Reseña de Once Upon a Time... in Hollywood: Más extraño que la ficción

Si Quentin Tarantino cumple su promesa de retirarse después de dirigir 10 películas, entonces Once Upon a Time... in Hollywood, su novena, puede ser un intento de agrupar temas, imágenes y obsesiones de toda una carrera en un penúltimo proyecto en expansión. Incluso el título es un riff de un spaghetti Western de Sergio Leone, un género de película B que, junto con muchos otros, se pone amorosamente en el transcurso de esta saga de dos horas y cuarenta minutos sobre un grupo de habitantes de Tinseltown, algunos históricos, algo ficticios. Desafortunadamente, esta película tiene más glamour que sustancia.

Leonardo DiCaprio interpreta a Rick Dalton, una estrella similar a John Wayne que se ha vuelto inseguro y lloroso, incapaz de soportar perder su condición de hombre duro de Hollywood. Brad Pitt es Cliff Booth, el doble de Rick y chofer a tiempo parcial: "Un amigo que es más que un hermano y un poco menos que una esposa", como explica la voz en off de la película. Seguimos a la pareja mientras corren por Los Ángeles, buscando trabajo y gritándole a los hippies por la ventana del auto. Juntos, Rick y Cliff forman una diada de la masculinidad de la pantalla plateada de la vieja escuela, casi caricaturescamente machista aunque ciertamente muy sexy en sus autos rápidos y jeans ajustados. ¡Ah! Y todo esto ocurre mientras Sharon Tate y Roman Polanski se mudan a la casa justo al lado de Dalton, trayendo con ellos una secta liderada por Charles Manson.

Lo bueno

Leo y Brad: Una de las razones principales por las que Once Upon a Time... in Hollywood es levemente efectiva es porque los personajes principales y ficticios son divertidos. Rick y Cliff son el núcleo emocional de la película, con DiCaprio y Pitt mostrando una dulzura inherente en la relación de sus personajes; se sienten como dos viejos amigos que han pasado por muchas cosas juntos. Como era de esperar, ambos actores (que han trabajado con Tarantino antes) están dando actuaciones de primera, ya sea que estén cargando tramos de la película sobre sus hombros o mostrando su química. Como el emocionalmente inseguro Rick, DiCaprio tiene la oportunidad de mostrar un lado diferente de su rango de maneras que pueden ser humorísticas y sinceras. Pitt se ajusta a la parte de Cliff como un guante, canalizando los lados sensatos y tranquilos de la personalidad del especialista, dependiendo de lo que requiera la escena. Los dos siempre son entretenidos en pantalla y forman una gran pareja.

Welcome to the Sixties: Otro gran activo que tiene la película a su disposición es la tremenda tripulación de Tarantino que trabaja diligentemente para recrear Los Ángeles de la década de los 1960s con detalles intrincados. Ya sea alrededor de Hollywood Boulevard o en los sets que Rick está filmando, la película tiene mucho éxito en su misión de transportar a los espectadores en el tiempo. La diseñadora de producción Barbara Ling, la diseñadora de vestuario Arianne Phillips y el cinematógrafo Robert Richardson (entre otros innumerables) merecen crédito por sus contribuciones, ya que trabajan juntos para crear algo inmensamente atractivo, agarrar al espectador y nunca dejarlo ir hasta que se agoten los créditos. Y como era de esperar, las selecciones de la banda sonora de Tarantino ayudan a crear el ambiente para las escenas de una manera que solo él puede lograr.

Lo malo

Sharon Tate: Le daremos esto a Tarantino; él dejo claro que la película no trataba sobre los asesinatos hechos por la familia Manson, sino que esto sería el fondo de la película. Pero ahí es que comienzan los problemas con la película. A pesar de tener pocas líneas, el entusiasmo y la energía positiva trae Margot Robbie cuando interpreta a Sharon Tate irradia. La visión de ver a la verdadera Tate en The Wrecking Crew es una linda mordaza que refleja su búsqueda de validación, pero las apuestas con su personaje son demasiado bajas. Sus relaciones son desinteresadas ya que Polanski no se registra como personaje y Emilie Hirsch como su estilista y ex, Jay Sebring, está perdida. En lugar de centrarse en el viaje de cine alargado solo o incluso interactuar con los personajes ficticios interpretados por Pitt y DiCaprio, las relaciones de Tate con estos hombres podrían haber enriquecido sus escenas.

