miércoles, 16 de diciembre de 2020

Reseña de Wonder Woman 1984: Esperanza, amor y verdad. Justo lo que necesitamos.

 


Cuando Wonder Woman se estrenó en 2017, mostró un lado más claro del, en ese momento, bastante oscuro y áspero DC Extended Universe, así como una entrada revolucionaria en el mundo de las películas de superhéroes que se atrevió a distinguirse del resto (aparte de tener mujeres dirigiendo y protagonizando la película). Ahora Wonder Woman 1984 lleva esa esperanza y ligereza a alturas aún mayores. Para la secuela, la directora Patty Jenkins regresa y asume tareas de guion junto con el guionista de DC Comics Geoff Johns y el guionista David Callaham (The Expendables, Ant-Man). La misma intercambia  las aventuras cinematográficas de Diana Prince (Gal Gadot) de Primera Guerra Mundial que devastó Europa para los Estados Unidos de la década de 1980s (y todo lo que conlleva eso), siguiendo a la princesa amazónica mucho después de haber perdido a los amigos sobrevivientes que ganó en la primera película. Wonder Woman 1984 está llena de esperanza, amor y optimismo, que ofrece acción de superhéroe impresionantemente con un corazón sentimental.

Al igual que nuestra reseña de Tenet, intentaré ser lo vago posible con la trama y los spoilers, ya que son muy intrínsecos a todo.

Este nuevo capítulo de la historia de la Mujer Maravilla muestra a Diana Prince viviendo tranquilamente entre los mortales en la vibrante y elegante década de 1980s, una era de excesos impulsada por la búsqueda de tenerlo todo. Aunque ha alcanzado todos sus poderes, mantiene un perfil bajo, curando artefactos antiguos y solo realizando sus actos superheroicos de incógnito. Pero ahora, Diana tendrá que dar un paso directamente en el centro de atención y reunir toda su sabiduría, fuerza y coraje para salvar a la humanidad de un mundo que ellos mismos crearon.

Lo bueno

Esperanza, amor y verdad: En el fondo, Wonder Woman 1984 cuenta una historia muy humana sobre el amor y la pérdida que se siente especialmente profética en el 2020, pero la película nunca pierde la esperanza o la fe en la bondad suprema del mundo y los que viven en él que hicieron de la primera entrega un clásico casi instantáneo del género con el público. Diana, en las manos de Gadot, encarna esa esperanza y optimismo en todos los sentidos, a veces hasta el punto de que se siente demasiado irreal en un año lleno de tanta pérdida (que puede ser el cínico cansado que vivió/vive en mí este año hablando o pensando en eso específicamente), pero ese idealismo ciego también es reconfortante en su firmeza. Pero cuando la película comienza a cerrar lo que se daba, los guionistas le ofrecen un poderoso monólogo que se siente oportuno e importante, especialmente para l@s jóvenes Diana Prince que están viendo la película.

Los héroes: Hablar de esta película y no hablar de los cuatro personajes principales y los actores detrás de ellos sería un desperdicio. Gadot nuevamente aporta una cantidad igual de vulnerabilidad y fuerza al papel de Diana que le da a Wonder Woman una presencia de pantalla dinámica única. Wonder Woman 1984 se ve impulsada aún más por el turno de Pine como Steve Trevor, trabajando bien para asentar a Diana en una humanidad que podría ser difícil para una princesa amazónica. Su dinámica es tan encantadora como en la primera película, con Pine aportando mucho humor a su papel inocente tal como Gadot hizo en el 2017. 

Los villanos: Pero lo que realmente me gusta de esta película es que tanto Diana como Steve se yuxtaponen bien con los villanos, interpretados por Kristen Wiig y Pedro Pascal, quienes tienen sus propios arcos que funcionan para mostrar otros lados de la humanidad durante la edad de oro del exceso. La mejor manera de describir el papel de Pascal es lo que obtienes cuando mezclas el Lex Luthor de Gene Hackman, el Loki de Tom Hiddleston y cierta figura política que fue/es prevalente tanto en la década de los 1980s como en la actualidad (no voy a decir quién, pero comienza con D y termina con -onald Trump). Al mismo tiempo, obtienes a Wiig que lo primero que pensé que podría ocurrir exactamente la misma historia de Electro de Jamie Foxx en The Amazing Spider-Man 2 o Riddler de Jim Carrey en Batman Forever (persona ignorada admira al héroe, todo el mundo le pasa por la piedra, se convierten en villanos). Pero la película decide girar con fuerza hacia el otro lado (llegaremos a eso un poco más tarde) donde la historia de Barbara aterriza mucho mejor que lo que hicieron con los villanos en la primera película (Ares, Doctor Poison y Ludendorff) donde ellos todos eran solo personajes y completamente fuera de línea con el resto de la película. Ambos son magnéticos, poderosos, pero sobre todo, humanos en la pantalla.

Momentos superheroicos: Si bien la primera película de Wonder Woman puede haber sido más una historia de origen, Wonder Woman 1984 muestra mucho a Diana como una superhéroe en todo sentido de la palabra, y las piezas de acción reflejan esto. La directora Patty Jenkins, quien nuevamente tiene momentos donde su inspiración clara es Superman del 1978 y Raiders of the Lost Ark, se asegura de mostrar a una Mujer Maravilla que se siente cómoda con sus poderes, y es emocionante ver a la heroína deleitarse con su fuerza. Pero también hay momentos en los que Diana impulsa sus habilidades y descubre nuevas facetas de su fuerza, que son igual de electrizantes. Aunque no hay una secuencia que reproduzca la impresionante y emocionante pieza de No Man's Land de la primera película, la secuela tiene una escena con Diana sola que se acerca. En total, hay mucha acción divertida que, en su mayor parte, se entrelaza hábilmente con la línea emocional de la película, todo lo cual se vería fantástico en una gran pantalla de cine.

El tercer acto: Mientras que aprecio mucho los primeros dos actos de la primera entrega, hasta el punto en que creo que son impecables en la ejecución, el tercer acto se desmorona considerablemente ya que se convierte en una bonanza de efectos especiales mezclada con arte sin usar de God of War que no se usó en el videojuego. Jenkins escuchó claramente la súplica de muchas personas e hizo un tercer acto que, si bien tiene efectos especiales, no es su enfoque principal. Jenkins, Johns y Callaham se aseguran de que cuando lleguemos a este acto de la película, la historia de cada personaje esté terminando, cada decisión tomada a lo largo de la duración tenga una recompensa y tenga sentido para todos. Pero lo más importante, que el mensaje de la película sea 100% claro. Es claramente ambicioso, al igual que el resto de la película, pero el hacer esto ayuda que la película aterrice correctamente.

Lo malo

Minucias temáticas: Donde Wonder Woman 1984 se tambalea un poco es en la mera duración de la película, que dura dos horas y treinta minutos. La secuela de Jenkins es una película de superhéroes en expansión con escenas de acción épicas y mucho corazón impulsado por los personajes, pero su ritmo se empantana en minucias temáticas, cuya importancia no se aclara hasta más adelante en la película, a veces mucho más tarde. Esto hace que el primer acto de esta película no sea tan limpio como los otros dos hasta que ocurren ciertas cosas. Pero si bien los temas de la película quizás se explican demasiado, la construcción del mundo real se pasa por alto mucho más rápidamente, culminando en una historia en la que el significado es claro, incluso cuando los puntos de la trama son confusos en el mejor de los casos. En última instancia, es perdonable, pero puede dejar a algunos espectadores frustrados por la historia y/o el ritmo de la misma.

Una de las tres historias principales: Intentaré mantener mis referencias voladoras al mínimo, pero después de analizar la película y hablar de ella con Angelo de CinePR después de verla, es la mejor manera que puedo describirla. Parte de la razón por la que el primer acto no funciona es porque una de las tres historias principales comienza con el pie izquierdo y la comparé con un vuelo comercial que atraviesa turbulencias en la primera media hora de su viaje. Sí, como mencioné antes, Jenkins como directora y coescritora lo corrige a medida que avanza la historia, pero es muy desigual en cómo avanza el ritmo que sientes que realmente no iba a ninguna parte. Es una lástima porque hace que la película se desmorone un poco.

Al fin y al cabo, Wonder Woman 1984 ofrece una secuela ambiciosa en todos los sentidos, con el corazón y la historia emocional necesarios para mantener la base. Es una experiencia cinematográfica completa y sin duda se beneficiaría de ser vista en la pantalla más grande posible para obtener el efecto completo del ojo de director de Jenkins. Es una visita obligada para los fanáticos de la primera película, retomando los hilos de esa película y explorándolos de maneras nuevas y convincentes, particularmente en lo que respecta a la relación de Diana con la humanidad. La secuela también personifica un optimismo que es absolutamente necesario en un año como 2020, lo que lo convierte en un watch excelente para cualquiera que necesite algo de esperanza este invierno, y con la película lanzada en HBO Max además de los cines, cualquiera que quiera ver el película, puede verla. Si bien es posible que muchos no puedan ver Wonder Woman 1984 en una gran pantalla de cine, sirve como un recordatorio de lo divertida, alegre y mágica que puede ser la experiencia de ver películas.

