Shaw, Hattie (Vanessa Kirby), una agente del MI6 que supuestamente ha robado un arma biológica extremadamente peligrosa. Sin embargo, cuando se enteran de que Brixton (Idris Elba), un terrorista cibernéticamente mejorado que trabaja para una poderosa organización criminal, está cazando a Hattie, la pareja se da cuenta gradualmente de que, les guste o no, tienen que cooperar si van a salvar el mundo.

Lo bueno

Johnson y Statham: Estos dos, junto a otra persona quien mencionaré un poco más abajo, son la razón principal para ver la película. En la serie original, los dos pasaron una película entera en desacuerdo entre sí, seguida de otra película trabajando a regañadientes codo con codo, pero en caso de que no estuvieran al tanto de su equipaje personal en esta película, Hobbs & Shaw envuelve un regalo fantástico. una escena entre los dos para recordarte que realmente no se quieren. Pero el quid de la historia aquí es que estas dos fuerzas opuestas tendrán que aprender a trabajar juntas para salvar el día ... y al mundo. Tiene un elemento de Lethal Weapon, pero en este caso ambos son Riggs en el sentido de que hacen una competencia sobre quién es más algarete que el otro durante peleas.

Vanessa Kirby: La actriz (quien recordarás que apareció en Mission: Impossible - Fallout) se une a la franquicia como Hattie Shaw, una agente del MI6 que resulta ser la hermana de Deckard y el McGuffin durante el resto de la historia. Es un giro inteligente en un tropo común, y es uno que hace de Hattie un activo valioso, una fuente de fricción emocional entre los tres protagonistas y una amenaza mortal para todo el mundo, todo al mismo tiempo. Hattie es tan fuerte y capaz que llama la atención de Hobbs y logra sentirse en gran medida como su propio personaje con cierta agencia y competencia, al tiempo que se convierte en un interés amoroso.

Lo malo

¿Expandiendo el universo?: Escrito por el arquitecto de la serie, Chris Morgan, acompañado por Drew Pearce (quien, curiosamente, tiene experiencia previa escribiendo sobre personajes mejorados cibernéticamente gracias a su trabajo en Iron Man 3), Hobbs & Shaw se queda corta en sus esfuerzos por desarrollar su concepto en una experiencia cinematográfica satisfactoria. Intenta trasladar los temas anteriores de Fast & Furious sobre la familia al retomar la historia de fondo de Shaw y explicar por qué Hobbs desarrolló su mentalidad de lobo solitario, pero al hacerlo, la película confunde la transformación en curso de Shaw de malvado vengativo en Furious 7 a antihéroe incomprendido en Fate of the Furious y esta. De igual manera, escribe de manera torpe como Toretto y su equipo están fuera de escena cuando se trata de la historia de Hobbs. Añadiéndole a esto, la película intenta darle a Hobbs y Shaw su propio equipo para posibles aventuras futuras, pero los personajes (que solo hacen cameos glorificados) son un carbon copy de los personajes principales de la serie grande. Por las mismas razones, Hobbs & Shaw parece menos interesado en expandir el universo y más como un intento calculador de remodelar, o, para decirlo de manera menos amable, robar, la franquicia para Johnson.

La acción: El director David Leitch y su compañía de producción 87Eleven han revolucionado absolutamente el cine de acción en Hollywood desde que salió la primera película de John Wick. Cualquier cosa en la que estén involucrados, voy a querer ver. Lamentablemente, la acción aquí se siente en gran medida sin peso y no particularmente atractiva. Hobbs & Shaw presenta piezas de acción ridículas desprovistas de lógica y física, al igual que sus predecesores, pero se olvida de inyectarlas con urgencia o creatividad. La motocicleta de inteligencia artificial de Brixton es la única novedad visual creativa nueva y genial o una nueva idea en juego aquí. Parece que tal vez Leitch simplemente se vio afectado por las limitaciones de la fórmula.