¿Cuál es el enfoque de la película?: Algunos han elogiado a Hollywood como un poderoso ensayo visual de la época y no seremos los primeros en decir lo contrario porque, como mencionamos anteriormente, es hermosa estéticamente. Sin embargo, los fuertes recortes pop abruman una narrativa potencialmente convincente. Hasta el final, la historia está demasiado fragmentada. Nunca decide si quiere ser una película sobre la industria del cine en esa época, o si es sobre un hombre que está buscando redención sobre sus acciones/rumores de acciones tomadas o sobre una mujer buscando validación del público antes de sus últimos días. Esto deja la representaciones de DiCaprio, sólida y autocrítica, de Pitt, fuerte y sensata, y la de Robbie, dulce y genuina, varadas en un proyecto desigual, con un final grotesco (aunque grandioso debido a lo que ocurre) para justificar su pregunta inútil "¿y si esto hubiese ocurrido?".

Lo feo

2 horas y 20 mins de básicamente nada: La película dura 2 horas y 40 mins. De esos, 20 mins son lo más interesante ya que básicamente se cruza entre sus personajes principales y su vida cotidiana. Ahora, no estoy diciendo que no hay escenas interesantes dentro de ella (una escena entre Leo y una actriz joven es peak-Tarantino), sino que un par de tijeras para cortar las 15 escenas (y eso es un conteo bajito de lo que probablemente fue/se sintió) donde vemos a Brad y Leo conduciendo sin rumbo por LA no habría mató a cualquiera. Rick ensaya líneas con su reproductor de cintas y contempla hacer spaghetti westerns en Italia (consejos de carrera de un agente, interpretado por Al Pacino). Cliff conduce por la ciudad haciendo trabajos extraños antes de irse a casa a una caravana lúgubre, donde su pitbull espera ansiosamente su cena. Sharon hace fiestas en la Mansión Playboy y salta a los discos en su casa de Cielo Drive. En resumen, no sucede mucho realmente. (Hasta que de repente sí ocurre algo). Tarantino parece más interesado en presumir a sus actores principales, que se claramente deleitan para él, y su recreación amorosa de los puntos de referencia de Los Ángeles (como Musso & Frank's y El Coyote) que en la construcción de tensión dramática en torno a la "historia" que concibió.

Quizás la peor parte de todo esto es que es sintomático de problemas más profundos en Once Upon a Time... in Hollywood. Si bien contiene gran parte del mismo diálogo inteligente y de la construcción del universo fascinante que las mejores películas de Tarantino, esta película carecía de la misma narrativa convincente que hizo que Tarantino funcionara como Inglorious Basterds y Django Unchained clásicos contemporáneos. Parece que Tarantino está tan absorto en su propio estilo cinematográfico que pierde de vista lo que hizo que sus mejores películas funcionaran. El resultado es una película que, aunque semientretenida, se siente como una oportunidad perdida.

Rating: C

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Reseña de Hobbs & Shaw: Ejercicio de 'branding' para sus estrellas

Las películas de la serie de Fast & Furious obtuvieron una nueva oportunidad de vida cuando agregaron a Dwayne Johnson al elenco en el 2011. De muchas maneras, The Rock fue la pareja idónea para la franquicia musculosa y su exploración de la hermandad multicultural. Ahora, después de su muy publicitado choque fuera de la pantalla con Vin Diesel en The Fate of the Furious, Johnson y su coestrella Jason Statham encabezan un spin-off de su propio llamado Fast & Furious Presents: Hobbs & Shaw, un proyecto que, si nada más, mantiene la orgullosa tradición de la serie de no poder conformarse con un esquema de título consistente. Hobbs & Shaw tiene éxito parcial en la evolución de la propiedad, pero en su mayoría se siente como un ejercicio de marca para The Rock y Statham.

Hobbs & Shaw sigue al agente Luke Hobbs (Dwayne Johnson) quien es reclutado para una operación secreta que lo empareja con su frenemy, el asesino de las Fuerzas Especiales Británicas convertido en mercenario Deckard Shaw (Jason Statham). Los dos tienen la tarea de localizar a la hermana de Shaw, Hattie (Vanessa Kirby), una agente del MI6 que supuestamente ha robado un arma biológica extremadamente peligrosa. Sin embargo, cuando se enteran de que Brixton (Idris Elba), un terrorista cibernéticamente mejorado que trabaja para una poderosa organización criminal, está cazando a Hattie, la pareja se da cuenta gradualmente de que, les guste o no, tienen que cooperar si van a salvar el mundo.

