MovieRankings: Las mejores y peores películas del 2021 hasta el momento

Después del año que cambió la vida de todos, es bueno ver una especie de cambio de rumbo. Estamos viendo oficinas, centros comerciales, lugares de entretenimiento, restaurantes y bares abiertos a más capacidad a medida que las personas continúan vacunándose (si no lo ha hecho, hágalo para que todo pueda abrirse más rápido). Entre algunos de los lugares que continúan abiertos, se encuentran los cines. Sí, después de un año de verse sometido a ver la mayoría de las películas desde su hogar, ahora tienes la opción de hacer ambas cosas: quedarse en casa y ver una película o ir al cine a ver lo mismo en una pantalla más grande. Cuando cruzamos la mitad de camino hace aproximadamente una semana, pensamos que es hora de compartir algunas de nuestras películas favoritas, y no tan favoritas, del año que hemos visto en los cines y en casa.

Aunque todavía nos falte la segunda mitad que incluye películas como Shang-Chi and the Legend of the Ten Rings, Eternals, Venom: Let There Be Carnage, The King's Man, No Time to Die, Dune, West Side Story y otras que podrían estar nominadas para los Óscars, entendemos que ya tenemos material suficiente para componer una lista de este calibre. Como todo MovieRanking, estas fueron escritas en un papel por cada integrante y se les hizo un ranking usando promedios, convenciendo y chantajeando uno al otro. La lista es nuestra opinión sincera y no la lista definitiva de todos los tiempos. Sabemos que hay personas que tiene opiniones diferentes y eso está más que bien porque todas las películas son subjetivas. Para los curiosos, encima de cada título, les dejamos o la reseña o mini-reseña de cada una por si quieren adentrarse más hacia por qué nos gustó/no nos gustó tanto la película.

Las peores

Menciones despreciables: Yes Day, Voyagers y The Woman in the Window

5. Thunder Force

Puedo ver por qué a la gente le gustaría trabajar con su pareja: un horario de trabajo similar, el uso de un solo carro, mantiene a la familia un poco más unida, etc. Pero, por el amor de Dios, ¿alguien puede decirle a Melissa McCarthy que deje de trabajar con su marido, Ben Falcone? Estos han hecho tres películas como pareja de director/actriz antes de esta, que van desde simplemente ok (Life of the Party) hasta horrible (Tammy). Thunder Force es un nuevo punto bajo en esta asociación, ya que derrocha por completo no solo el talento de McCarthy, una actriz que está dotada en términos cómicos y dramáticos (solo pregúntele a sus dos nominaciones al Oscar), sino también a Octavia Spencer. Esta "parodia" del género de superhéroes es a la vez aburrida y poco original, ya que algunos de los chistes se han hecho, y han tenido éxito, en mejores películas como The Incredibles, Megamind y Kick Ass, por mencionar algunas. Si no fuera por Jason Bateman y sus manos de cangrejo (posiblemente lo más memorable de la película), Thunder Force habría estado mucho más abajo en esta lista.

4. F9 - The Fast Saga

Como fanático de las películas 4-8 y entendiendo que ser "ridículamente exagerado" forma parte del ADN de la franquicia, puedo decir honestamente que F9 me perdió como fan. Las películas anteriores remolcaron la línea entre estar ambientadas en una especie de verosimilitud con la realidad y la parodia. Y aunque tiene un par de buenas escenas (particularmente la escena posterior a los créditos y la promesa que trae consigo), la novena entrega tomó un giro a la izquierda hacia un territorio ridículo con decisiones alucinantes en la historia, en las escenas de acción y en el diálogo. Simplemente ya no es divertido cuando solo tienes a Vin Diesel esparciendo por toda la pantalla con lo que él cree que es divertido.

3. Mortal Kombat

Los problemas con Mortal Kombat son evidentes en la primera combinación de director y escritores. Lo que comenzó como una película sólida en su primer acto se convierte en una lista de verificación interminable de fanáticos que solo cree que esta película es para una sección determinada de la población y no para aquellos que están dispuestos a darle una oportunidad. Es como si solo estuvieran concentrados en momentos en lugar de contar una historia coherente, o lo más coherente posible considerando que esta película trata sobre un torneo interdimensional de artes marciales (que ni siquiera sucede). Esta película es el equivalente a ir a Baskin Robbins y conseguir vainilla en lugar de uno de los otros 30 sabores que tienes a tu disposición. Con eso quiero decir que tomó el camino más fácil para complacer a los fanáticos incondicionales y tener muy buenas escenas de acción, pero no construir un mundo o seguir personajes interesantes.

2. Locked Down

¿Recuerdas cuando empezaron a hacer películas sobre los ataques del 11 de septiembre alrededor de cinco años después? Algunas personas sintieron que era demasiado pronto y que los estudios estaban abriendo heridas que apenas comenzaban a sanar. Ahora imagínate que después de un año alguien decidió hacer una película sobre la pandemia DURANTE dicha pandemia. No busques más porque tenemos a Locked Down, una película tan desconectada de la realidad y engreída que se convierte en una excusa para que los famosos se rasquen el deseo de actuar después de un año muy difícil hasta que se puedan poner en marcha grandes producciones. ¿Era necesario ver a Ben Stiller a través de una llamada fallida de Zoom? No. No, no lo fue. Esta es una de esas películas que simplemente representa de lo que habla la gente cuando dice que Hollywood está "fuera de contacto" con el resto del mundo. Bueno... esta y la versión de Imagine de Gal Gadot en Instagram (también durante la pandemia).

1. Chaos Walking

¡Qué mal año para ser Doug Liman! No solo hizo la segunda peor película del año hasta ahora, sino que también hizo Chaos Walking, que es la peor. Plagada de una serie de problemas de producción y que salió unos 5-6 años demasiado tarde del boom de las películas juveniles, esta adaptación es apenas especial, interesante o incluso entretenida. Con dos actores talentosos a la cabeza como Tom Holland y Daisy Ridley, uno pensaría que al menos llevarían la película en la espalda dadas películas como Spider-Man y Star Wars. Desafortunadamente, tienen la química de dos troncos de árboles entre ellos. Chaos Walking es una película que se siente demasiado calculada para su propio bien, como si este tipo de película tuviera una fórmula. Esto solo empeora cuando empiezas a notar que esta película no tiene norte. Si hay algún consuelo, al menos terminar de filmarlo, intentaron arreglarlo y lo estrenaron en su forma más definitiva y gratificante. Eso es todo lo que puedo complementar este bote de basura.

Las mejores

Menciones honorables: Tina, Operation Varsity Blues y Rita Moreno: Just a Girl Who Decided to Go For It

5. A Quiet Place Part II

La película que saltó a la taquilla y reabrió extraoficialmente las salas de cine es casi tan buena como la primera. Pero eso no significa que A Quiet Place Part II sea una mala película. De hecho, es una de las mejores hasta ahora y una secuela que vale la pena adoptar y construir sobre el nombre de la original. No solo está bien dirigida por John Krasinski, sino también increíblemente bien actuada por su elenco, en particular Millicent Simmonds. En este punto, honestamente, no sé si fue la adrenalina que dio el silencio al igual que estar de regreso en los cines con el público (obviamente, lo más seguro posible dado que todavía estamos en una pandemia) o si solo fue el hype de ver una película que debimos haber visto en marzo del 2020, pero esta secuela es simplemente una de las mejores hasta ahora.

4. Landfall

Landfall me sacudió hasta la médula. La película trata sobre las ramificaciones del huracán María y cómo eso se intensificó y aceleró, no solo la renuncia de Ricardo Roselló, sino el éxodo de muchos de nuestros hermanos y hermanas, la llegada de extranjeros con dinero que no solo busca invertir pero también aprovecharse de todas las oportunidades que ven al mudarse aquí y lo que ambos significan para el futuro de la isla. El documental de la directora Cecilia Aldarondo es inquietante en términos de mostrar que todavía estamos en las secuelas del huracán y es una señal de advertencia de lo que podría suceder si nosotros, como ciudadanos, no somos cuidadosos en términos de elegir a nuestros políticos y proteger lo que lo que es nuestro. Al igual que Todos íbamos a ser reyes el año pasado, esta película también demuestra el talento que tiene Puerto Rico en términos de crear documentales reflexivos y motivadores, y espero que sigan creando películas como esta para que el mundo las vea.