Rating: A-

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viernes, 16 de octubre de 2020

Reseña de The Trial of the Chicago 7: El resurgimiento de un género semi-extinto

 


Hoy en día, el drama judicial es algo poco común en las salas de cine, con solo un puñado de estrenos de estudios importantes en el 2019 como Just Mercy y Marriage Story, que está muy lejos de la era clásica de Hollywood que incluía algunas de las mejores películas del subgénero. Películas premiadas y nominadas a un Oscar como Anatomy of a Murder, 12 Angry Men y To Kill a Mockingbird, todas estrenadas entre el 1957 y el 1962, hicieron del drama judicial un elemento de prestigio. El género se mantuvo estable, tanto en términos de calidad como de cantidad en la década de 1990 con una gran cantidad de títulos basados ​​en novelas de John Grisham como The Firm y más notablemente los éxitos de A Few Good Men del 1992 y Philadelphia del 1993. Sin embargo, incluso con esa década dorada, a principios del milenio comenzó una tendencia a la baja en los dramas judiciales con solo unos pocos lanzamientos como Michael Clayton (2007) y Erin Brockovich (2000) obteniendo el mismo nivel de prestigio en premios que las entradas anteriores en el subgénero. Con la televisión sosteniendo la antorcha del drama judicial con programas como Law and Order y la nueva versión de Perry Mason, surgió la duda de si había alguna película/estudio que pudiera revivir el género dentro de la industria del cine. El juicio de los 7 de Chicago, escrito y dirigido por Aaron Sorkin (quien también escribió la antes mencionada A Few Good Men), y Netflix bien pueden ser la respuesta que hemos estado buscando.

La película se desarrolla principalmente a raíz de la Convención Nacional Demócrata del 1968, lugar de disturbios y protestas contra la participación de Estados Unidos en la Guerra de Vietnam. Siete personas, Tom Hayden (Eddie Redmayne), Abbie Hoffman (Sacha Baron Cohen), Jerry Rubin (Jeremy Strong), David Dellinger (John Carroll Lynch), Rennie Davis (Alex Sharp), John Froines (Danny Flaherty) y Lee Weiner. (Noah Robbins), están acusados ​​de conspiración para cruzar las fronteras estatales e incitar a la violencia durante la convención. A estos se le añade otro miebro, el líder del partido de los Black Panthers, Bobby Seale (Yahya Abdul-Mateen II), quien no tuvo absolutamente nada que ver con el caso sobre la mesa. Con el abogado William Kunstler (Mark Rylance) dirigiendo la defensa contra el equipo de acusación Thomas Foran (JC MacKenzie) y Richard Schultz (Joseph Gordon-Levitt), lo que sigue es un juicio agotador e infame en el que los denominados Chicago 7 buscan defender sus valores en un sistema que trabaja en su contra.

Lo bueno

Aaron Sorkin, libretista: Cuando tienes al escritor de películas como A Few Good Men, The American President, The Social Network y Moneyball y creador de la serie de televisión The West Wing escribiendo la película, casi siempre tienes un jonrón en tus manos (no soy un super fan de Molly's Game. Más de eso adelante). Con esta película, uno de sus mayores activos es, como era de esperar, el guión. El diálogo característicamente animado de Sorkin sale volando de la página mientras los actores se pelean verbalmente entre sí, lo que facilita que los espectadores se involucren en la narrativa. Un veterano del género del drama judicial (sobre todo con A Few Good Men), Sorkin se siente como en casa con este material políticamente cargado, logrando el equilibrio adecuado entre el entretenimiento puro y la seriedad del tema. Si bien algunos miembros del Chicago 7 tienen papeles más desarrollados que otros, Sorkin hace un buen trabajo al darle a cada miembro del elenco abarrotado la oportunidad de brillar, dando al público una idea de quién es cada persona como individuo. Cada miembro tiene sus rasgos únicos que los hacen destacar, haciéndolos completos como personajes.

El elenco: El excelente guión de Sorkin podría haber sido en vano si el elenco no estuviera preparado para el desafío, pero lo están. Debido a la naturaleza de conjunto de la película, es difícil identificar a uno o dos actores como estrellas indiscutibles, pero Redmayne y Cohen posiblemente tienen los papeles más sustanciosos entre los siete. Sus personajes representan dos ideologías contrastantes de la izquierda (el último es un líder hippie mientras que el primero tiene más "respeto" por la autoridad), lo que crea una dinámica fascinante que finalmente tiene una buena recompensa. Strong también causa una impresión memorable, esencialmente sirviendo como alivio cómico de la película con su gran química con Cohen. Frank Langhella también se la come como el muy parcial juez del diablo presidiendo el caso. Pero a quién también quiero destacar dentro del elenco es el actor en ascenso, Yahya Abdul-Mateen II, mejor reconocido por sus actuaciones en Aquaman y la serie Watchmen. Su trama es secundaria por naturaleza ya que Seale fue añadido al caso por razones que el juez solo sabrá, pero este le mete caliente a cada segundo que esta en pantalla. El material dado por Sorkin y la actuación de Abdul-Mateen II definitivamente le dan un trasfondo que sonará fiel a las audiencias de hoy, destacando tristemente lo poco que han cambiado las cosas en el país durante las últimas décadas.

Reviviendo un género: Es difícil escribir escenas de tribunales, porque evitar los clichés es como esconderse del oxígeno. Realmente no se puede volver a concebir las palabras y oraciones como "¡Objeción!", "Sostenido", "Anulado", "¡Orden! ¡Orden!" y "Que le plazca a la corte". Teniendo esto en cuenta, te darás cuenta de que te preocupaba mucho más la vida personal de un abogado que su destreza en litigios en cualquier drama judicial, ya que tiende a afectar la forma en que litigan en el tribunal en películas o programas de televisión como este. Basta con echar un vistazo a Atticus Finch en cualquier adaptación de To Kill a Mocking Bird, cualquier episodio de Ally McBeal y al personaje de Denzel Washington en Philadelphia, por nombrar un par de ejemplos. Sin embargo, Sorkin, que no tiene rival en su habilidad para escribir debates y discursos, se las arregla para refrescar esos viejos bancos, túnicas y mazos. Al recordar las declaraciones de Mark Zuckerberg en The Social Network, el escritor y director usa la sala del tribunal para contar la historia de los siete hombres, y su testimonio se convierte en una narración rápida e impulsada. Puede que esta película no sea la próxima 12 Angry Men cuando la miremos nuevamente en 10-20 años, pero Netflix está reviviendo este género de manera lenta pero segura, al igual que lo ha hecho con el género de la comedia romántica, con talento estrella detrás de escena con ambos Sorkin y el escritor/director de Marriage Story, Noah Baumbach.

El mensaje detrás de las palabras: Cuando se trata de dramas judiciales y Sorkin, uno podría conectar esta película con A Few Good Men. Sin embargo, las películas tienen una intención muy diferente, ya que la primera es un drama mientras que la última contiene elementos de suspenso significativos. El guión probablemente se acerque más a Charlie Wilson's War y Molly's Game en enfoque (si no específico). Aunque The Trial of the Chicago 7 tiene un mensaje serio, encuentra espacio para momentos de comedia (oscura) y humor (horca). El tono nunca es bromista, pero ciertos elementos, como las afirmaciones del juez Hoffman de que no está relacionado con uno de los acusados, rayan en lo absurdo. Si bien se han arreglado algunos aspectos de la historia, ese se ha establecido como parte del registro histórico escrito. Es uno de los detalles que hace que la película sea importante en lo que dice sobre la libertad y la democracia y agradable en la presentación de esos temas.

Lo malo

Aaron Sorkin, director: Después de Molly's Game en el 2017, pensé que la escritura de Sorkin estaba mejor servida por directores que no eran él. Su estilo con las palabras, en ese momento, no se tradujo en un estilo para las cámaras. El tipo nunóa llego a dirigir un episodio del show que creó (The West Wing) en el tiempo que el prestigioso programa estuvo en el aire (1999-2006), y eso estuvo en muestra durante Molly's Game. Y aunque Chicago 7 es una mejora en sus esfuerzos como director con respecto a la película anterior y muestra que aprendió de algunas de las cosas que pensé que no hizo bien anteriormente, sigo creyendo firmemente que Sorkin da un trabajo superior cuando crea y desarrolla el esqueleto de una película (el guión) para que otros cineastas la ejecuten y construyan el resto en lugar de que él mismo ejecute el resto del cuerpo (la película). El escritor trabaja mejor cuando tiene a alguien que lo refrena/desafía sus ideas sobre cómo hacer algo. Solo mire las películas que ha escrito exclusivamente: A Few Good Men y The American President (ambas dirigidas por Rob Reiner), The Social Network (David Fincher), Steve Jobs (Danny Boyle), Charlie Wilson's War (Mike Nichols) y Moneyball (Bennett Miller). Entre estos cinco directores tienes 13 nominaciones al Oscar y dos victorias (Nichols ganó el premio al mejor director por The Graduate y Boyle ganó el mismo premio por Slumdog Millionaire).  Ahora bien, esto no significa que no aprendió ningún truco del oficio de estos directores con los que ha trabajado anteriormente, solo digo que es un poco verde cuando se trata de dirigir una película.