Lo feo

Demasiado larga: También hay una sensación de flujo realmente discordante en esta película. Es dolorosamente larga al tener una duración de 2 horas y 15 minutos. Es un gran error, ya que gran parte de ese tiempo de ejecución podría haberse cortado ya que provienen de estos fragmentos de comedia extendidos que ocasionalmente me hicieron reír, pero realmente rompió el sentido de urgencia y desinfló las apuestas de la película. La vida de Hattie es un reloj en marcha ya que el virus dentro de ella eventualmente la matará a ella y luego al mundo entero. Sin embargo, habitualmente tenemos tiempo para intercambios de chistes extendidos. ¿Esa tensión que el público de todo el mundo sintió en el acto final de Mission: Impossible - Fallout? Sí, no hay nada ni remotamente comparable aquí. La comedia está demasiado animada y las emociones están demasiado extendidas para que Hobbs & Shaw se sienta como algo más que una distracción masiva.

Como la suma de sus partes, Hobbs & Shaw es una desviación aceptablemente para un blockbuster de agosto, pero no es un buen augurio para el deseo de Universal de escindir múltiples personajes de Fast & Furious en películas independientes. The Rock tiene una marca distinta en este momento en esta carrera y la ha aplicado con éxito a otras IP en los últimos años, pero el resultado final aquí muestra las limitaciones de su enfoque y, en todo caso, ilustra cuán integral es Vin Diesel y su núcleo familiar realmente son para la franquicia. Por supuesto, si los fanáticos deciden que no están interesados en una sub-franquicia de Hobbs & Shaw después de todo, no es como si Johnson o Statham estuvieran sufriendo por trabajo en el futuro cercano/lejano.

Rating: C+

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Reseña de The Lion King: Ciclo vacío

Emocionado es subestimar lo que sentí cuando vi el primer póster y trailer de esta versión de The Lion King. No solo estaban "remaking" una de mis películas favoritas de todos los tiempos, sino que se veía asombrosamente hermosa. Al ser esencialmente una película sagrada como maná bajado del cielo en mi hogar, las expectativas estuvieron cuando entré por la sala. Dicho esto, lo que nos entregan es algo más vacío que no completa el "Circle of Life".

En caso de que no hayas visto el original del 1994, la historia es exactamente la misma. Simba (JD McCrary) es un cachorro que vive en Pride Rock, hijo del gobernante de la tierra, Mufasa (James Earl Jones). Simba piensa que ser rey es divertido y que puedes hacer lo que quieras, pero Mufasa intenta enseñarle sobre la responsabilidad y lo que significa vivir en equilibrio con la naturaleza dentro del "Circle of Life". Sin embargo, el hermano de Mufasa, Scar (Chiwetel Ejiofor), tiene su ojo en el trono y trama un complot para robárselo. Esto eventualmente obliga a Simba a exiliarse, donde se convierte en un adulto (Donald Glover) con sus amigos despreocupados Timon (Billy Eichner), un suricata, y Pumbaa (Seth Rogen), un jabalí. Sin embargo, una vieja amiga del león, Nala (Beyoncé Carter-Knowles) lo encuentra y trata de que este vuelva a casa, desafíe a Scar y asuma el lugar que le corresponde como rey.

Lo bueno:

Los efectos especiales: El fotorrealismo presentado en esta película es un hito técnico. Al igual que en The Jungle Book (la cual también fue dirigida por Jon Favreau), tienes que seguir recordándote que nada de lo que está en pantalla existe y que todo; hasta las gotas de agua y las hojas en los árboles fueron creadas a computadora. Como mínimo, este remake empuja la bola hacia adelante en lo que podemos hacer con efectos especiales y especialmente con la realidad virtual, ya que se utilizó la para llevar a los operadores de cámara al espacio virtual de la sabana. Si The Lion King gana el Oscar para mejores efectos especiales, probablemente se lo merezca por los méritos técnicos de lo que lograron.

Timon y Pumbaa: Uno de los aspectos más destacados de The Lion King son Billy Eichner y Seth Rogen como Timon y Pumbaa. Esta versión de la película ha modernizado algunas de las líneas de los personajes para reflejar las tendencias actuales y los dichos populares. La voz áspera y profunda de Rogen es un complemento perfecto para la personalidad de Pumbaa y, por supuesto, tiene su risa característica. El Timon de Eichner coincide más con su personalidad y humor en comparación con el Timon de Nathan Lane. Pero juntos, estos dos son magia y hacen que la película sea mucho más divertida por eso mismo. Cada vez que estos dos personajes están en pantalla, es una delicia.