3. Raya and the Last Dragon

Lo que sea que Chaos Walking hizo mal en términos de películas de acción y aventuras distópicas, Raya and the Last Dragon compensó el error del primero. Podría decirse que Disney mostró cómo reconstruyó hábilmente su propia fórmula de película animada (como también lo ha hecho con películas como Tangled y Frozen) con estos personajes: Raya no solo es la hija del jefe, sino también su propio héroe, Tuk Tuk es el adorable animal casi requisito al igual que vehículo de transportación, Sisu es tanto el alivio cómico como el corazón de la película, entre muchos otros ejemplos. Esta película no solo es hermosa de simplemente ver con el volumen apagado, sino que también puede servir como una introducción perfecta a la política para los niños, mostrando que aunque muchas tribus tienen sus propias ideologías sobre lo que sería un mejor futuro, es importante que la confianza esté en el centro de todas las negociaciones. ¿Es una enseñanza inocente? Definitivo, pero todos debemos empezar a aprender esta lección de alguna manera.

2. The Mitchells vs. The Machines

Cuando hablamos de las mejores películas animadas del año, estas suelen provenir de Disney (como lo fue Raya) y Pixar. Pero Netflix y Sony Pictures salieron de la nada con The Mitchells vs. The Machines, una película que es la única queja es que es tan graciosa que tendrías que ver la película dos o tres veces para escuchar todos los chistes porque te estabas riendo fuerte la primera vez. El equipo detrás de The Lego Movie y Spider-Man: Into the Spider-Verse dio todo lo que tenían con una película completamente original sobre conectarse con su familia y desconectarse de la tecnología. La película es implacablemente divertida e inventiva de principio a fin, con personajes y secuencias memorables y un nivel de comedia que no cree que su público sea estúpido en absoluto. Se necesitará algo increíblemente especial para sacar esta película de la lista de las 10 mejores películas del año una vez que llegue diciembre.

1. In the Heights

Aunque en el contexto la película puede resultar un poco problemática en términos de representación para un determinado sector de la población, In The Heights triunfa en muchos sentidos. No solo presenta a los personajes con sueños, así como sus continuas luchas por llegar allí (Usnavi queriendo mudarse a la República Dominicana, Vanessa buscando ser una estilista fuera de su comunidad, Benny queriendo ser más exitoso, etc.), sino que el director Jon M. Chu combina simultáneamente los pensamientos casuales, vividos e íntimos de dichos personajes con una mezcla de muchos géneros musicales a través de gestos amplios, coreografías fantásticas y lógica onírica. Esta adaptación de la carta de amor de Lin-Manuel Miranda a su comunidad está tan llena de energía que si no terminas la película bailando en los pasillos o en tu sala me haría cuestionar si incluso viste lo que creo que es la mejor película del año hasta ahora.

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Reseña de Black Widow: La mejor película de superhéroes del 2013

 

Ha pasado demasiado tiempo para que se desarrolle, produzca y estrene una película de Black Widow, sin contar la pandemia. El personaje se presentó por primera vez hace más de una década en Iron Man 2, realmente se destacó tanto en The Avengers como en Captain America: The Winter Soldier, y se ha convertido en un personaje secundario constante en las películas de otros personajes, mientras que personajes como Iron Man, Captain America y Thor recibieron múltiples películas con historias y desarrollo interesantes. Ahora, después del hecho de que Marvel oficialmente mató a Natasha Romanoff a 3/4 de la duración de Avengers: Endgame, llegó el momento de profundizar aún más en la asesina/espía favorita de todos. ¿El resultado? Una película de acción sólida con momentos introspectivos y profundos que se siente fuera de tiempo en el contexto de dónde estamos como audiencia dentro de este universo.

Después de que los Avengers se disolvieron debido a los eventos de Captain America: Civil War, Natasha Romanoff (Scarlett Johansson) está huyendo de las autoridades bajo la dirección del Secretario de Estado estadounidense Thaddeus 'Thunderbolt' Ross (William Hurt). Aunque todavía quiere permanecer oculta, Natasha debe enfrentarse a partes de su 'ledger' cuando una peligrosa conspiración con vínculos con su pasado ha regresado para perseguirla. Para lograr esto, la superespía debe reparar las relaciones rotas y las heridas que vinieron con eso con su familia adoptiva (Florence Pugh, Rachel Weisz y David Harbour) mientras son perseguidos implacablemente por el general Dreykov (Ray Winstone) y su lacayo, Taskmaster.

Lo bueno

La evolución del personaje: En lo que parece ser su última vez en la pantalla grande, es importante mirar hacia atrás y pensar en todas las cosas que llevaron a este momento para el personaje. Cuando fue presentada en el 2010, Natasha era simplemente un objeto sexual para Tony Stark, y el público en general, decir "¡Diablo, que buena está!". Ella no tenía mucho carácter; ella simplemente estaba ahí en el fondo. Afortunadamente, a medida que avanzaban las películas, el personaje se vuelve mucho más interesante, mucho más ruda e incluso más agradable, ya que demostró que era una fuerza dominante en un grupo cuya lista incluye un supersoldado, un dios, un multimillonario. y un monstruo descomunal (además de Hawkeye). También sabemos que el personaje hace su gran sacrificio para traer de vuelta a todos los que se perdieron después del chasquido de Thanos. Lo que hace que esta película se destaque es que toma todo lo mencionado anteriormente y le da más seriedad: ahora sabemos por qué tiene la piel de cuero, entendemos por qué es una fuerza a tener en cuenta, por qué es una líder entre sus compañeros y, especialmente, la lógica detrás de lo que hizo en Endgame. Sabemos que Scarlett Johansson da el 101% cada vez que aparece en la pantalla como Black Widow, así que en lugar de felicitarla por mil millonésima vez, celebremos el legado y la evolución de un personaje que se ha transformado de un objeto sexual inicial a uno con extrema seriedad. 

La familia es una institución: El casting nunca es un problema dentro de las películas de MCU, ya que generalmente están en su punto 99.9% de las veces. Por lo tanto, no sorprende que los actores que interpretan a la familia adoptiva de Romanoff se destaquen. Cada uno de los tres recién llegados tiene una química profunda entre ellos, y cuando estos, junto con Natasha, están juntos en una escena, es lo más fantástico posible. Melina de Rachel Weisz es inteligente y sofisticada, no solo en su trabajo como científica, sino incluso en sus escenas de acción. Ella realmente le da un poco de clase a la película, que es un poco rígida en el estilo en que se grabó. David Harbour como el Red Guardian, la respuesta de Rusia al Capitán Rogers durante la Guerra Fría, realmente te conquista principalmente a través del humor sobre querer revivir sus días de gloria y el tratar de restablecer su relación con sus hijas incluso después de uno ser testigo de una decisión imperdonable que este toma al comienzo de la película, vista a través de los ojos de una niña y su hermana. Lo que me lleva al MVP de la película: Florence Pugh. Como Yelena, Pugh sobresale en todas las facetas que desearías de un personaje en una película de MCU. Es divertida, peculiar, tiene grandes escenas de acción, tiene emociones profundas, etc. Pero lo que realmente me convenció es que sentí que ya Yelena se sentía vivida; casi como si hubiera conocido a este personaje desde la primera película de Iron Man. Ella es una niña en el cuerpo de una asesina, y no puedo esperar a ver a dónde van a llevar Kevin Feige y su equipo creativo su historia en el futuro. Ahora, como unidad, estos personajes se sienten humanos. Claramente se han lastimado el uno al otro y saben cuales botones presionar para que la otra persona se enoje o esté dispuest@ a pedir perdón, pero también se preocupan por las personas que el otro fueron en el pasado. El guión de Eric Pearson puede ser un poco trillado en ciertas áreas, pero no falla en términos del ángulo familiar. El elenco termina el trabajo elevando las palabras escritas en el guión.