Qué momento para que salga esta película. Hay tantas cosas en este año tumultuoso que se sienten perfectamente hechas para este año. Y, vaya, esta película, después de estar en proceso durante tanto tiempo con problemas de desarrollo con Steven Spielberg a la cabeza desde el 2006, llega en el momento adecuado. Es mucho lo que se puede decir, pero en un momento va más allá de una reseña y se convierte en un ensayo extenso sobre cuánto ha progresado y cuánto no ha progresado el sistema judicial en los últimos 50 años. Todavía estamos peleando la misma pelea que pelearon los abuelos de algunas personas cuando tenían 20 años. Puede ser deprimente, pero una película bien hecha como esta no solo puede mostrarle que las batallas no son nuevas, sino que vale la pena pelearlas y lo que, espero, lleve a la gente a investigar más historia de la que no se enseña. Esto podría haber terminado como una parte de 10 minutos de un documental de CNN un domingo por la noche. En cambio, The Trial of the Chicago 7 es una peliculaza, incluso con su mayor y honestamente única deficiencia. Netflix tiene otra película fuerte aquí para su repertorio y definitivamente debería ser una visita obligada siempre que tenga tiempo.

Rating: A

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miércoles, 23 de septiembre de 2020

Reseña de Tenet: Tan monótona como un álbum de grandes éxitos

 

Pocas líneas logran explicar la película que estás viendo con mayor claridad que la que dice el personaje de Clémence Poésy en una de las primeras escenas de Tenet, el muy esperado blockbuster de su "señoría" y "salvador del cine", Christopher Nolan. "No trates de entenderlo", le dice al protagonista de la película. "Siéntelo." Es casi como si el mismo Nolan quisiera asegurarle a la audiencia que intentar descifrar la trama de su última película no será más que una pérdida de tiempo, y es el mejor consejo que esta reseña puede dar a los posibles espectadores de la película (cuando y como elijas para verla). Si te detienes a pensar en lo que estás viendo, lo estás haciendo mal.

La forma más sencilla de explicar la trama sin revelar nada es que John David Washington interpreta a un personaje literalmente acreditado como "Protagonista", un agente de la CIA que tiene la tarea de encontrar la fuente de una nueva arma que será la causa de una tercera guerra mundial que acabará con toda la vida en la Tierra. Armado con muy poca información, se embarca en una misión trotamundos con un grupo de NPC para detener el fin del mundo y rescatar a una princesa del gran ruso malo.

Lo bueno

James Bond a la Nolan: Si alguna vez quisite ver una película de James Bond bajo el mando de Christopher Nolan, Tenet es lo más cerca que vas a tener a eso. Al igual que Inception, el director una vez más se inspira en el género del espionaje. Pero en lugar de una película de atracos, ahora nos ofrece la película de James Bond de sus sueños, completa con organizaciones en la sombra, persecuciones de autos, traficantes de armas, oligarcas rusos y apuestas mundiales. Es cuando se apoya en estas influencias que Tenet realmente brilla, convirtiéndose en la película de Bond más grande y elegante que todos queríamos para la temporada del verano y que vale la pena ver en una pantalla grande (de tener la oportunidad y que todo el mundo esté seguro y usando las medidas preventivas. Si no, quédate viendo Mulan en casa).

La mezcla de efectos prácticos y especiales (o falta de ellos): El as en la manga de la película es, como era de esperar, su concepto de “inversión del tiempo”, y el director de fotografía de Tenet, Hoyte Van Hoytema, junto con los equipos de efectos visuales y especiales dirigidos por Andrew Jackson y Scott R. Fisher, respectivamente, ayudan a crear algunas piezas asombrosas. No importa cuántas entrevistas leas sobre la falta de efectos renderizados por computadora en Tenet, nada puede realmente prepararte para el espectáculo puro e impresionante de la película.

Lo malo

El entender lo que acaba de ocurrir: Algunos dicen que la película es imposible de entender. Nosotros en MovieRican decimos que eso es embuste. Tratar de entender a Tenet no es más difícil que, digamos, jugar mah-jongg dentro de una secadora, mientras te gritan el libro de texto entero de los principios de la mecánica cuántica en esperanto fluido. El problema surge cuando la acción se detiene y la película comienza a explicar cómo funciona todo, dando a la audiencia líneas de exposición torpes a través de lecturas frías y distantes, como si los actores no fueran más que animatrónicos sin alma en un parque temático. Es como si Nolan estuviera tan preocupado por mostrarte que hizo sus deberes para la "inversión del tiempo" (el físico teórico y ganador del premio Nobel, Kip Thorne, es consultor de la película) que se olvida de mostrar por qué debes preocuparte por el resto. Hasta el punto en que la película se volvió agotadora de seguir en la última media hora. Y esto no ayuda cuando no puedes escuchar la mitad de la película (pero me adelanto).

Greatest Hits: ¿Alguna vez haz escuchado el álbum de grandes éxitos de algún artista? Usaremos de ejemplo a Chayanne (¿y como no hacerlo?). Sí, dentro de ese albúm te incluye exitasos nuevos como 'Torero' e 'Y tu te vas', pero el resto del álbum son viejeras como 'Salomé', 'Tu pirata soy yo' y 'Provócame' que las has escuchado 500 veces. Nada malo con escuchar algo esa cantidad de veces, pero te pones a pensar que si le metiste casco a dos canciones nuevas, debiste haber tenido como diez canciones más en las gradas. Así fue como se sintió Tenet: su película con su estampa más clara y la menos interesante hasta la fecha. Es impresionante, de verdad, que algo tan deliberadamente laberíntico, tan desafiante, y lleno hasta el borde con una gran escenografía tras otra masiva, sea, para decirlo simplemente, tan monótona como es.

Lo feo

La mezcla de sonido: Antes de entrar a esto, solo quiero decirle gracias a Caribbean Cinemas por poner subtítulos en la película. Fueron de mucha ayuda. Ahora, si pensabas que Bane, el villano de The Dark Knight Rises de Nolan, estaba al borde de lo inaudible, espera a la gente de Tenet. La mayoría de ellos hacen que Bane suene como Julie Andrews. La mezcla de sonido en Tenet es extremadamente horrible. Las explosiones y la banda sonora de Ludwig Goransson a menudo ahogan el diálogo hasta el punto de ser ininteligible. Al menos una escena clave que involucra algunos puntos clave de la historia se realiza durante la navegación con viento sobre un sistema de intercomunicación crepitante. El sonido es tan importante para una película como la imagen. Por eso hicimos la transición de las películas mudas entre 1926 y 1930. Sin embargo, si no se sincronizan, si no se complementan entre sí en lugar de intentar dominar al otro, el público no puede seguir la historia que se cuenta. Claro, hay algunas escenas en las que es intencional no escuchar el diálogo. Esa es una elección creativa destinada a evitar que la audiencia sepa algo para revelarlo más tarde, o para informar cómo vemos la historia desde un lugar de ignorancia. Tenet, sin embargo, es una historia compleja para empezar. Estás hablando de una película que tiene una narrativa intrincada, con elementos muy específicos que impactan esto, y la realidad es que apenas te das cuenta de lo que explican los personajes. ¿Cómo ayuda eso a alguien a disfrutar de lo que está pasando?

Sin tener la culpa, Tenet se ha convertido en el Brian del cine. En otras palabras y junto a su director, es una entidad decente, generosa y lejos de ser perfecta que ha sido cargada con los deberes de un mesías. Al ser el primer blockbuster que se lanza al público desde el reinado de COVID-19, lleva consigo las esperanzas de toda una industria, tanto los estudios, los distribuidores, los cines y hasta la persona que vende las taquillas. Pero como una película complete simplemente no tiene la tenacidad, la sensación o el impulso para convertirse en el presagio de la normalidad en las salas de cine. Es muy bonita para ver cuando está en mute. Eso es todo.

Rating: C

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viernes, 4 de septiembre de 2020

Reseña de Mulan: Una plantilla sobre cómo hacer un remake

Mulan: Release Date, Cast, Trailers, Story, and News | Den of Geek

Disney ha tenido un problema con sus adaptaciones de acción en vivo últimamente. Sus versiones de acción real de Beauty and the Beast, Aladdin (las cuales me gustaron) y The Lion King (que no me gustó) han sido éxitos de taquilla, pero se mantuvieron demasiado fieles a la película que están rehaciendo. Esto se debe principalmente a que reverencian demasiado lo que los precedió, aparte de otros actores que interpretan personajes similares y que son en formato live action. Además de esto, también se han preocupado más por abordar los argumentos de mala fe de los YouTubers preocupados por los plot holes que por encontrar una manera de contar una nueva historia. La adaptación Mulan de Niki Caro no tiene este problema. Aunque Caro sigue en gran medida los mismos ritmos de la película animada, la nueva versión se siente vibrante y única. Sabe dónde descartar elementos de la anterior, abordar sus propios temas y aún conservar el poder de la historia. Nadie canta I'll Make a Man Out of You o una aparición de Mushu, pero este remake muestra por qué eso es lo mejor.

La historia de la película sigue a Hua Mulan (Liu Yifei), una joven que no tiene mucho potencial como esposa tranquila y obediente, pero cuya rara habilidad para conectarse con su chi la convierte en una guerrera prometedora. Cuando su padre herido Hua Zhou (Tzi Ma) es reclutado en el ejército, Mulan le roba su espada y armadura y se hace pasar por un hombre para tomar su lugar. Mientras se entrena en el ejército, Mulan aprende del comandante Tung (Donnie Yen) y se hace amiga de algunos de sus compañeros reclutas, incluido Chen Honghui (Yoson An). Antes de que se complete su entrenamiento, su regimiento es llamado a luchar contra el guerrero enemigo Bori Kahn (Jason Scott Lee), quien es ayudado por la bruja cambiaforma Xian Lang (Gong Li). Con la conexión de Mulan con su chi obstaculizada por su mentira, la joven guerrera debe decidir si está dispuesta a arriesgar su vida y el honor de su familia para salvar a China.