Scar: Es difícil ganarle a Jeremy Irons como la voz de Scar. Su voz serpentea por tus oídos hasta que se te ponen los pelos de punta porque aunque el león hace pensar a los demás que es más débil, uno sabe que Scar tiene la situación controlada al 100%. Chiwetel Ejiofor hace lo más que puede por empatar esto y, por la mayor parte, logra hacer a Scar suyo. Al traer rasgos de geopolíticas a la mesa, Scar se convierte en un personaje más maquiavélico que en la original (si eso fuese posible) y con la voz segura de Ejiofor no solo vemos a un Scar que quiere obtener el trono, pero que hará todo lo humanamente posible por mantenerse ahí.

Lo malo:

No reconfiguran la historia: Llamémoslo como es: es muy difícil apartarse de una película clásica y todo lo que viene con ella. En su naturaleza, el formato de esta película, un recuento casi frame por frame, no un 'reimagining', hace que la visualización distraiga y sea aún más decepcionante. Cualquier remake va a evocar comparaciones inevitables con la película que vino antes, pero lo que Favreau parece haber olvidado desde su tiempo en The Jungle Book es la necesidad de distinción. El problema de esta película, al igual que el remake de Psycho del 1998, es que se aferra tanto a la original, que deciden hacerlo shot-for-shot, y para eso preferíamos quedarnos en casa. Al igual que el joven Simba entrando en la enorme huella de su padre Mufasa, el director de Iron Man y su equipo miran con devoción y reverencia hacia su preciado predecesor pero parece que no puede distinguir cómo extender la historia y traer elementos nuevos.

No hay inversión emocional: El punto de ver a Simba subir por Pride Rock bajo la lluvia aceptando su rol como rey y guardián de todos los animales de la selva (esto no es un spoiler. La película estrenó hace 25 años) debió haber sido un momento triunfante. Todo lo que el ha aprendido a lo largo de la película llega a ese momento en particular donde el acepta quién es, sus faltas y su responsabilidad en restaurar el balance. Pero, ¿qué pasa si la película le dio "fast-forward" a todas las escenas que este debió haber aprendido esas lecciones? Al hacer esto, la inversión emocional que uno le tendría a este personaje se convierte nula porque simplemente no se tomaron el tiempo en que Simba pueda aprenderlas. Y eso es de las cosas más decepcionantes/frustrantes de la película, porque además de que ya sabemos como esto se hizo anteriormente, el hecho de que básicamente hicieron una versión Xerox de la original excepto unos cantos de diálogos clave que pone al resto de la película en marcha.

Expresiones faciales de los animales: Con todo sobre lo que hablamos sobre los efectos especiales, a veces esto se convierte en una muleta en lugar de un arma dentro del arsenal del director. El énfasis en el fotorrealismo significa que se pierden los dramatismos y la teatralidad que la película necesita para prosperar. Por ejemplo, los leones no tienen muchas expresiones faciales. No son como los monos, donde puedes obtener muchas expresiones de sus caras. Si bien Favreau se inclina con fuerza en las actuaciones vocales para transmitir las emociones de la escena, no puede cambiar el hecho de que la cara de Simba en su aspecto más triste se parece mucho a Simba en su momento más feliz.

Lo feo:

La escena del pelo flotante: No hay mucho que decir sobre esta escena. Si viste la película, sabes la que estoy mencionando. Simplemente dura demasiado. Entiendo lo que querían insinuar con esto y como se relaciona con el tema mayormente abundado en la película, pero que dure alrededor de cinco minutos me mató. Ese fue el momento preciso que ponché de esta película.