Lo bueno

Johnson y Statham: Estos dos, junto a otra persona quien mencionaré un poco más abajo, son la razón principal para ver la película. En la serie original, los dos pasaron una película entera en desacuerdo entre sí, seguida de otra película trabajando a regañadientes codo con codo, pero en caso de que no estuvieran al tanto de su equipaje personal en esta película, Hobbs & Shaw envuelve un regalo fantástico. una escena entre los dos para recordarte que realmente no se quieren. Pero el quid de la historia aquí es que estas dos fuerzas opuestas tendrán que aprender a trabajar juntas para salvar el día ... y al mundo. Tiene un elemento de Lethal Weapon, pero en este caso ambos son Riggs en el sentido de que hacen una competencia sobre quién es más algarete que el otro durante peleas.

Vanessa Kirby: La actriz (quien recordarás que apareció en Mission: Impossible - Fallout) se une a la franquicia como Hattie Shaw, una agente del MI6 que resulta ser la hermana de Deckard y el McGuffin durante el resto de la historia. Es un giro inteligente en un tropo común, y es uno que hace de Hattie un activo valioso, una fuente de fricción emocional entre los tres protagonistas y una amenaza mortal para todo el mundo, todo al mismo tiempo. Hattie es tan fuerte y capaz que llama la atención de Hobbs y logra sentirse en gran medida como su propio personaje con cierta agencia y competencia, al tiempo que se convierte en un interés amoroso.

Lo malo

¿Expandiendo el universo?: Escrito por el arquitecto de la serie, Chris Morgan, acompañado por Drew Pearce (quien, curiosamente, tiene experiencia previa escribiendo sobre personajes mejorados cibernéticamente gracias a su trabajo en Iron Man 3), Hobbs & Shaw se queda corta en sus esfuerzos por desarrollar su concepto en una experiencia cinematográfica satisfactoria. Intenta trasladar los temas anteriores de Fast & Furious sobre la familia al retomar la historia de fondo de Shaw y explicar por qué Hobbs desarrolló su mentalidad de lobo solitario, pero al hacerlo, la película confunde la transformación en curso de Shaw de malvado vengativo en Furious 7 a antihéroe incomprendido en Fate of the Furious y esta. De igual manera, escribe de manera torpe como Toretto y su equipo están fuera de escena cuando se trata de la historia de Hobbs. Añadiéndole a esto, la película intenta darle a Hobbs y Shaw su propio equipo para posibles aventuras futuras, pero los personajes (que solo hacen cameos glorificados) son un carbon copy de los personajes principales de la serie grande. Por las mismas razones, Hobbs & Shaw parece menos interesado en expandir el universo y más como un intento calculador de remodelar, o, para decirlo de manera menos amable, robar, la franquicia para Johnson.

La acción: El director David Leitch y su compañía de producción 87Eleven han revolucionado absolutamente el cine de acción en Hollywood desde que salió la primera película de John Wick. Cualquier cosa en la que estén involucrados, voy a querer ver. Lamentablemente, la acción aquí se siente en gran medida sin peso y no particularmente atractiva. Hobbs & Shaw presenta piezas de acción ridículas desprovistas de lógica y física, al igual que sus predecesores, pero se olvida de inyectarlas con urgencia o creatividad. La motocicleta de inteligencia artificial de Brixton es la única novedad visual creativa nueva y genial o una nueva idea en juego aquí. Parece que tal vez Leitch simplemente se vio afectado por las limitaciones de la fórmula.

Lo feo

Demasiado larga: También hay una sensación de flujo realmente discordante en esta película. Es dolorosamente larga al tener una duración de 2 horas y 15 minutos. Es un gran error, ya que gran parte de ese tiempo de ejecución podría haberse cortado ya que provienen de estos fragmentos de comedia extendidos que ocasionalmente me hicieron reír, pero realmente rompió el sentido de urgencia y desinfló las apuestas de la película. La vida de Hattie es un reloj en marcha ya que el virus dentro de ella eventualmente la matará a ella y luego al mundo entero. Sin embargo, habitualmente tenemos tiempo para intercambios de chistes extendidos. ¿Esa tensión que el público de todo el mundo sintió en el acto final de Mission: Impossible - Fallout? Sí, no hay nada ni remotamente comparable aquí. La comedia está demasiado animada y las emociones están demasiado extendidas para que Hobbs & Shaw se sienta como algo más que una distracción masiva.