Lo bueno

Cómo hacer un remake: Si esa sinopsis suena familiar, es porque se mantiene en gran medida en los ritmos de la película del 1998, con algunas excepciones clave como la introducción de Xianniang, la eliminación del dragón protector y alivio cómico, Mushu, y tampoco se canta. En lugar de transferir la película animada a un largometraje de en como se hizo con el remake inerte antes mencionado The Lion King o tratar constantemente de contestar preguntas tontas como lo hacen con Beauty and the Beast (“¿Por qué los sirvientes tuvieron que sufrir?” “¿Por qué Belle no intenta escaparse del castillo?”), Mulan existe cómodamente en su onda mientras se desliza hábilmente sobre estos obstáculos. No necesitas ver a Mulan hablando con un grillo o lagartijo CGI porque ese no es el tipo de película que está haciendo Caro. Por supuesto, Mulan se inclina hacia una dirección más madura (es la primera de estas adaptaciones que tiene obtiene una clasificación PG-13), pero también hace que la historia sea mucho más satisfactoria. Liberado de las cadenas de "Hazlo como la original, pero también agrega explicaciones tediosas y efectos especiales no muy buenos", Mulan tiene una vida y vitalidad que no hemos visto en un remake de Disney desde Cinderella de Kenneth Branagh y The Jungle Book de Jon Favreau (en nuestra opinión, y por mucho, las mejores adaptaciones de películas animadas del Ratón), que también tuvieron la confianza de apartarse de su material original y centrarse más en los personajes y el por qué toman determinadas decisiones en lugar de obligaciones puestas en pantalla.

El elenco: Por su parte, Liu se convierte en una guerrera elegante y dinámica en las escenas de acción, pero es la actuación cómica más sutil de la actriz la que realmente la hace brillar, desde la voz más profunda que usa cuando se hace pasar por un hombre hasta la broma para entretener a su hermana. Estos momentos en los que Liu aporta personalidad a Mulan son algunos de los puntos más brillantes de la película, ya que de lo contrario puede atascarse en la acción y dejar que el desarrollo del personaje se quede en el camino de hacer avanzar la historia. Tanto la Mulan de Li y y el Zhou de Ma (quien francamente se roba la película al darle gravitas a la misión de su hija), y sus escenas juntas son algunas de las más especiales de la película. Yen también aporta algo de humor astuto a su papel del comandante Tung, y el Honghui de An es un interés amoroso lo suficientemente convincente, aunque eso se debe al encanto natural del actor más que a cualquier cosa en el guión (que hablaremos más adelante). En total, Mulan tiene un elenco de gran talento.

Cinematografía, diseño de producción y vetuario: Si bien podemos enfocarnos en las escenas de acción (que son particularmente geniales con un excelente trabajo de alambre que se inspiró claramente en películas como Crouching Tiger, Hidden Dragon y Enter the Dragon), también es importante enfocarnos en las cosas que tendemos a tomar por concedida en grandes películas como esta: la cinematografía de Mandy Walker, el diseño de producción de Grant Major y el vestuario de Bina Daigler. Bajo el mando de Walker, la cámara no solo se torna dinámica, sino también capta efectos visuales impresionantes que cobran vida y resaltan la belleza natural del paisaje de China (la película se rodó en China y Nueva Zelanda), lo cual es ayudado por los sets como el palacio imperial, el campamento de guerra y hasta la aldea de nuestra protagonista creados por Major. Los personajes también cobran vida y saltan de la pantalla tanto con la vestimenta y los colores usados en ellas por la mano confiada de Daigler. En fin, Mulan es hermosa para la vista, y espero que una vez que termine la pandemia, Disney vuelva a estrenar la película de Caro en los cines porque ella hizo esta película con una gran pantalla en mente. Puedes decir por las vistas altísimas y los disfraces intrincados que, aunque podrás ver Mulan por tu teléfono, perderás mucho de la experiencia y estarás mejor servido viendo el lanzamiento de Disney+ en el mejor televisor disponible.

Lo malo

El libreto no justifica algunos personajes: Como mencioné anteriormente, el elenco de la película es muy fuerte, y esto se extiende a los actores secundarios y hasta terciarios. El issue entra cuando algunos personajes se quedan atrás por culpa del libreto. Hay muy poca profundidad en la mayoría de los personajes de Mulan, como algunos de sus compañeros soldados, su interés romántico (hasta cierto punto) y hasta su hermana y madre, y la mayoría de ellos terminan siendo unidimensionales o tienen escenas únicas que muestran personajes más completos pero hasta ahí llega todo. Es una pena que no tengan más que hacer, ya que claramente estaban allí para A. mostrar la camaradería de Mulan con ellos, B. mostrarlos como una extensión y representación de los ciudadanos de China, y C. tal vez ser prescindibles en momentos en que ocurre una batalla. Quizás esto se debe a la creación de más personajes como la hermana y la división del personaje de Li Shang en dos (el general de Yen y el soldado de An), o tal vez es que tiene dos parejas de libretistas en su libreto con dos ideas que conflijen una con la otra (que hablaremos de esto próximamente), pero esto habla más del talento del elenco 

Un mensaje en conflicto con él mismo: Como se mencionó, la acción es realmente buena en esta película. Pero podría haber sido mucho mejor y dado mucha más seriedad si no hubiera sido por un punto importante de la trama que contradice todo el mensaje expuesto por la misma película: el chi. Quizás los espectadores más jóvenes quedarán fascinados por la asombrosa precisión del personaje de Mulan, pero es difícil pasar por alto cómo estas habilidades socavan algunos de los temas propios de la película. Mulan intenta enseñar la lección de la necesidad de ser sincero contigo mismo para encontrar tu lugar en el mundo, pero el hecho de que Mulan sea muy especial implica, quizás accidentalmente, solo las personas verdaderamente especiales que tienen algo tangiblemente útil que ofrecer al mundo serán aceptados por quienes son. Al igual que el de Captain Marvel, el mensaje de Mulan está en el lugar correcto, pero su ejecución es algo deficiente.

Yo admito fielmente que no me gustaba la adaptación animada. En mi opinión, la animación en sí es muy buena, pero no me gusta Mushu porque lo único que hace es pausar la película en seco ni te puedo cantar 80% de las canciones de memoria. En fin, no la encuentro muy memorable en comparación a otras películas animadas de Disney, lo cual la hacía una de las mejore candidatas para hacer un remake. La versión de Niki Caro excedió como 90% parte de mis expectativas al ser lo suficientemente diferente a la anterior. Esta no es solo una buena adaptación, sino que, al menos en mis ojos, me hace apreciar mucho más la película del 1998 (aunque todavía no pienso que sea top-tier en mis ojos). Y eso es lo que un buen remake debe de hacer: no solo honrar lo que vino antes sino también, igual que su personaje principal y otros remakes, crear una identidad propia más allá de lo que vino antes.

Rating: A-

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sábado, 29 de agosto de 2020

Recordando a Chadwick Boseman: Un virtuoso con mucha promesa

Why Does Hollywood Keep Casting Chadwick Boseman in Biopics?

Cuando alguien de 43 años muere de cáncer, es trágico. Pero cuando esa persona es Chadwick Boseman, la palabra trágico no la expresa completamente. Es más que trágico, es cósmicamente cruel. Sientes como si el impacto de su pérdida hubiera abierto un agujero en el mundo, no solo por los proyectos de los que ha sido parte, sino también por el poder cultural que ha aprovechado en tan poco tiempo a través de los personajes que él interpretó. Boseman era un actor virtuoso que tenía la rara habilidad de crear un personaje de afuera hacia adentro y de adentro hacia afuera.

Honestamente, me sorprendió esta noticia, no solo porque no teníamos idea de que estaba luchando contra el cáncer y porque recibí la noticia justo antes de irme a dormir a través de uno de mis mejores amigos a quien pensé que estaba haciendo una broma cruel, sino porque todavía estaba al comienzo de una carrera asombrosa. En un asombroso trío de películas biográficas, interpretó a tres leyendas afroamericanas: el pelotero Jackie Robinson, el cantante James Brown y el juez Thurgood Marshall. Pero lo más asombroso fue que capturó de qué estaban hecho cada uno de esos hombres: la rebeldía de lo que sentían, las alturas que escalaban, lo embriagador y, a veces, debilitante armadura que usaban para protegerse de un mundo atado a la injusticia.

Cuando Boseman saltó a la fama en el 2013, como Jackie Robinson en la película biográfica lacerante y criminalmente subestimada 42, inmediatamente sientes el poder de su presencia. El fenecido actor interpretó a Robinson como un hombre que, como el primer afroamericano en el béisbol de las grandes ligas, tuvo que enfrentarse a un nivel de animosidad racial comparable al terrorismo. La película trata sobre el coraje de Robinson, algo que se planta al principio de la película cuando el gerente general de los Brooklyn Dodgers, Branch Rickey (Harrison Ford), le pidió a Robinson que se convirtiera en un líder en el campo y un jugador "... con el coraje de NO pelear espalda". Pero debido a que Boseman era un actor tan atrevido, también muestra la indignación que Jackie Robinson sintió y no pudo expresar (al menos, no públicamente), y la forma en que eso lo carcomió por dentro. La película es realmente genial; La actuación de Boseman superó todo lo que había dentro de ella: tensa, furiosa, voluble, definitoria.