Mission: Impossible - Family Protocol: Con los éxitos a través del elenco principal, todo comienza a encajar. El humor es más natural, las interacciones de los personajes uno a uno se sienten más profundas. Pero, sobre todo, la acción golpea con más fuerza. La directora Cate Shortland se destaca en esos momentos más pequeños, sin embargo, es su dirección en las grandes escenas de acción lo que hace que esta película relativamente más pequeña (una vez que la comparas con otras películas dentro de este universo como Infinity War) se convierta en un gran espectáculo de acción. Como mi amigo astutamente señaló, la inspiración de Shortland proviene claramente de películas como Mission: Impossible y James Bond, esta última particularmente de Moonraker, que recibe su propio pequeño homenaje dentro de la película. Las escenas de acción son intensas y suspensivas, o tan llenas de suspenso como pueden ser, ya que sabemos que nuestra Black Widow no muere aquí, pero siempre fluyen. A diferencia de F9, sabes dónde están todos y qué están haciendo, por lo que se siente como una experiencia mucho más limpia. Shortland definitivamente entiende la fórmula de las películas de acción: si te preocupas por los personajes y cuál es su misión respectiva, también te preocupará que sobrevivan cada puño, patada, bomba y disparo que se les envíe.

Lo malo

La mejor película de superhéroes del 2013: Si bien disfruté de la película, no puedo evitar preguntarme por qué tomó tanto tiempo hacerla. Aparte de que el exjefe de Marvel, Ike Perlmutter, es el mayor obstáculo, hasta el punto en que dijo que una película de Captain Marvel o Black Panther nunca harían dinero (ambas hicieron sobre mil millones de dólares en la taquilla, además de Black Panther ser la primera película de superhéroes en ser nominada a Mejor Película en los Oscars) al igual que parar la producción de los juguetes de Black Widow porque los niños nunca jugarían con un juguete de un personaje mujer, esto se siente como una película que debería haberse estrenado en la época en que se estrenaron Thor: The Dark World, Captain America: The Winter Soldier y la primera película de Ant-Man (2013-2015) cuando lo que estaba en juego era relativamente menor que donde estamos actualmente. Y no es nada en contra de una película de menor importancia, porque no todo tiene que ser "salvemos el mundo de un antiguo mal/alienígena/dios/agencia/terrorista/entidad cósmica empeñado en destruirlo", es solo que se sentía como algo de una era pasada dentro de este universo que el gran primer paso hacia la Fase 4 de la MCU que quizás una película como Spider-Man: Far From Home (considerada por mucho como un epílogo a todo lo que ocurrió antes en vez del comienzo de una nueva fase) pudo haber sido.

Lo feo

Los malos: Marvel ha estado en racha con sus villanos en las últimas dos películas. Ya sea Thanos, Loki, Killmonger, Alexander Pierce, Vulture, Mysterio, Hela o Ego, no solo son malvados y son interpretados por grandes actores, sino que también tienen momentos para respirar y mostrar su punto de vista ya que los mejores villanos tienden a pensar que son los héroes de su propia historia. Desafortunadamente, no lo conseguimos ni con el General Dreykov ni con Taskmaster. Y no es que estén mal interpretados, es solo que el guión los hizo muy genéricos, lo cual es desafortunado considerando que Marvel había pasado esa era de villanos olvidables (Whiplash, Malekith, Yellowjacket, Kaecilius). Dreykov es un villano del montón de James Bond con Taskmaster funcionando como su Oddjob o Jaws. Pero aparte de no tener mucho que hacer, su pecado capital, particularmente con el último villano, es que no se les da mucho tiempo en pantalla. Eso se hace evidente cuando la película plantea la pregunta de quién es la persona detrás de la máscara, pero no se molesta en mostrar al villano y/o compartir pistas sobre quién es por aproximadamente una hora. En esa cantidad tiempo ya es probable que hayas olvidado quiénes son los villanos. Una vez más, no es que se hayan actuado mal; solo que debieron haber tenido más presencia en una película de dos horas y quince minutos.

Si te pones a pensar, es interesante ver cuántas de las franquicias gigantes con algunas de las escenas de acción más emocionantes (piensa en Star Wars y Fast & Furious) son realmente sobre familias, tanto de la que naciste como en la que tú escoges formar parte de. El MCU tomó este concepto y lo siguió en esta película en gran medida, lo que mejora las secuencias de acción. Aunque parece que ya pasó su fecha de expiración en términos de dónde se coloca la película en el canon de la franquicia y cuándo llegó a  estrenar, Black Widow sigue siendo una mezcla divertida de thriller de espías y lazos familiares que se ve muy bien en una pantalla de cine. Si usted y su familia están vacunados y/o toman las debidas precauciones, este sería una buena opción para matar el tiempo con aire acondicionado dándote en la cara un ratito mientras te proteges del sol veraniego.

Rating: B

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Reseña de F9 - The Fast Saga: Esta entrega salió limón

Nadie hubiera pensado que un carbon-copy de Point Break sobre ladrones de reproductores de DVD y sus carros sería un fenómeno mundial 20 años después, que abarcaría 8 secuelas, un spin-off, un paseo en un parque temático y mercadería, pero The Fast and the Furious demostró que el mundo estaba equivocado una y otra vez. Cada vez que se pensaba que se estaban quedando sin gasolina, siempre cambiaban (¿drifteaban?) para mantener la franquicia fresca, ya sea con nuevos actores, expansión del mundo, estilos de carreras diferentes y escenas de acción que desafían la física siempre caminando esa línea bien fina entre parodia y verisimilitud. Pero, ¿qué sucede cuando atraviesan esa línea en el lado de la parodia hasta el punto en que ni siquiera puedes ver la línea? La novena entrega de esta franquicia, F9 - The Fast Saga, responde esa pregunta y es casi como ver un meme en acción... de mala manera.

Intentando vivir una vida pacífica en el campo, Dom (Vin Diesel) se ocupa por criar su hijo junto a Letty (Michelle Rodríguez), manteniéndose fuera de problemas. Sin embargo, surge un problema cuando Mr. Nobody (Kurt Russell) es atacado mientras transportaba a Cipher (Charlize Theron) a prisión, con el hermano de Dominic, Jakob (John Cena), tomando el control del peligroso genio de la tecnología. Su objetivo es el Proyecto Aries, un dispositivo capaz de controlar todas las computadoras del planeta, dándole a él y a su socio, Otto (Thue Ersted Rasmussen), poder global. Al darse cuenta de que la pelea aún no ha terminado, Dom regresa con la familia, uniéndose a Tej (Chris Bridges), Roman (Tyrese Gibson), Ramsey (Nathalie Emmanuel) y Mia (Jordana Brewster), para localizar a Jakob y poner un alto a su malvado plan.

Lo bueno

Las chicas Fast: Las momentos genuinos que ofrece F9 son con frecuencia cortesía de las mujeres del elenco. A pesar de que apenas consigue una historia y desarrollo de personaje, salvo dos escenas en una película de 2 horas y 25 minutos, Letty tiene el corazón latiendo con fuerza mientras ruge una motocicleta a través de la jungla, perseguida por soldados con ametralladoras, pelea a puñetazos en Japón y hasta varias escenas adorables con su hijastro. El cerebro informático Ramsey (Nathalie Emmanuel) adquiere una personalidad luego de ser eye-candy en sus primeras dos entregas ya que se revela que es la única del equipo de Dom que nunca ha guiado en su vida, lo cual es un sacrilegio en este punto de esta franquicia. Esto no le impide tomar un camión y correr por las calles de Edimburgo, todo mientras usa un electroimán gigante para derrotar a sus perseguidores. Y Jordana Brewster está de regreso como Mia Toretto, lo que uno pensaría que le darían la oportunidad de expandir su personaje lejos de Brian O'Conner dado que su otro hermano es el villano, pero la película se olvida de ella por mucho rato. Dicho esto, es realmente agradable verla de regreso e interactuar con el resto de los personajes, incluso si la película en realidad no la quiere allí.

Lo malo

Los flashbacks: Cambia la F de Fast y/o Furious en F9 a Flashback porque la película se desvive por este "frame" narrativo. La nueva película intenta llegar a la raíz del dolor de Dominic con una extensa trama secundaria que devuelve a los espectadores al verano de 1989 cuando Dominic vio a su padre morir repentinamente en un accidente de carrera masivo, empujándolo a una posición de guardián para Jakob y Mia. Pero debido a que a esta franquicia le encanta hacer todo lo posible de vez en cuando para contradecir su pasado, esto es lo que obtienes. Y está bien si haces un flashback extendido para explicar la brecha entre los hermanos. Sin embargo, en algunos momentos parecía que el actor/productor Diesel quería tener su propio Godfather Part II con esta película ya que puedes dividirla y tener dos películas distintas separadas de una. otro: uno una precuela y el otro una continuación de la trama que hemos seguido por 20 años. Desafortunadamente, no funciona por completo.