Como la suma de sus partes, Hobbs & Shaw es una desviación aceptablemente para un blockbuster de agosto, pero no es un buen augurio para el deseo de Universal de escindir múltiples personajes de Fast & Furious en películas independientes. The Rock tiene una marca distinta en este momento en esta carrera y la ha aplicado con éxito a otras IP en los últimos años, pero el resultado final aquí muestra las limitaciones de su enfoque y, en todo caso, ilustra cuán integral es Vin Diesel y su núcleo familiar realmente son para la franquicia. Por supuesto, si los fanáticos deciden que no están interesados en una sub-franquicia de Hobbs & Shaw después de todo, no es como si Johnson o Statham estuvieran sufriendo por trabajo en el futuro cercano/lejano.

Rating: C+

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Reseña de The Lion King: Ciclo vacío

Emocionado es subestimar lo que sentí cuando vi el primer póster y trailer de esta versión de The Lion King. No solo estaban "remaking" una de mis películas favoritas de todos los tiempos, sino que se veía asombrosamente hermosa. Al ser esencialmente una película sagrada como maná bajado del cielo en mi hogar, las expectativas estuvieron cuando entré por la sala. Dicho esto, lo que nos entregan es algo más vacío que no completa el "Circle of Life".

En caso de que no hayas visto el original del 1994, la historia es exactamente la misma. Simba (JD McCrary) es un cachorro que vive en Pride Rock, hijo del gobernante de la tierra, Mufasa (James Earl Jones). Simba piensa que ser rey es divertido y que puedes hacer lo que quieras, pero Mufasa intenta enseñarle sobre la responsabilidad y lo que significa vivir en equilibrio con la naturaleza dentro del "Circle of Life". Sin embargo, el hermano de Mufasa, Scar (Chiwetel Ejiofor), tiene su ojo en el trono y trama un complot para robárselo. Esto eventualmente obliga a Simba a exiliarse, donde se convierte en un adulto (Donald Glover) con sus amigos despreocupados Timon (Billy Eichner), un suricata, y Pumbaa (Seth Rogen), un jabalí. Sin embargo, una vieja amiga del león, Nala (Beyoncé Carter-Knowles) lo encuentra y trata de que este vuelva a casa, desafíe a Scar y asuma el lugar que le corresponde como rey.

Lo bueno:

Los efectos especiales: El fotorrealismo presentado en esta película es un hito técnico. Al igual que en The Jungle Book (la cual también fue dirigida por Jon Favreau), tienes que seguir recordándote que nada de lo que está en pantalla existe y que todo; hasta las gotas de agua y las hojas en los árboles fueron creadas a computadora. Como mínimo, este remake empuja la bola hacia adelante en lo que podemos hacer con efectos especiales y especialmente con la realidad virtual, ya que se utilizó la para llevar a los operadores de cámara al espacio virtual de la sabana. Si The Lion King gana el Oscar para mejores efectos especiales, probablemente se lo merezca por los méritos técnicos de lo que lograron.

Timon y Pumbaa: Uno de los aspectos más destacados de The Lion King son Billy Eichner y Seth Rogen como Timon y Pumbaa. Esta versión de la película ha modernizado algunas de las líneas de los personajes para reflejar las tendencias actuales y los dichos populares. La voz áspera y profunda de Rogen es un complemento perfecto para la personalidad de Pumbaa y, por supuesto, tiene su risa característica. El Timon de Eichner coincide más con su personalidad y humor en comparación con el Timon de Nathan Lane. Pero juntos, estos dos son magia y hacen que la película sea mucho más divertida por eso mismo. Cada vez que estos dos personajes están en pantalla, es una delicia.

Scar: Es difícil ganarle a Jeremy Irons como la voz de Scar. Su voz serpentea por tus oídos hasta que se te ponen los pelos de punta porque aunque el león hace pensar a los demás que es más débil, uno sabe que Scar tiene la situación controlada al 100%. Chiwetel Ejiofor hace lo más que puede por empatar esto y, por la mayor parte, logra hacer a Scar suyo. Al traer rasgos de geopolíticas a la mesa, Scar se convierte en un personaje más maquiavélico que en la original (si eso fuese posible) y con la voz segura de Ejiofor no solo vemos a un Scar que quiere obtener el trono, pero que hará todo lo humanamente posible por mantenerse ahí.