The Lion King es una hazaña para efectos especiales realistas, pero tiene poco más que ofrecer aparte de Timon y Pumbaa y Scar. Esta nueva versión casi no agrega nada nuevo a la película original, y es el "cash-grab" más deslumbrante y obvio de Disney desde que empezaron a aparecer estos remakes de sus películas clásicas. Y aunque soy fiel defensor de que cualquier película puede tener un remake (mira lo que pensé de A Star is Born), para esta fue bien difícil separar lo que hemos conocido por 25 años de lo que nos estaban presentando en la pantalla. Si el público nunca ha oído hablar de la película animada original o la ha visto, esta película pudo haber asombrado a muchos, pero para aquellos que han visto la película original o posiblemente se han obsesionado con ella durante muchos, muchos años (incluyéndome), es un fracaso creativo. 

Rating: C-

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Reseña de Spider-Man: Far From Home: Pura diversión de verano en el cine

La mejor manera de describir a Spider-Man: Far From Home de antemano es que es una película que tiene que ponerse muchos sombreros. Ocupa el espacio poco envidiable post-Avengers: Endgame en la lista de lanzamientos de la franquicia, y ha sido promocionada como el capítulo culminante de la tercera fase, lo que significa que debe ofrecer al público una coda convincente para el Infinity Saga, allanando el camino para lo que sigue. Además, debe continuar la historia del joven superhéroe después de su primera película dentro del MCU, Spider-Man: Homecoming, que fue interrumpida por los eventos de Infinity War y Endgame. Además de todo eso, Far From Home debe valerse por sí misma. Con todo esto dicho, podemos decir fielmente que Far From Home es bien divertida.

Comenzando ocho meses después de los eventos de Endgame, Peter Parker (Tom Holland) está ansioso por tomarse un descanso de ser Spider-Man. Solo quiere ir de vacaciones en Europa con sus amigos y decirle a MJ (Zendaya) lo que siente por ella. Desafortunadamente, el viaje toma un giro cuando "elementales" aparecen en el planeta y Peter es reclutado por Nick Fury (Samuel L. Jackson) para luchar contra las criaturas junto a Quentin Beck (Jake Gyllenhaal). Peter no solo tiene que salvar al mundo, sino también lidiar con la responsabilidad de ser el heredero del mantel de Tony Stark.

Lo bueno

El próximo Iron Man: En las películas anteriores del Hombre Araña, ya sean las de Tobey Macguire, Andrew Garfield, y hasta la primera solo de Holland, el conflicto de Peter con la responsabilidad se refería a la irresponsabilidad. De descuidar de lo que se supone que debes hacer y solo te sirves a ti mismo, personas como Uncle Ben mueren. Aquí, no es tanto que Peter sea irresponsable o no le importe tanto como quiere un poco de espacio para ser un adolescente normal con amigos, parejas y hasta tiempo para descansar (especialmente después de la muerte de su figura paternal), mientras que también reconoce que no es un adulto. Peter es un joven de 16 años que la gente espera que sea el próximo Iron Man. Eso hace que la esencia del personaje se sienta fresca y nueva a pesar de que es el tema central presentado en las demás. Admiro que estas películas siguen encontrando maneras de decir "With great power comes great responsibility", sin que nadie tenga que decir esas palabras exactas.

Jake Gyllenhaal v. Sam Jackson: El hecho de que Spidey esté buscando una figura paternal para ayudarlo a ser el próximo Iron Man trae a estos dos actores a la escena y más diferentes y excelentes no podían ser. Jackson nuevamente interpreta a Nick Fury y aparte de ser el tipo de persona que sus secretos tienen secretos, al igual que en Captain Marvel, vemos un lado nuevo del personaje. Esta vez como un pariente que no aprueba de nada de lo que Peter hace, lo cual convierte a Fury en un personaje interesante para la transformación de nuestro héroe. Dicho esto, Gyllenhaal tiene mucho más que hacer como Quentin Beck/Mysterio (un personaje que jamás hubiesemos pensado que traerían a la pantalla grande por el mero hecho de que tiene una pecera en la cabeza) y este tiene una muy buena química con Holland en escena, trayendo el gravitas y carisma de un mentor al superhéroe del actor más joven, similar al de un tío que te dio tu primera cerveza sin que tus padres se enteraran. Ambos son unos veteranos que hacen que esta película sea un poco diferente a las anteriores y de verdad que se la comieron.