*Como otro truco cósmico que nos ha brindado el 2020, Boseman falleció el mismo día en que las Grandes Ligas celebraban el día de Jackie Robinson, día en que todos los jugadores honran al jugador usando el número icónico 42.*

Un año después, cuando lo vi en Get on Up de Tate Taylor, experimenté la sensación de revelación que muchos sintieron sobre Daniel Day-Lewis en el 1986, cuando siguió su actuación como el punk en My Beautiful Laundrette con su delicioso papel como el aceitoso petimetre romántico de A Room with a View, y todos dijeron: "Espera, ¿es el mismo actor?" En el caso de Boseman, no podía creer que fuera el mismo actor. Como Jackie Robinson, estaba furiosamente contenido porque, como mencioné anteriormente, el pelotero tenía que contenerse y no hacer algo que hubiese parecido fuera de lugar y desperdiciarle las oportunidades a otros peloteros afroamericanos talentosos que venían después de él. Como James Brown, era... pues James Brown. Y en serio, ¿cómo alguien interpreta a alguien tan fuera de este mundo como James Brown? Es como decir que vas a interpretar a un tornado. Sin embargo, Boseman lo hace: clava cada movimiento de baile imposible, cada gesto de grandilocuencia funk, y habla de una manera que es tan bruscamente altiva y fascinante que podríamos estar en presencia de un hipnotizador. Te muestra lo que le costó a Brown inventar un nuevo tipo de ritmo que dio vuelta al rock 'n' roll de adentro hacia afuera. Pero también te muestra el legado de dolor y ego que impulsó ese ritmo. Es asombroso, es catártico, es indeleble. No llegué a pensar que era la mejor película del 2014 (ni cerca), pero Boseman sí tuvo una de las mejores actuaciones de un año extremadamente fuerte con Michael Keaton en Birdman, Jake Gyllenhaal en Nightcrawler, Eddie Redmayne en The Theory of Everything y Benedict Cumberbatch en The Imitation Game. Desafortunadamente, no recibió el cariño del Oscar que Jamie Foxx sintió por Ray, pero en cierto modo, ¿a quién le importa? Esta fue una actuación diseñada para aturdir a los dioses.

Por supuesto, el papel por el que probablemente será recordado sobre todo es como el rey T'Challa, alias Black Panther. Recuerdo cuando Marvel anunció la tercera entrega de Captain America, subtitulada Civil War, y el superproductor Kevin Feige invita a Boseman al escenario con Chris Evans y Robert Downey Jr. para revelar que fue elegido como para interpretar al personaje, y la multitud allí se volvió loca porque sabían que era un gran talento con mucho potencial. Es más, recuerdo donde YO estaba cuando salió la noticia: la biblioteca del edificio DMN de la UPRRP "estudiando" para un examen de humanidades que tenía como dos horas después. La noticia fue así de grande.

Boseman supo siempre fusionarse con un papel, grabarlo en tres dimensiones, aportarle su propia verdad. Eso es lo que lo convirtió en un artista y también en una estrella de cine. Sin embargo, en Black Panther, también se convirtió en algo raro: un héroe cultural. Y esto no solo porque encarnó al primer superhéroe de cómic negro más grande de la era de la franquicia, sino porque lo convirtió en un ser humano tan terrenal y tangible.

Su interpretación de T’Challa no es como las interpretaciones de cómics y películas de otros actores. Es hábil, astuto, estoico y vulnerable, con ese acento cantarín que le da una nota de juego pensativo a todo lo que dice. Y debido a que infundió al personaje con un espíritu tan milagrosamente identificable, Boseman conmovió a una generación. Creó un nuevo tipo de héroe y, al hacerlo, nos mostró lo que era posible y cambió lo que era posible. Abrió un sendero liberador de esperanza y conexión. 

Viviendo en San Francisco, CA para el momento en que la película estrenó, recuerdo la electricidad que se sentía en el público. Y esto no solo fue porque Serena Williams estaba en el público (tengo la foto para comprobarlo), sino también por todo lo que habíamos escuchado sobre la misma. En cuanto la película comienza en Oakland durante el asesinato de Rodney King en el 1992, el cine comenzó a vibrar. Eso tal vez fue porque Oakland queda literalmente al otro lado de la bahía de San Francisco, a tan solo 12 millas de separación, 18 mins en carro y 53 en bicicleta, pero porque cuando T'Challa aparece por primera vez todo el mundo se calló, admirando a alguien que tenía el carácter de un rey. Cuando la película culmina, el público tronó con aplausos y bullas dentro y fuera de las salas gritando "Wakanda Forever" mientras cruzaban los brazos. Intenté conseguir taquillas para el lunes después del estreno para volver a verla y pude hacerlo, y no te estaría mintiendo al decir que tuve que estar parado porque sobrevendieron la tanda. El fenómeno de Black Panther fue (y todavía es) tan grande, que allá en San Francisco la película todavía seguía en cartelera toda vendida la semana que Avengers: Infinity War estrenaba. Esta última estrenó durante los últimos días de abril; Black Panther estrenó a principios de febrero. 

Claro, el poder de la película viene de muchas personas, tanto Ryan Coogler como director/escritor, como su elenco secundario que incluye a Michael B. Jordan, Letitia Wright, Lupita Nyong'o y Danai Gurira, entre otros. Pero decir que no fue anclado por una super actuación de Boseman sería ignorar los hechos y los momentos creados por su actuación. El momento en que él nos presenta a Wakanda como un lugar real justo antes de pasar por las montañas holográficas diciendo "Nunca me aburriré de esto". Cuando pasa al plano ancestral para hablar con su padre por primera vez después de su muerte. El momento en que resucita triunfalmente después de perder contra Killmonger en el ritual con los brazos extendidos gritando "¡Nunca cedí! Y, como puedes ver, ¡no estoy muerto!". Estas son partes que simplemente te erizan la piel. Boseman llegó a hacer esto con el personaje de T'Challa hasta fuera de su película. ¿A quién no se le erizó la existencia cuando Black Panther, Okoye y Shuri son los primeros tres que caminan por los portales en Avengers: Endgame? El mero hecho de que grabó estas películas físicamente exigentes (Civil War, Black Panther, Infinity War y Endgame) prácticamente entre el 2015-2018, tres de ellos ya diagnosticado con cáncer, es simplemente el poder, la presencia inequívoca y el amor al arte de Boseman en todo su esplendor.

La repentina pérdida de Boseman se siente tan inquietante, a su manera, como la pérdida de Heath Ledger, Philip Seymour Hoffman o James Dean: artistas que son insustituibles y que seguirán viviendo en la cultura popular. Al sol de hoy, cuando alguien cruse los brazos en su pecho diciendo "Wakanda Forever", siempre será con su voz en mente. Niños y jóvenes seguirán vistiéndose de Black Panther por generaciones. A medida que vayan creciendo, esas generaciones descubrirán sus otras interpretaciones y como el humanizó leyendas que se sentían, y son hasta cierto punto, inalcanzables. En los años transcurridos desde que Boseman se convirtió en estrella, puedes contar los papeles principales que tuvo con una mano. Sin embargo, si mira esas actuaciones, puede sentirse abrumado/a por la sensación de que, como actor, Chadwick Boseman podría hacer cualquier cosa. Si hubiera vivido, creo que habría hecho comedias, dramas, musicales, thrillers, romances, y hasta convertirse en el próximo Denzel Washington. Habría hecho lo que hacen los mejores actores: mostrarnos quiénes somos, pero también nuevas formas de ser, cosas que nunca hubiéramos imaginado hasta que las vimos.

¡Wakanda Forever, Chadwick! Descansa en paz.



martes, 30 de junio de 2020

MovieRankings: Las mejores y peores películas del 2020 hasta el momento



Este ciertamente no ha sido un año normal para los estrenos teatrales, con los cines en todo el país oscurecidos por el bloqueo de la pandemia antes de que el primer trimestre se completara por completo. En los estudios ha surgido cierta esperanza de que los teatros en ciudades como San Francisco, Los Ángeles y Nueva York puedan volver a operar en agosto, ya que componen alrededor del 25% de los ingresos brutos de taquilla en todo el país y, por lo tanto, rescatan al menos parte del verano. ¿Pero los cinéfilos se sentirán lo suficientemente seguros como para alcanzar el múltiplex con la ansiedad del COVID-19 aún corriendo?

Dadas las circunstancias, han habido una sorprendente cantidad de títulos destacados lanzados, incluso desde que se produjo el cambio de servicios de streaming y VideoOnDemand (VoD). También han habido algunas basuras desechables lanzadas a nuestras pupilas. Con el propósito de celebrar la mitad del año (y que seguimos batallando la pandemia juntos), nosotros en MovieRican decidimos hacer una lista de nuestras películas preferidas y no tan preferidas del año hasta el momento con nuestro editorial MovieRankings.