Las escenas de acción: Al menos podemos disfrutar de las acrobacias y los autos geniales, ¿verdad? Desafortunadamente no. Aparte del primer viaje al volante de Ramsey, en realidad no se sienten inspiradas. Los conductores guían a través de una jungla centroamericana con lo que parece un camino pavimentado para ellos incluso antes de llegar allí. Y la familia Fast también causa estragos en Londres y Tbilisi, con un camión electromagnético al borde de ataques terroristas. Todas estas secuencias parecen mucho más falsas que las películas anteriores. Entendiendo que las otras películas tampoco siguen las leyes de la gravedad pero siguen el camino de la verisimilitud, el exceso de efectos ha convertido las acrobacias de autos en parodias aburridas de si mismas, hasta el punto en que parece que los escritores miraron un thread de Reddit de lo que los fanáticos quieren ver y simplemente lo escribieron y lo enviaron a su departamento de CGI y dijo "Haz esto. No lo vamos a filmar en absoluto". Gran parte de la película simplemente se ve fea y generada por computadora, incluso las carreras obligatorias. Una vez que finalice el tiempo de ejecución de 145 minutos, sentirás que no obtuviste el valor de tu dinero.

Lo feo

El tono: El realismo no ha necesariamente permeado en ninguna parte de esta franquicia, y F9 cumple su promesa de permanecer en el camino de acción escritas por Bugs Bunny y el Pato Lucas. Sin embargo, la película parece decidida en crear un viaje más emocional para Dom que no fluye con el tono que el director Justin Lin había implementado en estas películas desde Fast and Furious del 2009 (la cuarta). La película nunca decide si quiere ser más dramática como la película original o estrafalaria como la segunda mitad de la franquicia, incluyendo Hobbs & Shaw. Esto prevalece particularmente en dos conjuntos de interacciones de personajes: por un lado tienes a los Torretto abriendo viejas heridas sobre lo que se hicieron el uno al otro, y por el otro tienes a Roman y Tej hablando de ser invencibles ya que han sobrevivido a una serie de misiones que van desde robar una caja fuerte hasta un ataque de un submarino. Puedes tener escenas como esta en una película, pero el tono cambia con fuerza en ambos sentidos durante largos períodos de tiempo hasta el punto en que olvidas lo que está sucediendo con los otros personajes porque no los ves durante 20 minutos. Uno pensaría que con el regreso de Lin como director sería tan fácil como correr en bicicleta. Desafortunadamente, es una bicicleta de una rueda y sin manija que simplemente se sale del camino.

El ego de Diesel: Mientras que mi reacción inicial de Hobbs & Shaw es que era un ejercicio en branding para Dwayne Johnson y Jason Statham, mi reacción hacia esta es que Diesel tiene demasiado poder sobre esta franquicia. Diesel no es un gran actor; eso lo sabe el público y lo sabe él. Pero el tipo ha sido bastante servicial en cuanto a películas de acción. Pero cuando se te trepa el ego hasta más no poder como en Bloodshot, ahí es que entran los problemas. Es bien difícil estar intrigado en un personaje y su pasado cuando el director trata lo más humanamente posible de exprimirle algún tipo de sentimiento a Diesel cuando este nunca está dispuesto a variar las expresiones de su cara como mínimo. Peor aún es cuando el tipo tiene que ganar cada pelea sin un rasguño. En ningún momento llegue a pensar que la vida de Dom corría peligro porque aunque le cayeran 25 hombres encima, el tipo los pudo aguantar, empujar, caerles a puño y tumbar el techo halando una cadena atada a dicho lugar usando lo que uno solo puede describir como "family power". Las buenas películas de acción te hacen pensar que los personajes podrían no salir con vida, mientras que las grandes películas de acción te ponen en el lugar del personaje y sientes el peligro corriendo por tus venas. F9 perdió todas las oportunidades de hacer esto porque tenían que servir al ego de su actor principal, en detrimento de la película en general.

Como fanático de esta franquicia, particularmente una vez que esencialmente se convirtieron en Auto-vengers, F9 - The Fast Saga es la primera entrega que se siente perezosa. No muestra ningún cuidado al crear algo nuevo o fresco, ya sea en escenas de acción, interacciones de personajes e incluso con historias de fondo ridículas. Ahora que hemos tenido nueve de estas películas, las ruedas están saliéndose de lugar oficialmente. Con el final a la vista (parece que quedan dos más), esperemos que los guionistas, el director y los productores de la franquicia tengan la fortaleza de mirar dentro del bonete y tratar de entender qué fue lo que ocurrió en este capítulo que se convirtió en un limón.

Rating: D

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Reseña de In The Heights: Ni LUMA le quita la energía a esta película

A medida que nos acercamos a la segunda mitad del año y comenzamos a dejar la pandemia en el  retrovisor de manera lenta pero segura, la gente comienza a buscar un escape, ya sea visitando a familiares y amigos, viajando a otros países, comiendo en restaurantes o perderse en la historia de otra persona a través de conciertos, obras de teatro y sí, películas. Buscamos vitalidad, buscamos alegría que hemos creído perdida a lo largo de 2020. Bueno, ¿y si te dijera que puedes encontrar todo lo anterior en la adaptación del musical del astroboricua Lin-Manuel Miranda, In The Heights? Esta película es el equivalente cinematográfico de "Mi Gente" de Hector Lavoe: a la vez una experiencia jubilosa, magnética, vibrante y animada en el cine con personajes de múltiples capas que te mantendrán bailando y cantando "¡No pares! ¡Sigue, sigue!" hasta que salgan los créditos.

Ambientada en el barrio de Washington Heights en la ciudad de Nueva York, la historia principal de la película sigue varias de las historias de sus residentes y sus luchas durante varios días de verano durante una ola de calor. Está Usnavi (Anthony Ramos), dueño de una bodega que sueña con regresar a República Dominicana y abrir su propia tienda. Lo anima la abuela Claudia (Olga Merediz), que en realidad no es su abuela, sino la querida abuela del barrio. Su mejor amigo Benny (Corey Hawkins) trabaja en la empresa de despacho local propiedad de Kevin Rosario (Jimmy Smits), el padre de Nina (Leslie Grace), quien acaba de regresar de Stanford y no está deseando volver a California debido a algunas experiencias que enfrentó en su primer semestre. Mientras tanto, Vanessa (Melissa Barrera) es una diseñadora de moda en ciernes que cree que necesita mudarse al centro para aprovechar su gran oportunidad, pero tiene dificultades para encontrar un lugar para alquilar. A medida que todas estas historias comienzan a entrelazarse, cada personaje debe lidiar con cada una de sus decisiones que lo llevarán al siguiente paso en sus vidas, pero también comprender lo que cada una de esas decisiones significa para el futuro de sus vidas, amigos, familia y comunidad.

El ser latinx: La frase 'la representación importa' se usa cada vez más en todo tipo de diálogo, ya sea político, deportivo, comunitario y, sí, incluso artístico. Verse a sí mismo y a su comunidad reflejados en algo es importante. Aunque ciertamente celebré otras películas por hacer todo lo posible para mostrar lo que significa la representación para ciertas comunidades en los últimos cinco años (por ejemplo, Crazy Rich Asians, Black Panther, Wonder Woman, Captain Marvel, etc.), eso es algo que nunca había experimentado realmente hasta después de ver In The Heights. Con todas esas películas, las personas que se identificaban con la película decían "Veo a mi madre en este personaje", "He estado en una situación similar en el trabajo o en la casa de mis suegros" o "He estado en su zapatos antes "y eso es fantástico y se celebra. Pero lo que me hizo pensar en eso en esta película no fue solo el uso de salsa, merengue, batucadas, rap y boleros usados ​​en las canciones, sino en las cosas más simples: una simple toma de un arroz con pollo y ropa vieja acabado de cocinar, el uso de palabras o frases como "contra", "no me digas", "que bochinche" y "le-lo-lai", el orgullo inquebrantable de usar la bandera en su atuendo. Incluso me sorprendí a mí mismo diciendo egoístamente en una voz muy suave "él tiene mis pecas" mientras la cámara hace un close-up de Usnavi porque nunca había visto a alguien que tuviese esos mismos rasgos en la pantalla. Y todas esas cosas que otras culturas dirían sobre situaciones que sucedieron en las otras películas mencionadas anteriormente definitivamente están aquí. Ves a tu mamá, a tu papá, a tus amigos, al chico de la tienda de la esquina, a la chica que te arregla el cabello y las uñas, y a todos los demás, así como sus aspiraciones en sus respectivas vidas. Hasta vi la vida de mi abuela, que en paz descanse, literalmente contada a través de la pantalla grande durante la canción solista de Abuela Claudia, variando un par de detalles. ¡Pero eso es lo que importa! Te ves a ti mismo y a los que te rodean con orgullo en la pantalla y nadie puede quitárnoslo a los latinxs. Si fue difícil ver al colectivo como traficantes de drogas, mafiosos, asesinos y prostitutas, será aún más agotador hacerlo después de esta película. Lo único que queda por decir es que esta película importa porque la representación importa.