Balanceando temas fuertes con la diversión: Gracias a la mano del director Jon Watts (quien regresa de Homecoming), Far From Home es admirablemente hábil en cómo puede ser completamente irreverente en un momento e invertir de todo corazón en el viaje emocional de Peter en la misma escena. Además, al igual que la entrega anterior, hay más en la historia que solo un superhéroe, efectos especiales y un universo interconectado. También hay temas que se relacionan con el mundo real hasta cierto punto si realmente quieres mirar de cerca. Debido a que Far From Home hace el trabajo de poner a sus personajes primero y tiene un actor tremendamente fuerte en Holland (quien de nuevo es excelente como Spidey), hay espacio para incluir chistes sobre cómo cuando Spider-Man se fue al espacio.

Segundo y tercer acto: Aunque la película parece que toma un buen tiempo para comenzar oficialmente (más sobre esto más adelante), el segundo y tercer acto superan los límites de lo que se espera no solo en una película de Spider-Man, sino en las de superhéroes en general, al volverse ambiciosa con sus piezas de narración y acción que aterrizan super bien. Tanto así que el tipo que se sentó al lado mio no paraba de decir "¡Eah diablo! ¡EAH diablo! ¡EAH DIABLO!" (un saludito al que se sentó en la silla J15 de Las Catalinas en la tanda de las 6:15. Me hiciste la noche). Y esto puede ser algo que leen de los críticos cada vez que sale una buena película de superhéroes, pero este trae algunos elementos de los cómics que nunca pensé que hubieran sido representados en la pantalla y ESTOS. FUERON. EXCELENTES.

Sorpresas en abundancia: Lo más frustrante de escribir una reseña para Spider-Man: Far From Home es que lo mejor y lo más interesante de la película está básicamente fuera de límites. Simplemente no sería correcto para mí revelar algunas de esas sorpresas. Así que trata lo más humanamente posible por entrar frío. Estarás content@ de haberlo hecho.

Los post-credits: Aunque Marvel Studios ha sido reconocido parcialmente por sus escenas durante los créditos, esas escenas son, por su propia existencia, raramente esenciales para la experiencia. Si quieres levantarte y salir cuando los créditos comiencen a rodar, puedes hacerlo. La gente te mirará raro, pero puedes hacerlo. Pero en Spider-Man: Far From Home, el estudio le da al público dos de las escenas más importantes hasta ahora en MCU, las cuales apuntan a la dirección del personaje y el resto del universo durante la próxima fase de MCU. Lo dejaremos ahí.

Lo malo

Un poco de amor en la sala de edición: Uno de los inconvenientes grandes de la película es que hay veces en las que parece que la historia quiere moverse más rápido de lo que la película lo permite. Lo que quiero decir con esto es cómo algunas escenas no cortan cuando se supone, aunque no hay nada necesariamente malo dentro del contenido de la escena. Es una película que solo necesitaba unas cortaditas para tener el pacing al 100%.

Tienes que ver Endgame: Después de la apertura, Far From Home tiene una escena increíble que trata las consecuencias de Endgame, y es esencial para toda la franquicia moviéndose hacia películas que se avecinan al igual que explica las consecuencias de todos los efectos del snap de Thanos. Pero el problema es que para aquellos que vieron Homecoming y no fueron a ver Infinity War y Endgame (y dudamos que sean muchas ya que ambas recaudaron sobre $2 mil millones individualmente) van a estar bastante perdidos porque la película asume que viste las anteriores. Lo mejor sería tener un poquito de refresher y entrar de lleno con ese conocimiento.

Como el final oficial de la tercera fase del MCU, Spider-Man: Far From Home afina lo suficiente la sensación de acción épica que esperábamos este verano, así como acabarla con ese tono jocoso que el personaje ha sido reconocido desde que apareció en Amazing Fantasy #15 en el 1962. Gracias a la rapidez con la que se inició la supuesta fatiga de los superhéroes en el cine, esta secuela triunfante demuestra que todavía hay emoción e imprevisibilidad en un género que seguimos pensando que hemos terminado con él.

Rating: A-

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