Aunque todavía nos falte la segunda mitad que incluye películas como Tenet, Mulan, A Quiet Place Part II, The King's Man, Wonder Woman 1984, Black Widow, No Time to Die, Soul, Dune, West Side Story y otras que podrían estar nominadas para los Óscars, entendemos que ya tenemos material suficiente para componer una lista de este calibre (aunque no es tan excesivo como en otros años que ya habremos visto más de 40 películas ya que muchas cambiaron sus fechas de estreno). Como todo MovieRanking, estas fueron escritas en un papel por cada integrante y se les hizo un ranking usando promedios, convenciendo y chantajeando uno al otro. La lista es nuestra sincera opinión y no la lista definitiva de todos los tiempos. Sabemos que hay personas que tiene opiniones diferentes y eso está más que bien porque todas las películas son subjetivas. Para los curiosos, encima de cada título, les dejamos o la reseña o mini-reseña de cada una por si quieren adentrarse más hacia por qué nos gustó / no nos gustó tanto la película.

Las peores


Menciones despreciables: The Photograph, Dolittle y Extraction


Capone' Review | Hollywood Reporter

Capone es una película lanzada después de una ardua producción. Hecha en el 2018, la película que tenía la taréa árdua de mostrar que el trabajo de Josh Trank en Chronicle no fue una casualidad después de Fant4stic se sentó en el estante hasta que se lanzó VOD este año debido a dos razones bastante obvias: 1. por la pandemia y 2. porque es una película bastante mala. En la superficie, parece un esfuerzo que vale la pena. Tom Hardy como Al Capone? ¡Por supuesto! Oh, pero está interpretando al gángster más notorio de todos los tiempos como un anciano ruidoso con la voz del Pato Donald y cagón (no es chiste esto último) que lucha contra la neurosífilis y la demencia... ¿Eh? Por qué esta historia merece ser contada es una incógnita, pero es un desperdicio del talento de Hardy. Tan bueno como es, la depresión cavernosa que es Capone lo envuelve. El trabajo de maquillaje es bastante malo. Esta es una cadena perpetua de una película.


Artemis Fowl' Premiere Date on Disney Plus Streaming Service – Variety

Este filme fue alguna vez etiquetado como el próximo Harry Potter, pero esta incoherente adaptación de la popular serie de libros estaba muerta a su llegada para su debut sin ceremonia alguna por Disney+. Al igual que la reciente Star Girl de la plataforma (una película mucho mejor), Artemis Fowl es una adaptación de una novela de 20 años que no se da cuenta de lo desactualizada que está. Pero incluso más allá de la fidelidad al material fuente o la relevancia para el momento en que se lanza, Artemis Fowl falla en un nivel fundamental de "¿Es divertida esta película?" y "¿Quiero pasar más tiempo con estos personajes?" Al igual que The Mortal Instruments: City Of Bones, falla de manera impresionante en atar un solo hilo narrativo, dejando todo lo sustancial para la secuela teórica. Las franquicias de Harry Potter, Hunger Games y hasta Twilight podrían haber terminado con sus respectivas primeras entregas y aún así calificar como un drama de personajes completo. Al igual que muchos imitadores, Artemis Fowl le da prioridad a la creación del mundo y la configuración de secuelas para personajes atractivos y entretenimiento en el momento. Para citar la mejor película de Disney+ hasta el momento, "se cometieron errores".


Final Trailer Released For Horror Film 'Fantasy Island'

Héroes del horror, Blumhouse puede habernos traído el par de increíbles híbridos de sátira social/ciencia ficción de terror de Jason Blum (una de los cuales se menciona a continuación en la lista de las mejores del año hasta el momento), pero vale la pena recordar que la compañía de producción aclamada tiene otro lado: un ser sombrío atado a su producción críticamente adorada, por así decirlo. Es este Blumhouse menor el responsable por la existencia de Fantasy Island, un error absurdamente malo que fusiona acción, fantasía, ciencia ficción, comedia y horror con un efecto vergonzoso. Fantasy Island sigue a un grupo de jóvenes traídos a la isla titular de estilo holodeck donde sus sueños más salvajes se hacen realidad, a un precio. Tan aburrida como ver el agua e igual de feo que ver un mono rascarse su trasero y ponerse los dedos en la boca, este fracaso es más evidencia de que la desesperación por explotar la propiedad intelectual existente sobre invertir en nuevas ideas no rendirá nada más prometedor que esta inexplicable versión de terror PG-13 de un éxito televisivo de los setenta en el futuro.



International 'Bloodshot' Trailer Puts Vin Diesel Back Together ...

Teniendo en cuenta que esta es aparentemente la primera de una nueva serie de películas de Valiant Comics, Bloodshot es completamente desconcertante que los guionistas eligieran hacer la primera entrada tan increíblemente desordenada y aburrida. El guión es insultantemente terrible para transmitir su historia correctamente, logrando ser de alguna manera innecesariamente intrincado y demasiado genérico al mismo tiempo. La trama es tan sosa y a medias que parece que Jeff Wadlow (el autor intelectual detrás de obras maestras cinematográficas como la anteriormente mencionada Fantasy Island) tuvo la idea algún día de comenzar la década del 2020 con la película de cómics más poco original desde Green Lantern. Las escenas están editadas de manera tan torpe y sin ningún sentido de cohesión que es sorprendente que este Frankenstein de película haya pasado la fase de prueba. Es conceptual y ridículamente mala, sin embargo, incluso esas risas potenciales en el guión abismal se arruinan porque la película es demasiado aburrida. Además, la cinematografía es dolorosa de ver, una amalgama de todas las películas de superhéroes tomadas digitalmente de la última década, pensando que "estilo" significa destellos de lentes y colores profundos sin ningún sentido de composición visual. Si bien Bloodshot no es la peor película que he visto en este año (aunque increíblemente cerca de serlo), sigue siendo un intento abismal de desprenderse del breve receso del Marvel Cinematic Universe, intentando iniciar una nueva franquicia de un personaje tan desconocido para muchos del público general pero sin las herramientas necesarias para construir uno. Bloodshot intenta hacer algo "diferente", pero conserva muchos de los clichés a los que se han sometido sus predecesores.


LIKE A BOSS - MOVIE GIVEAWAY | Zay Zay. Com

Like a Boss fue otra película que no logró capitalizar por completo el talento de su elenco, que incluía a Rose Byrne, Salma Hayek, Billy Porter y Tiffany Haddish (que aparentemente no puede tomarse un descanso apareciendo de 2-4 películas al año desde su debut en Girl's Trip). La historia de un par de amigos (Byrne y Haddish) cuya amistad se pone a prueba cuando su pequeña empresa de cosméticos es comprada por una corporación, la película hizo puñaladas débiles tanto en risas subversivas como en un empoderamiento femenino de "you go, girl" (que está bien siempre y cuando tenga algo que decir al respecto y no lo haga sentir como una marca de verificación en una lista), y ninguno de los cuales funcionó. ¿Cómo se hace una película con este elenco, y estar tan desprovista de algún tipo de alegría? Con una veterana en Hayek, estrellas en ascenso con Porter y Haddish y una actriz de comedia criminalmente subestimada en Byrne, es difícil adivinar si la historia fue destrozada por editajes controladas por el estudio o simplemente no tenía mucho que decir para empezar. Ambas parecen posibles en estos momentos. La pregunta más importante es por qué tantos actores fuertes se inscribieron para esta comedia basura, ya que parece una película cuyo punto es torpemente incomprendido por las mismas personas que lo crearon. Es una película que tan desesperadamente quiere ser divertida, pero no está segura de cómo serlo. Todos en esta película y sus madres merecían algo mejor que esta película, y tú (y tu madre) también.


Las mejores

Menciones honorables: The Hunt, Onward y The Call of the Wild


THE WAY BACK - Official Trailer 2 - YouTube


Unos años después de trabajar juntos en el thriller de crimen The Accountant, Ben Affleck y el director Gavin O'Connor se reúnen en The Way Back, que ve a O'Connor regresar al género de drama deportivo en el que ha tenido mucho éxito antes (anteriormente dirigió ambas Miracle and Warrior). Eso solamente sería una razón convincente para ver esta película, pero la película también apareció en numerosos titulares por los paralelos entre ella y las luchas personales de la vida real de Affleck en los últimos años. La esperanza era que ese metaelemento elevaría el producto final y, afortunadamente, eso fue lo que sucedió. The Way Back abraza los tropos de su género y les da un giro para que la película aún pueda impactar a los espectadores. Al igual que las mejores películas de deportes, esta es una película de baloncesto que realmente no se trata de baloncesto, ya que nunca olvida que también es parte drama de adicción paralizante como su núcleo emocional. Uno ni siquiera tiene que estar tan interesado en el baloncesto para sacarle provecho. The Way Back es una de las mejores películas que se ha lanzado a principios del 2020, y es de esperar que la actuación de Affleck no se olvide más adelante en el año cuando comienza la temporada de premios.


What 'The Invisible Man' is about and why it's become a huge hit ...