La música y coreografía: Hay algo que decir sobre una película que te hace querer cantar y bailar en los pasillos del cine. Cuando ese tipo de energía irradia sobre la audiencia, sabes que tienes algo especial. Al romper con los límites habituales de una película musical tanto como lo hizo la obra original con lo que estaba ocurriendo en Broadway a principios de siglo (hasta cierto punto), In The Heights se siente como el comienzo de una nueva era de películas musicales. Sí, todavía están aquí todas las críticas a los musicales  (todo el mundo conoce las canciones y la coreografía, los personajes empiezan a cantar de la nada, etc), pero esta película muestra una forma moderna de hacerlo mezclando otros géneros y bailes que son no las que solemos escuchar en este tipo de películas. El director de la película, Jon M. Chu (director de la ya mencionada Crazy Rich Asians), claramente aporta su experiencia de películas de danza anteriores (también dirigió dos películas de Step Up) y la adapta aquí con claridad y vitalidad a la voz de las canciones de Lin Manuel Miranda. Con esta película junto con los inminentes lanzamientos de West Side Story y Dear Evan Hansen a finales de este año, podríamos estar viendo el tan esperado renacimiento de los musicales del que se habló cuando Chicago estrenó y ganó como Mejor Película en el 2002 y que se habló una vez más cuando La La Land casi ganó el mismo premio en el 2016.

El elenco: Tanta gente. Tantos sueños. Tantas historias. Pero déle crédito a quien se lo merece: el director Chu y su director de casting se fueron de diez diez con sus elecciones de casting sin tener que sacrificar la historia de cada personaje para contratar a los artistas latinos del momento (en algún momento de la larga pre-producción de esta película, se consideró tener a Jennifer López y Shakira para tener a alguien de renombre en dicho elenco). Si bien Anthony Ramos es conocido por su(s) papel(es) en Hamilton y un papel más pequeño en A Star is Born, esta es su fiesta de ruptura. Él controla la pantalla cada vez que está en el frame, ya que su canto y baile son excelentes en todos los sentidos. Corey Hawkins como Benny proporciona un compadre fraterno para el Usnavi de Ramos que parece que han sido patitas toda la vida. Si bien son mujeres muy hermosas, el guión ayuda tanto a Leslie Grace como a Melissa Barrera a ser mucho más que el objeto del afecto de Benny y Usnavi respectivamente al ellas tener que lidiar con sus luchas por regresar y salir del barrio y ambas venden las luchas internas de sus respectivos personajes como pan con mantequilla. Siempre es un placer ver actuar al legendario actor nuyoricano y ex presidente de West Wing, Jimmy Smits, al igual que a cierto cantante de salsa en un cameo que honestamente resalta sus habilidades como actor. Finalmente, las mujeres del salón de belleza, interpretadas por Stepahnie Beatriz, Dascha Polanco y Daphne Rubin-Vega, te ayudan a sumergirte en los escenarios con su actitud de pachanga todo el día. Todo esto para decir es que el elenco principal es fantástico. Pero hay una que se eleva por encima de todos...

Olga Merediz: De todo el elenco cinematográfico, Merediz es la única que tiene experiencia con el libreto al originar el papel de Abuela Claudia cuando la obra estrenó en Broadway en el 2008. Es más, llegó a estar nominada para un Tony (el equivalente de los Oscars para el mundo teatral. La obra ganó mejor musical ese año) por el papel. Por ende, ella se sabe el personaje pa' 'lante y pa' 'tras. Pero interpretar a un personaje en el teatro es ciertamente diferente a interpretarlo en una película. Las cámaras de cine tienden a detenerse en los momentos más íntimos y hacen que todo sea un poco más personal, ya que tú, como actor, no tienes que actuar para que las personas de la última fila escuchen, vean y comprendan todos los pensamientos de tu personaje. Merediz entendió claramente las diferencias en ambos medios y se nota porque se roba toda la película. Al ser la cuidadora no oficial de los niños del vecindario, la amabilidad de la Abuela Claudia hacia los demás es muy notable. Pero hay más en su personaje que bondad: su historia trata sobre la supervivencia, la adaptación y el progreso en medio de una situación en la que se vio empujada cuando era niña. Así lo atestigua la canción mencionada en un párrafo anterior, "Paciencia y Fe", además de ser una pieza escénica y una coreografía deslumbrante. Pero son los ojos y la voz quebrada de Merediz lo que vende esta escena y saca a la luz la experiencia de Claudia en el extranjero montando lo que considero la mejor escena en una película con muchas escenas excelentes. Es muy pronto para comenzar a hablar sobre actuaciones dignas de un Oscar, pero la actuación de Merediz debería estar en la discusión a finales de este año.

El diseño de producción: Al grabar la película en el mismo barrio en vez de un set creado en un estudio, In The Heights hace que este lugar se sienta tan vibrante que ni siquiera LUMA puede atenuar las luces y la energía de esta película. El uso efectivo de estos lugares, como la tienda de la esquina, las avenidas, la piscina comunitaria, el salón de belleza, la estación de taxis, entre otros, se utilizan a la perfección como una forma de establecer las realidades de los personajes y cómo conviven con sus entornos. El tener esto presente ayuda a la audiencia a realizar una transición más fácil hacia las canciones y los bailes, y comienza a contrastar sus realidades con lo que piensan y/o sienten en ese momento específico en el tiempo. Y no es que este sea el primer musical que se filma en otros lugares y nunca usaron un set en la película ("Paciencia y Fe" y "When the Sun Goes Down" al menos parecen que fueron filmadas de un ambiente controlado), pero hay una progresión naturalista en cuanto a cómo funcionan las cosas dentro de los confines de este barrio mientras sus personajes cantan y bailan con todo el corazón.

Lo malo

¿Tenía que durar casi dos horas y media?: Como toda adaptación de algún material de un medio a otro, se tienen que hacer sacrificios e In The Heights no es la excepción. La traducción de obra a película implicó que se cortaron personajes, diálogos, canciones, bailes y demás, y se reorganizaron para poder dar la experiencia más completa de lo que sería dicha adaptación. Entonces, ¿por qué se sintió demasiado larga? Esta película fácilmente pudo haber sido 20 minutos más corta y no estarías sacrificando mucho. De hecho, llegué a preguntarme si esto debió haber sido mejor como una miniserie donde cada capítulo se enfoca en un personaje. Y entiendo que son un montón de personajes y que tienes que cerrar todo con un broche de oro para cada uno porque si no sería una experiencia incompleta. Pero, ¡Cristo amado! Llegó el punto que la película se acabó como cinco veces y uno se desesperaba un poco a que comenzaran a rodar los créditos. A este punto en el tiempo, me veo usando un pamper para una adaptación de tres horas para Hamilton porque esta necesitaba una tijerita para acortarla.

Veo a muchas escuelas haciendo bailes de esta película para sus presentaciones artísticas en el día de pista y campo debido a lo enérgico que es. Aparte de lo larga que fue, In The Heights está diseñado para cautivarlo hasta la sumisión, y lo estará en el momento en que aparezcan los créditos, ya sea por la representación presentada, las canciones, los personajes y sus historias. Este equipo, formado por el director, los creadores, los productores, el elenco, los músicos, los bailarines, maximiza el potencial de esta película a grandes alturas mientras mantiene un estudio de personajes de múltiples capas como su norte. En fin, ni LUMA le quita la energía a esta película, y es mucho mejor por eso mismo.