Justo antes de que la industria teatral se derrumbara, los cinéfilos disfrutaron de una de las películas de terror más inteligentes en años de Leigh Whannell, una estrella emergente del género que cocreó la franquicia Saw, y recientemente nos dio la actualización de gema de horror corporal. The Invisible Man es simplemente aterradora, y como una ingeniosa reinvención de una vieja marca cinematográfica como se ha hecho en los últimos años, infunde a la novela de HG Wells en 1897 (y la adaptación de James Whale en 1933) todo tipo de temores modernos sobre la tecnología, así como los temores eternos sobre una persona inocente que duda de su salud mental. La misma stá impulsado por una actuación realmente desgarradora de Elisabeth Moss como Cecilia, una mujer traumatizada por una relación abusiva con un científico brillante que recientemente se suicidó, o tal vez fingió su propia muerte para continuar obsesionando a "Cee". Aunque Whannell no podría haberlo sabido en el momento en que escribió y dirigió The Invisible Man, la noción de un enemigo invisible (que otros se niegan a creer incluso existe) conduciendo a alguien loco terminó siendo una idea demasiado relatable en la primavera de 2020.


Habitually Chic® » Emma 2020 Film Locations: Part Deux

Basada en la novela de Jane Austen, Emma. presenta a la hipnótica Anya Taylor-Joy como Emma Woodhouse, una casamentera de la alta sociedad en la Era de la Regencia de Inglaterra que tiene muchos pretendientes propios. En el papel, interpretado por última vez en la pantalla grande por Gwyneth Paltrow en 1996, Taylor-Joy demuestra ser más increíblemente capaz. La Srta. Woodhouse esta tanto mental y emocionalmente sobre todas las emociones insignificantes de las que se preocupan sus amigas/contemporáneas y compañeros de la sociedad. Pero su disfraz se rompe cuando un insulto la deja culpable y descubre que está más equivocada que nunca. Dirigida por la fotógrafa convertida en directora Autumn de Wilde, Emma. ciertamente parece haber saltado de una pintura. Los fanáticos del período y los fanáticos de Austen, que deberían ser uno y el mismo, no se sentirán decepcionados. La producción y el diseño del vestuario te llevan al mundo de Austen mientras mantiene un lenguaje, humor y actitudes modernas. Esta no es una producción de Marfil Mercante. El estilo de De Wilde es mucho más progresiva.


Palabras libertadoras en el documental Todos íbamos a ser Reyes ...

Filmada en el Complejo Correccional de Bayamón, Puerto Rico, este documental por parte de las directoras Márel Malaret y la Profa. Edna Benítez es simplemente espectacular. En un poco menos de 90 minutos, este documental centrado en los resultados de un taller de guion que se llevo a cabo en la cárcel cobra vida extra no solo al expresar las decisiones tomadas por los confinados al igual que sus arrepentimientos, sino también al tomar estas historias creadas por ellos y hacerlas en cortometrajes presentados durante la duración del documental. Entre ambos frames narrativos, nos acercamos a lo que fueron sus mundos antes de entrar en la cárcel, el nuevo mundo que se enfrentaron aquellos que tuvieron la oportunidad de salir y poder mejorar la calidad de sus vidas bajos los estándares de la "normalidad", la esperanza que los otros tienen para poder lograr esa meta y el de aquel que nunca volvió a ser libre en vida.


Spike Lee's Da 5 Bloods is a hard watch, but an easy Netflix ...

La primera película de Spike Lee de Netflix y primera después de su triunfo dorado con BlacKkKlansman es una oportuna historia de aventuras de poder negro centrada en un grupo de amigos de Vietnam que regresan al país por última vez. Da 5 Bloods está marcada con el estilo característico de Lee. Al igual que muchas de sus películas, es una lección de historia y un cálculo moral, y Lee usa imágenes reales de noticieros, fotos fijas y más para enseñar y entretener. Narrativamente, la historia es fascinante y los personajes están bien formados. La actuación sobresaliente, aparte de Boseman, es de Delroy Lindo como Paul, un live-wire que puede romperse en cualquier momento. Sé que es demasiado pronto para comenzar a lanzar nominaciones a cualquier película (especialmente porque se trasladó a abril de 2020), pero los Oscar pueden y deben tomar nota de la actuación, el guión y la película en general.

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domingo, 7 de junio de 2020

8 sugerencias que los cines tienen que seguir para reabrir de forma segura e inteligente


As States Reopen, Movie Theater Owners Are Watching, And Mostly ...































Los cines pueden parecer un caldo de cultivo de COVID-19: el público abarrotado de espacios reducidos, trepándose unos sobre otros para llegar a sus asientos, las manos sin lavar sondeando las estaciones de comida, gente hablando por encima de la película como si fuese la sala de su casa (no tiene nada que ver con el virus pero es algo que personalmente me enferma que muchas personas hagan. Pero la propagación del coronavirus en varias partes del mundo que ya están controlando la pandemia sugieren que los teatros pueden no ser especialmente susceptibles a los brotes, siempre que existan los protocolos correctos.

A través de estas pautas y entendiendo que estamos a unos días de la probable ejecución de la gobernadora de la fase tres para la reapertura, preparamos un par de guidelines basadas en lo que nosotros pensamos que deberían hacer los cines para tener a los patrones de vuelta de una manera efectiva, rápida y segura.  Todas estas excluyen mascarillas porque es mas que obvio que vas a necesitar usarla por buen tiempo hasta que haya vacuna. Ahora, algunas de las cosas pueden parecer controversial para algunos (ya sea la audiencia o los propietarios de salas de cine), pero estas son cosas que están ocurriendo en países de todo el mundo y deberían ser el modelo a seguir. Si piensas de manera diferente, escribe en la sección de comentarios lo que crees que debería hacerse y podemos abrir un debate al respecto. No nos gustaría nada más que escuchar lo que piensan ustedes.

1. Entender que van a haber personas que no van a querer volver de inmediato.

Esto es algo que las cadenas de cine tienen que entender antes de hacer cualquier plan. Van a haber personas que no importa si les prometes popcorn y refresco large gratis de por vida, no van a querer poner un pie adentro de una sala de cine. Y eso se sobre entiende, el virus se propaga alrededor de multitudes donde hayan personas reunidas a una corta distancia. Pero esto también lo dirijo a las personas como yo que quieren volver a una sala de cine con un familiar, pareja, amigos y demás. Hay personas que simplemente se quedarán en sus casas esperando y viendo cómo progresan las cosas. Y eso, mis amigos, es totalmente justo y totalmente razonable.

Comprender esto es clave para entender todas las recomendaciones que se mencionarán más adelante en este editorial, por lo que cada propietario de cine y el público amante de las películas pueda comprender lo que se espera a medida que se estrenan las salas de cine (con suerte en el/los próximo[s] mese[s]).

2. Abran con películas populares viejas.

Exhiban películas populares que la gente ama, ya sea una muestra consecutiva de Avengers: Infinity War y Avengers: Endgame o la trilogía original de Star Wars, musicales populares de los últimos cinco años como La La Land , A Star is Born o Bohemian Rhapsody, o incluso películas clásicas como Rocky, Casablanca, The Exorcist, Jaws, The Godfather o The Wizard of Oz. Esencialmente, traigan de vuelta películas que no han estado en la pantalla grande durante años que saben que traerán colillas a los asientos. Dicho esto, muchos pueden discutir "Pero MovieRican, estas películas han estado en Blu Ray, DVD y/o un servicio de streaming como Netflix durante años. ¿Por qué pagaría alrededor de $9+ por persona si puedo verlas desde la comodidad de mi hogar a un precio ridículamente más bajito?" y estaría de acuerdo con muchos en este punto. El truco aquí sería venderlos a un precio más bajo.

Los cines probablemente están tratando de atraer a la gente para que regrese a una habitación oscura y apartada donde no sabes dónde ha estado la otra persona y al mismo precio que antes de que comenzara el cierre. Honestamente, eso no suena justo. Debido a este virus, muchas personas han perdido sus empleos y debido a esto, han perdido sus hogares y están tratando de trabajar para llegar a fin de mes mientras se mantienen saludables y protegen a sus seres queridos como puedan. Cuando salgamos de esto, el mundo no va a estar igual. Se espera que decreten una recesión económica (la segunda en un poco más de una década) y esto se pondrá peor mucho más rápido de que se ponga mejor. Es por esto que reitero lo siguiente: si los cines planean reabrir a mediados de julio, debe atraer al público que va al cine para que regrese de alguna manera y se adapte a su nueva rutina. Muchos van a querer no gastar en el popcorn, refrescos y dulces, otros van a querer ir o a la tanda más temprano del día o en un Ladies' Night o día de estudiante para que le salga en descuento. Exhibir películas populares a un precio reducido especial implica que tanto los que tienen como los que no tienen pueden regresar y disfrutar de la experiencia cinematográfica de la manera que ellos mejor entienden.

No ayuda a que no va a haber una película nueva hasta que salga Tenet y Mulan, así que tienen que exhibir algo...

3. Promulgar la idea de membresía cine

La mayoría de la gente está de acuerdo en que hay una gran razón por la que no van al cine con más frecuencia: las entradas para el cine son caras. Para que muchas personas que no van a menudo al cine, la película tenga que alcanzar algún tipo de "momento cultural" como una película de Marvel o aclamada como una nominada al Oscar, por ejemplo 1917 o Once Upon a Time... in Hollywoodpara justificar el pago de cantidades exorbitantes de dinero cuando puedan igual de fácil esperar y verlo en casa. Cuando agrega viajes, refrigerios, cenas antes o después, estacionamiento y, si tiene un bebé, una niñera, eso es mucho dinero que está pagando por una noche "simple", haciendo que la experiencia de ir al cine se sienta más como un evento (como un concierto o una obra de teatro) en lugar de algo que no te va a perjudicar económicamente.