Rating: A+

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Reseña de Cruella: Perversa, malvada y cruel

Decir que me gustan las precuelas sería una mentira descarada ya que no es necesario explicar todo. Nosotros, como público, no necesitábamos saber cómo Han Solo consiguió su pistola y/o sus dados, o cómo Hannibal Lecter consiguió su gusto por la carne humana, o incluso cómo los simios consiguieron el control del planeta. Algunas cosas simplemente son lo que son cuando se presentan en la pantalla grande. Y no es que algunas precuelas no varíen de buenos a excelentes (la mitad de The Godfather Part II es una precuela y es una de las mejores películas de todos los tiempos), pero nuevamente hay cosas que es mejor no decir. Entonces, cuando Disney anunció una precuela de una de los villanas más crueles del cine de todos los tiempos, Cruella de Vil, puedes imaginarme diciendo "¿por qué, Dios? ¿Por qué?". Sin embargo,  Cruella me entretuvo bastante gracias a las actuaciones de sus dos estrellas y algunas extrañas rarezas.

Estella (Emma Stone) anda con sus amigos/cómplices en robos Jasper (Joel Fry) y Horace (Paul Walter Hauser), pero sueña con convertirse en diseñadora de moda. El día de su cumpleaños surge una oportunidad cuando esta consigue un trabajo de baja categoría para the Baroness (Emma Thompson), una experta en moda con una racha mezquina y un ingenio mordaz. Estella finalmente impresiona a su jefa con diseños elegantes, lo que le permite abrirse camino en la empresa. Sin embargo, después de descubrir una conexión oculta entre la baronesa y su difunta madre, Estella vuelve a dar rienda suelta al lado salvaje al punto de la psicopatía. Al cambiar su pelo al icónico blanco y negro dividido por la partitura, ella adopta el nombre y la personalidad de Cruella de Vil, y hace todo lo posible para arruinar a su ahora rival tanto profesional como personalmente.

Lo bueno

Emma Stone: En algún momento, tenemos que dejar de subestimar el talento de Emma Stone. Sí, ella es genial en comedias y dramas, e incluso tiene un Oscar en casa y tres nominaciones. Pero cada vez que hace un gran trabajo, nosotros, como público, quedamos "sorprendidos" de repente como si Stone nunca hubiera tenido un buen desempeño en su carrera. Incluso yo caigo en esto al recordar haber visto The Favourite y estar realmente sorprendido de que ella pueda interpretar a una persona rencorosa y terrible. Así que al entrar en Cruella, me encontré, una vez más, subestimando su talento sin una buena razón. Y permítanme decirles esto: es fantástica en el papel, ya que brilla al expresar ambas personalidades de la misma persona. Stone encuentra lo fabuloso en escupir insultos venenosos mientras usa alta costura y llama a todo el mundo “querid@” arrastrando las vocales y sobrepronunciando la "r" en la misma conversación. Su transición de chica buena a Cruella de Vil es honestamente fantástica y es una de las razones principales por las que esta película funciona.

Emma Thompson: Cuando una película le pide a la audiencia que apoye a un personaje principal que hemos conocido como un/una villan@, tiende ser difícil hacerlo ya que sabemos las acciones que tomará en algún momento de su futuro. Para que no lo olvidemos, en todas las adaptaciones de los libros de Doddie Smith,  Cruella secuestró a 99 cachorros dálmatas para despellejarlos y hacerse un abrigo de piel para ella verse bien. Ella no es exactamente un amor y/o encantadora. Entonces, cuando centras toda tu película en ella, la película tiene la tarea de hacer que su antagonista sea aún más mala o, al menos, mantenerla al nivel de Cruella. ¿Y quién mejor para conseguir que Emma Thompson como la baronesa? En las mejores escenas de la película, Stone y Thompson se enfrentan cara a cara, lo que recuerda mucho a The Devil Wears Prada. Ambas actrices son excepcionales aquí: duras, feroces y oscuramente divertidas. Thompson, por su parte, le da a la baronesa una cualidad profundamente narcisista que la hace despreciar casualmente a cualquiera que considere indigno, es decir, todos y sus respectivas madres. Entonces, cuando ambos personajes entrenan, los fuegos artificiales se encienden. Ninguno de los dos rehuye hacer que su personaje sea repugnante. Thompson parece que está pasándola bien filmando esta película, disfrutando de cada escena en la que se encuentra.

Sin explicaciones exageradas: Sorprendentemente, esta película se aleja de las explicaciones exageradas que las precuelas tienden a sufrir. Una vez más, no hay necesidad de explicar por qué una persona es malvada, hace cosas malvadas o por qué se ve como se ve, al igual que Disney hizo con Maleficent (está en el nombre, muchachos). Si bien hay momentos en los que explican de dónde viene su automóvil, de dónde se inspiró el nombre de "Cruella de Vil" y por qué su cabello es como es, esta película lo hizo sentir lo más orgánico posible y mantuvo su curso en la manera en que contó su propia historia. Nunca se sintió como un "estamos preparando todo para 101 dálmatas"; solo montaron a Cruella y su pandilla. Eso es todo. Por supuesto, hay guiños a esas películas (incluso la ex actriz de Cruella, Glenn Close, es una de las productoras de la película), pero no te golpean en la cabeza con esas referencias. Fue un buen soplo de aire fresco en términos de cómo lo hicieron. 

La estética punk: Combinado con excelentes decorados y vestuario, Cruella tiene un estilo que hace que la trama cobre vida. La película está en constante movimiento, llevándote a este mundo donde dos mujeres formidables, y francamente detestables, chocan. Todo está interconectado. Una de las mejores escenas, por ejemplo, encuentra un camión de basura depositando una carga de basura en la calle frente al evento de moda de la baronesa. Con la melodía de Should I Stay or Should I Go? de The Clash, Cruella sale de la basura, saltando sobre el camión mientras se aleja para revelar que la basura es en realidad un vestido increíblemente largo y cosido. Grandes "momentos" como ese abundan en la película, donde la actuación, las imágenes, la música y el vestuario se mezclan en algo audaz y emocionante.

Lo malo

Sobredosis de música: Hay una gran diferencia entre mezclar música de manera efectiva en la película y simplemente presionar reproducir y esperar que funcione. Si se hace bien, obtendrás lo que hizo James Gunn con Guardians of the Galaxy donde se siente orgánico. De hacerlo incorrectamente, obtendrás un video musical convertido en película como Suicide Squad. Esta película, por alguna razón, hace ambas cosas. La música de los setenta funciona el 60% del tiempo, como en la escena mencionada anteriormente y al final cuando tocan Sympathy for the Devil de The Rolling Stones. Pero luego, llegas al punto en el que interpretan Car Wash de Rose Royce, donde se siente completamente fuera de lugar con lo que está sucediendo en la película. Y no sucede solo una vez. En lugar de seleccionar los momentos en los que pueden usar canciones, parecía que la película se olvidó de apagar su playlist de Spotify de la década de 1970. De haber cortado como 5-6 canciones que se usan en la película, podría haber estado a la altura de Guardians y muchas de las películas de Scorsese y Tarantino en términos de uso de soundtracks. Desafortunadamente, lo que obtuvimos fue una sobredosis de canciones. 

Los perros a computadora: "¿Cuán caros los entrenadores de animales?" "¿Qué pasó con el uso de animales reales en el cine?" "¿Había alguien alérgico a perros entre el elenco y la producción?" Estas son en gran medida las preguntas que hice mientras miraba a los perros en esta película. Entiendo muy bien que la producción no quiera ponerlos en peligro, pero hay una diferencia entre estar seguro y verse increíblemente fuera de lugar (y esto viene de alguien a quien le gustó Call of the Wild). Los creadores de esta película decidieron que todos los perros de esta película serán generados por computadora... para cada escena... incluso si solo están sentados en el suelo. Esta decisión es algo desconcertante porque claramente se ven fuera de lugar en el frame. Nosotros como público estamos muy conscientes de cómo se ven los perros y sus respectivas expresiones ya que son animales muy comunes en nuestras vidas. Entonces, cuando los conviertes en criaturas generadas por computadora que interactúan con los humanos, sabemos que es falso. Si se usara solo para escenas en las que un perro hubiera tenido que hacer una acrobacia, como saltar de un acantilado o bajar por un río, entendería la decisión. Pero sentarse al lado de una persona que te da una señal visual de "Una de estas cosas no es como la otra", es discordante. Supongo que cuando tienes un presupuesto de $200 millones, puedes salirte con la tuya.