La membresía de una película debería tener más colillas en los asientos, ya que las personas serían más receptivas a ir aún más, ya que estás tomando el riesgo de "qué pasaría si una película es mala" o "No estoy seguro de que me guste esa película" . Usted estaría expuesto a más tipos de películas a un precio estable por mes al alterar los hábitos cinematográficos de las personas. Un informe de The Hollywood Reporter comparte que, en promedio, los usuarios de membresías de películas vieron seis películas más antes de la pandemia que los que no suscribieron, y que los suscriptores tenían el doble de probabilidades de asistir a una película el primer fin de semana que los no suscriptores, una métrica que es importante para los estudios de cine desde su fin de semana de apertura los números pueden jugar un papel importante en la creación de rumores o imagen sobre una película a largo plazo. Y significativamente, el 42% de los suscriptores eran padres, en comparación con el 28% de los no suscriptores, lo que indica que reducir los costos de las entradas de cine puede hacer que pagar por una niñera y una salida nocturna sea más atractivo. Si el objetivo es lograr que más personas crucen la puerta después de la pandemia, los cines deben darles una razón clara y hacer que la experiencia sea aún más costosa (como mencionaremos después) probablemente no sea suficiente.

4. Cambiar los protocolos de limpieza del teatro.

Como una persona que trabajaba en el cine de San Patricio hasta hace un par de años, te puedo decir que era algo que se tenía que hacer desde antes de la pandemia. Las salas de cine son un pozo negro de basura que puedes encontrar chicles, pañales cargados, y hasta fluido reproductivo en el piso, donde el protocolo (al menos cuando trabajaba ahí) era entrar, pasar una barrida vaguita, un team leader que solo miraba lo que uno hacía/buscaba cash perdido en el piso y un gerente detrás gritando "Hazlo rápido porque tengo fila esperando y como seis salas más para 'limpiar'". Todo esto con tan solo 3-4 empleados trabajando (uno de ellos cortando taquillas) y las nueve salas que habían tenían que estar limpias en 20 minutos para que entren los próximos que vayan a ver la película que estén exhibiendo.

La pandemia tiene que haber cambiado estos protocolos across the board. Ya no puede ser que los ujieres usen la escoba para quitar los cinco popcorns que había entre las sillas, recoger tres y dejar los otros dos porque no importan. Lo que yo digo es Clorox Wipes, limpiando cada esquina de y entre los asientos. Como realmente raspar los pisos con un trapeador y hacer la limpieza de primavera. Esto probablemente debería implicar esperas más largas entre tanda y stand. Con eso quiero decir que si hay una espera de 20 minutos entre los créditos de la proyección de una película a las 4:00pm y la proyección de la misma película a las 7:00pm en esa sala en particular, hágalo de 30 a 45 minutos para que sus trabajadores puedan hacer todo lo necesario para limpiar y desinfectar las cosas no solo dentro de la sala, sino también en el concesionario y puedan hacer que el público se sienta mucho más seguro.

5. Tumbar los tickets de papel.

¡Bienvenidos al siglo XXI, cines! Es hora de parar de usar esta forma de operación y moverse a la tecnología actual. El uso de tener no solo personas comprando sus boletos por teléfono, sino también tenerlos allí no es una idea nueva. Se ha implementado en cadenas de salas de cine de todo el mundo. ¿Qué estamos esperando para implementar esta tecnología?

Si la idea se trata de trabajar de manera segura y de forma inteligente para que los clientes regresen, también es importante tener a sus empleados a salvo, ya que son la primera línea de defensa de su empresa. Hacer que esa persona corte el boleto de papel de cada persona tendrá un mayor riesgo de que su empleado contraiga el virus e infecte a otros, lo que solo significa que el ciclo se repetirá nuevamente y los cines probablemente tendrán que cerrar las operaciones nuevamente (probablemente por aun mas tiempo). Hacer que los escáneres lean los boletos por el teléfono con la cantidad de personas que se unen a un grupo (por ejemplo, una familia de cuatro solo usaría el teléfono con el escáner) es la forma inteligente de limitar el contacto entre sus empleados y sus clientes.

6. Reduzca la capacidad

Este es obvio. Y no me refiero a tener un asiento entre dos personas. Esto va mucho más allá de eso. Existe un sistema que muchos cines están considerando usar y ese es el "sistema de tablero de ajedrez". ¿Qué significa eso? Imagine que tiene un tablero de ajedrez frente a usted y puede ver que los bloques blancos están en diagonal uno del otro. Los bloques negros también están en diagonal entre sí. Así es como deberían ser los asientos en las salas de cine, al menos por el momento. Nadie delante, detrás o junto a ti a ningún lado; todos están sentados diagonalmente el uno del otro. Y hacer esto entre un 25-30% de capacidad de la sala.

Esto nuevamente significa invertir en tecnología, pero en tecnología práctica para cuando el espectador vaya a comprar una taquilla y ya muchos cines tienen esto para las salas premium (IMAX, 4DX). Es cuestión de implementarlo en las otras salas sin números asignados. Este no es el momento de seguir invirtiendo en asientos reclinables, nuevas ubicaciones, remodelación de los antiguos para convertirlos en teatros premium, teatros 4DX, etc. Todo lo mencionado anteriormente solo sirve para aumentar los precios. Este es el momento de recuperar a las personas y hacer que se sientan seguras. Al implementar este sistema, le demuestras a la comunidad amante del cine que te importa y que quieres que sigan expuestos a las mejores historias de la mejor manera de ver una película, el cine.

7. Repensar la idea de las filas de concesionarios.

¿Qué es ir al cine sin popcorn o nachos? No sabemos, pero aparentemente estamos cerca de descubrirlo. Esa idea de estar 20-25 minutos en fila para pagar los snacks caros probablemente serán cosa del pasado en el futuro. El mero hecho de estar todos pegados en una fila esperando para pagar no hace que la situación se haga más fácil ya que podría propagar el virus.

Es por esto que pienso que se debe de hacer una de dos cosas:

1. Usar la tecnología necesaria, probablemente por teléfono, para hacer y pagar tu orden cuando estés pagando la taquilla en una sola sentada. De ahí, te pueden dar un número para luego darte los snacks en tu asiento mientras que esperas que comience la película. La segunda mitad de esta opción no es nada nuevo; es algo que muchos cines llevan haciendo por años pero al menos sería invertir en el app que ya el cine tiene creado para poder hacer la compra por ahí. De esa manera no tienes a nadie pegado uno con el otro, no tienes que tocar nada que otros hayan tocado y no tienes que hacer contacto físico con el empleado (a menos que no te haya traído la orden correcta). De paso, esto también ayudaría la economía ya que estarían o contratando más personas para ser runners (personas que llevan la comida a los asientos) o añadirle horas a las personas que ya están trabajando allí y poder maximizar su tiempo y bolsillo.

2. Adoptar el sistema de las tiendas de Amazon y que las personas agarren lo que necesiten (dulce, popcorn, refresco, nachos, hot dogs, etc) y se vayan a la sala. ¿Cómo les cobran? El cine debería tener los datos de la persona (nombre, vivienda, tarjeta, etc) y al la persona salir del área del tener unos escaners que leen lo que te llevaste y te lo cobran a la tarjeta que usaste para pagar la taquilla. De esa manera, aquellos que se crean pasar por listos se les cobra como quiera cuando vuelvan al cine, similar a cuando te hacían pagar por una película que entregabas tarde en Blockbuster.

8. Desinfectantes para manos en todas partes.

No es cuestión de tener un desinfectante de manos en el baño solamente. Ahora es cuestión de tenerlos en sitios claves que un cliente podría pasar. A esto me refiero a los siguientes lugares:

- La taquilla
- La puerta antes de entrar al establecimiento
- El concesionario
- Donde cortan la taquilla
- La puerta frente de cada sala
- Detrás de la puerta de cada sala

Pero no es solo tenerlo, es requerirlo. El hecho de que tengan empleados que hagan que las personas requieran juntarse desinfectante antes de entrar a cualquiera de estos lugares protege tanto a tus empleados como a los espectadores de seguir propagando el virus. Esto no es algo que creará tapones o peleas, (esperemos), pero es algo que tendrán que hacer para poder crear esa mentalidad de que "el patrono/cine quiere que yo esté bien. ¡Voy a seguir auspiciándolo!". Además, eso solo toma menos de 10 segundos.

Todo esto suena como un dolor, pero es un dolor necesario. Todos queremos que nosotros y los demás seamos, nos sintamos y vivamos seguros. Estos protocolos, aunque pueden ser básicos y provienen de una persona sin información privilegiada sobre lo que piensan los propietarios de los teatros, son una necesidad. Lo más importante que quiero que usted, el lector (ya sea un espectador de películas o un propietario) es que tenga que cambiar la opinión del público en el futuro mostrando lo que puede hacer por su comunidad. Una vez más, no se trata de invertir para obtener más dinero en el futuro. Se trata de cómo puedo invertir en la tecnología y los protocolos adecuados y qué puedo hacer para que todos, ya sean empleados, patrocinadores e incluso inversores, regresen de manera segura e inteligente.

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