Lo feo

La duración: A pesar de todas las cosas buenas y no tan buenas que tengo que decir sobre esta película, lo peor que tengo que decir es que es un poco lenta. No solo tenemos un prólogo de 15 minutos que es demasiado largo para su propio bien, sino que todavía nos quedan dos horas más. Podrías haber recortado unos 30 minutos de esta película (que también incluiría algunas de las canciones que no se mezclan bien con lo que está sucediendo en la pantalla), y Cruella podría haber sido una experiencia mucho más ordenada.

Cruella tarda demasiado en empezar y 135 minutos es demasiado para este tipo de cosas. Esos factores,  al igual que perros a computadora y la sobredosis de música innecesaria, la frenan un poco de llevarla a otro nivel. Independientemente, las dos Emmas son magníficas, y al hacer la historia un poco más "edgy" en comparación a otra película del mismo estudio es una buena desviación de lo que esperaba. Cualquiera que anticipe una oferta de Disney absolutamente limpia se sorprenderá de cómo la película se deleita con la maldad. Sabemos que Cruella de Vil se convierte en una persona despreciable, por eso el tono se gana con sinceridad. Al igual que Joker, higienizar ese hecho sería hacerle un tremendo flaco favor. Me alegro de que Stone, Thompson, el director Craig Gillespie y su equipo tuvieran las agallas para mantenerse fieles a la legendaria villana. El enfoque es perfecto y la película es, en su mayor parte, perversamente divertida.

Rating: B

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Reseña de A Quiet Place Part II: El silencio conquista nuevamente

No hay mejor sentimiento que una película que surge de la nada y sorprende a todos y a sus respectivas madres con lo buena que es. Sí, es agradable ver a nuestros personajes preferidos volver a la pantalla mediante secuelas y ver sus aventuras continuar, así como los reboots de historias familiares que se han contado varias veces. Pero son esas películas que tomaron a todos por sorpresa las que tienen el mayor impacto en las mentes colectivas de la audiencia. ¿El mejor ejemplo? A Quiet Place: una película con una premisa extremadamente simple (monstruos sensibles al ruido aterrorizan a una familia rural) que parecía un mata-tiempo en los cines que creó una experiencia como ninguna otra ya que la audiencia se convirtió en participantes activos ya que nadie quería hacer un pío para no afectar la forma de vida de la familia Abbott y/o sus mecanismos de autodefensa contra los monstruos. De hecho, puedo decir con certeza que esa película fue mi película preferida del 2018 y es una de mis películas de terror favoritas de todos los tiempos. Una vez que se anunció la secuela, las expectativas subieron considerablemente y con la pandemia desplazando las fechas de estreno de muchas películas que debieron haber estrenado el año pasado, siguió aumentando cada día que los cines no estaban abiertos. Con todo esto, estoy aquí para decir que la secuela está a la altura del original... pero bien raspa'o. 

La trama oficial de A Quiet Place Part II comienza minutos después de los eventos de la primera película. Los miembros sobrevivientes de la familia Abbott (Emily Blunt, Millicent Simmonds y Noah Jupe) abandonan su casa después de sobrevivir una emboscada de monstruos, ahora con el conocimiento de cómo derrotarlos, y su hijo/hermano recién nacido que necesita ayuda extra para mantenerse callado y no ser una carga sobre los demás. No muy lejos de donde viven, los Abbott se encuentran con dos cosas que cambian el juego: Emmett (Cillian Murphy), un amigo de la familia que sobrevivió los ataques iniciales de los monstruos y un sencillo de radio que transmite un loop de Beyond the Sea de Bobby Darin, que Regan cree ser una señal de otros supervivientes. Debido a esto, tanto Regan como Emmett intentan encontrar de dónde viene esa señal y quién la envía, mientras que Evelyn y Marcus se quedan atrás para proteger al recién nacido peligrosamente ruidoso.

Lo bueno

John Krasinski, director: Krasinski había dirigido dos películas antes de esta, la primera Quiet Place y una película independiente llamada The Hollars. Después de haber visto las tres películas, uno puede ver el progreso que ha tenido a medida que se convierte en un cineasta con más experiencia. Mientras que otros cineastas tienden a decir "Para la secuela, démosle a la gente lo que quieren multiplicado por diez mil. ¿Qué van a decir? ¿'Que no'?", Krasinski decide detenerse y sigue entendiendo que lo que hizo que la primera funcionara fue que se trataba de un drama familiar envuelto en una película de terror y construye la secuela en torno a eso específicamente. Al comprender que ambos elementos funcionaron la primera vez, el director comienza a comprender lo que ha hecho que las películas de Spielberg sean exitosas: el elemento humano dentro de eventos extraordinarios. No se trata solo de cómo los extraterrestres se van a comer tu cara si haces un sonido; en realidad nos importa si esta familia está lo suficientemente preparada para enfrentar un mundo que ya no entienden, si tanto Regan como Marcus están física y mentalmente maduros para lo que se les presentará en el camino después de los eventos que mataron a su padre en la primera película, si Evelyn puede proteger lo suficiente a sus hijos tanto material como emocionalmente sin la ayuda de su difunto esposo, etc. Estas son las preguntas que presenta Krasinski, no por un personaje hablándole directamente a la cámara que se siente de esa manera, sino por medio de "close-ups" largos en los que simplemente estamos hirviendo los pensamientos de los personajes mediante sus expresiones faciales. Si continúa construyendo sobre lo que aprendió de la película anterior y continúa entendiendo que hacer las cosas más grande no siempre es necesariamente mejor, John Krasinski tendrá una carrera como director muy larga y exitosa.

Millicent Simmonds: Si bien vamos a esta película por los sustos y los monstruos de aspecto atractivo, son los personajes humanos los que fundamentan todo el asunto. Y mientras Emily Blunt, Noah Jupe y Cillian Murphy hacen un gran trabajo en la secuela, es Millicent Simmonds como Regan quien continúa robándose el show. Obviamente, creció y maduró entre el rodaje de la primera y la segunda película, pero hay algo que decir sobre su maduración como actriz también. Hay una escena en particular que es desgarradora en todos los sentidos en la que se despierta sin su audífono. Solo esa escena, que dura aproximadamente tres minutos como máximo y en completo silencio, tiene más impacto y más que decir en cuanto a la misión de su personaje y lo que está sintiendo que cualquier escena de huida del monstruo llena de CGI. Ella fue una de las destacadas de la película anterior; ella es LA destacada en esta película.

El uso y ausencia de sonido: Aunque hay mucho más diálogo en esta película que en la primera, el uso y la falta de sonido aún funcionan de una manera escalofriante. La película continúa floreciendo en el silencio y lo desconocido con la mayoría de la película todavía proyectada en subtítulos mientras el diseñador de sonido Malte Bieler continúa extendiendo ese sentimiento inquietante en la audiencia, volviéndolos participantes activos de lo que está ocurriendo en la pantalla (por mi parte, yo solo ingería popcorn cuando la gente hablaba en la pantalla para no arruinar la experiencia de los demás con mi masticado extremadamente fuerte). Los momentos de terror se acentúan debido a esto a medida que se agregan a la película tramos más largos de silencio y construcción de escenas, por lo que la tensión burbujea poco a poco hasta que estalla por completo (mis felicitaciones al editor Michael P. Shawver por su trabajo aquí). Todo esto para decir, si disfrutó del aspecto comunitario de estar en el completo silencio de la primera, Part II hace su trabajo para continuar esa experiencia ... a menos que esté sentado junto a un masticador ruidoso o una persona que todavía piensa que una sala de cine es su sala personal.

El primer día: Desarrollar los orígenes de cosas que para todos los efectos son misteriosos tiende a ser complicado. Por cada "así es exactamente como los simios conquistaron la Tierra", obtienes un "C-3PO fue construido por Anakin Skywalker cuando era un esclavo de nueve años". En esencia hace que todo pierda valor y el aura que uno quizás le proyectó a ciertos personajes. Lo que intento decir es que una vez que abres la caja de Pandora, es difícil volver a cerrarla. Entonces, cuando los primeros 15 minutos de la película están dedicados al "día en que llegaron a la tierra", me preparé para lo peor. Con todo lo dicho, Krasinski como escritor, director y actor aún mantenía detalles sobre de dónde vinieron estos monstruos muy escasos, usando el flashback para esta escena y solo para esta escena. Este prólogo funciona como un cortometraje fantástico que tiene su propia configuración, acción ascendente y clímax incluso antes de que comience la película. Piense en ello como el aperitivo de la película que está a punto de ver, y qué delicioso aperitivo fue.

Lo malo

Secuel-itis: Sin revelar detalles, la película termina abruptamente, una tendencia que se está volviendo extremadamente común en los últimos años a medida que los estudios continúan planificando dos o tres películas para lo que será el "end game" para una posible franquicia. Y aunque muchas secuelas funcionan como un puente entre una primera y una tercera película por definición, hay algo que decir sobre lo irritante que es para una película detenerse en seco y simplemente lanzar los créditos. Si bien la primera película hace lo mismo, se sintió como una película completa e inteligente con un comienzo, un medio y un final. Part II tiene el problema de sentir que se detuvo justo en medio de su tiempo de ejecución, o unos 10 minutos antes de tiempo, haciendo metástasis en otro capítulo dentro de una franquicia que nos dirá cómo terminará... eventualmente. La primera entrega se sintió como un soplo de aire fresco en la pantalla grande. Este, aunque creo que es muy buena, se siente un poco más como un "checkmark" cínico en la lista de expansión de franquicia del estudio (también conocida como secuel-itis) que al menos estuvo bien pensada a lo largo de su desarrollo y ejecución final.

Como se mencionó anteriormente, A Quiet Place Part II es una secuela digna de su predecesor, aunque su ambición planificada hace que se quede un poco por debajo de las alturas de la primera entrega. Al mantener el enfoque de la historia hacia adentro a través de la pérdida experimentada en la primera película en lugar de expandirse deliberadamente hacia un mundo sin reglas, esta secuela triunfa donde muchas otras no lo hacen al poner a sus personajes primero. Puede que no sea o no se sienta tan fresca como el original, pero Part II se atreve a ir a lugares emocionalmente sin olvidar nunca el poder inductor de ansiedad que trae el silencio absoluto.

Rating: A-

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Reseña de Army of the Dead: Un aperitivo difícil de digerir bien

 

Para bien o para mal, sabes lo que obtienes cuando ves una película de Zack Snyder: una película demasiado larga, seria, en tono sepia y melancólica con un héroe en el centro que reflexiona mucho sobre lo que significa sacrificarlo todo con algunos imágenes interesantes. Pero él es esencialmente el The Last Jedi de los directores que trabajan hoy en día en el sentido de que no hay término medio; o te gusta o lo detestas hasta más no poder. Entonces, cuando Netflix vende a Army of the Dead, la nueva película dirigida, coescrita (e incluso filmada) por Snyder, como un híbrido entre películas de zombis y robos, uno pensaría que la película traería toda la diversión que esos tipos de películas que suelen traer. En esencia, el canal te promete en sus anuncios una mezcolanza entre Ocean's Eleven y The Walking Dead. Bueno, estoy aquí para decirte que sí cumple con esas promesas... hasta cierto punto.

En un futuro cercano, Estados Unidos ha repelido con éxito una plaga de zombis, con las pocas hordas supervivientes de muertos vivientes atrapadas detrás de un muro que rodea Las Vegas. El multimillonario Tanaka (Hiroyuki Sanaka), ofrece al cocinero/mercenario Scott Ward (Dave Bautista) cantidades increíbles de dinero si hace una cosa: realizar un atraco en la ciudad infestada de zombis y volver con vida. Ah, y hacerlo dentro de 96 horas antes de que el presidente bombardee la ciudad y todo lo que hay en ella. Para lograr su objetivo, Ward recluta a un grupo de mercenarios que se jugarán la vida y tratarán de regresar a casa antes de que los zombies y/o las armas nucleares acaben con sus vidas.

Lo bueno

El prólogo: ¿Qué mejor lugar para comenzar que al principio de la película? Los primeros 15 minutos de esta película cumplen la promesa que había compartido en todos sus trailers: acción loca tipo B-movie con una atmósfera tensa que obtendrías de una divertida película de zombies. Hecho posible a través de una exposición rápida, esta parte de la película establece las reglas básicas sobre qué y cómo surgió la amenaza y cómo hubo un brote en Sin City. Y luego, hay un montaje muy divertido de los asesinatos de zombis originales en rosa neón con música de Elvis Presley de fondo. Este comienzo fue suficiente para hacer creer a un escéptico lo que estaba ocurriendo en la pantalla en el sentido de que, sí, puedes ver el típico ciclo de la vida para los zombis (zombi mata persona, persona muere, persona revive como zombi, zombi nuevo se une a una comunidad de muertos vivientes, y comienza el ciclo nuevamente), sino también el precio que se cobra entre los supervivientes cuando intentan escapar de Las Vegas. El prólogo asegura que conozca la película en la que hizo clic para ver desde el principio. Desafortunadamente, no necesariamente cumple sus promesas durante su tiempo de ejecución.

Las reglas: Hoy día, muchas películas tienden a romper sus propias reglas que establecieron desde el principio. Ya sea que Tony Stark no necesita un reactor para vivir de Iron Man 3, Harry Potter no tiene los ojos verdes de su madre, o incluso Superman en realidad usando kryptonita para matar a Doomsday, aunque fue casi asesinado por Batman con él 20 minutos antes en Batman v Superman, a veces dejan caer la pelota (los ojos de Harry) o simplemente quieren que lo olvides para ellos "beneficiarse" y hacer la película llegar a un final "adecuado". Pero en contraste con su película del superhéroe, Snyder establece reglas en el ejército de los muertos y los mantiene vigente en toda la película. Establecer un reino de zombies alfa, que no solo son más inteligentes, sino más rápidos y reaccionarios, cómo admiten el paso a la ciudad, y lo que sucederá si rompe las reglas muestra un trabajo muy dedicado de Snyder y sus co-escritores, Joby Harld y Shay Hatten, para establecer tensión en toda la película. Aunque los zombies pueden estar más en vena con los de World War Z que otras películas, tanto Richard Cetrone como Athena Perample hacen maravillas con sus roles en su mayoría físicos como el rey y la reina de los no muertos respectivamente, ya que, curiosamente, interpretan a los personajes más "humanos" en la película. Entonces, cuando los humanos reales rompen las reglas, sabes que se ponen los huevos a peseta a medida que estos corren por los casinos con intenciones de sumar a su comunidad.

Lo malo

Snyder en exceso: Mientras intenta hacer una alegoría de los excesos encontrados en ciudades como Las Vegas, a Snyder realmente le gusta llegar a su camino cuando se trata de esta misma cosa. Al igual que su versión más completa de Justice League, no sabe cuándo renunciar y llamarlo un día y simplemente sigue sin ninguna razón. En casi dos horas y media, la película toma muchos desvíos, mientras que en la misión principal, lo que hace que se sienta más como un videojuego de Resident Evil que una película real. Tal vez esto se debe al enfoque práctico de Netflix al contenido que agregan a su plataforma, especialmente cuando se trata de los cineastas con prestigio que están atrayendo tipo Martin Scorsese y Alfonso Cuarón, pero la forma en que Snyder hace sus diferentes desvíos hace que la película solo pierde toda la urgencia que ya nos había prometido entre los zombies y las armas nucleares que están a punto de caer, lo que hace que la película pierda el impulso a mitad de camino. Si él, con todo el poder que le fue dado por el estudio y por sí mismo (dirigió, produjo, co-escribió y grabó su propia cinematografía), simplemente habría recortado varios aspectos aquí y allí, tal vez la película se encuentra a Posibilidad de entregar una película divertida. En su lugar, él decide sobreprometer y subestimar a su audiencia.

Para una película que debió haber sido una comida de cuatro platos de loqueras y sangre es solo un aperitivo de lo que vendrá cuando Netflix apostóo todo en esta futura franquicia con un par de programas de televisión alrededor de este universo. Comienza de forma fantástica, pero luego se desinfla cuando Snyder quiere que se centre en las cosas que podrían haberse beneficiado de ser cortadas durante la edición. En esencia, Army of the Dead es el equivalente a comer un half-rack de costillas en Chili's: puedes lamer tus dedos después de terminar, pero hay una gran posibilidad de que te quedaste con hambre por más.

Rating: C+

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