Lo malo:

No reconfiguran la historia: Llamémoslo como es: es muy difícil apartarse de una película clásica y todo lo que viene con ella. En su naturaleza, el formato de esta película, un recuento casi frame por frame, no un 'reimagining', hace que la visualización distraiga y sea aún más decepcionante. Cualquier remake va a evocar comparaciones inevitables con la película que vino antes, pero lo que Favreau parece haber olvidado desde su tiempo en The Jungle Book es la necesidad de distinción. El problema de esta película, al igual que el remake de Psycho del 1998, es que se aferra tanto a la original, que deciden hacerlo shot-for-shot, y para eso preferíamos quedarnos en casa. Al igual que el joven Simba entrando en la enorme huella de su padre Mufasa, el director de Iron Man y su equipo miran con devoción y reverencia hacia su preciado predecesor pero parece que no puede distinguir cómo extender la historia y traer elementos nuevos.

No hay inversión emocional: El punto de ver a Simba subir por Pride Rock bajo la lluvia aceptando su rol como rey y guardián de todos los animales de la selva (esto no es un spoiler. La película estrenó hace 25 años) debió haber sido un momento triunfante. Todo lo que el ha aprendido a lo largo de la película llega a ese momento en particular donde el acepta quién es, sus faltas y su responsabilidad en restaurar el balance. Pero, ¿qué pasa si la película le dio "fast-forward" a todas las escenas que este debió haber aprendido esas lecciones? Al hacer esto, la inversión emocional que uno le tendría a este personaje se convierte nula porque simplemente no se tomaron el tiempo en que Simba pueda aprenderlas. Y eso es de las cosas más decepcionantes/frustrantes de la película, porque además de que ya sabemos como esto se hizo anteriormente, el hecho de que básicamente hicieron una versión Xerox de la original excepto unos cantos de diálogos clave que pone al resto de la película en marcha.

Expresiones faciales de los animales: Con todo sobre lo que hablamos sobre los efectos especiales, a veces esto se convierte en una muleta en lugar de un arma dentro del arsenal del director. El énfasis en el fotorrealismo significa que se pierden los dramatismos y la teatralidad que la película necesita para prosperar. Por ejemplo, los leones no tienen muchas expresiones faciales. No son como los monos, donde puedes obtener muchas expresiones de sus caras. Si bien Favreau se inclina con fuerza en las actuaciones vocales para transmitir las emociones de la escena, no puede cambiar el hecho de que la cara de Simba en su aspecto más triste se parece mucho a Simba en su momento más feliz.

Lo feo:

La escena del pelo flotante: No hay mucho que decir sobre esta escena. Si viste la película, sabes la que estoy mencionando. Simplemente dura demasiado. Entiendo lo que querían insinuar con esto y como se relaciona con el tema mayormente abundado en la película, pero que dure alrededor de cinco minutos me mató. Ese fue el momento preciso que ponché de esta película.

The Lion King es una hazaña para efectos especiales realistas, pero tiene poco más que ofrecer aparte de Timon y Pumbaa y Scar. Esta nueva versión casi no agrega nada nuevo a la película original, y es el "cash-grab" más deslumbrante y obvio de Disney desde que empezaron a aparecer estos remakes de sus películas clásicas. Y aunque soy fiel defensor de que cualquier película puede tener un remake (mira lo que pensé de A Star is Born), para esta fue bien difícil separar lo que hemos conocido por 25 años de lo que nos estaban presentando en la pantalla. Si el público nunca ha oído hablar de la película animada original o la ha visto, esta película pudo haber asombrado a muchos, pero para aquellos que han visto la película original o posiblemente se han obsesionado con ella durante muchos, muchos años (incluyéndome), es un fracaso creativo. 

Rating: C-

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Reseña de Spider-Man: Far From Home: Pura diversión de verano en el cine

La mejor manera de describir a Spider-Man: Far From Home de antemano es que es una película que tiene que ponerse muchos sombreros. Ocupa el espacio poco envidiable post-Avengers: Endgame en la lista de lanzamientos de la franquicia, y ha sido promocionada como el capítulo culminante de la tercera fase, lo que significa que debe ofrecer al público una coda convincente para el Infinity Saga, allanando el camino para lo que sigue. Además, debe continuar la historia del joven superhéroe después de su primera película dentro del MCU, Spider-Man: Homecoming, que fue interrumpida por los eventos de Infinity War y Endgame. Además de todo eso, Far From Home debe valerse por sí misma. Con todo esto dicho, podemos decir fielmente que Far From Home es bien divertida.

Comenzando ocho meses después de los eventos de Endgame, Peter Parker (Tom Holland) está ansioso por tomarse un descanso de ser Spider-Man. Solo quiere ir de vacaciones en Europa con sus amigos y decirle a MJ (Zendaya) lo que siente por ella. Desafortunadamente, el viaje toma un giro cuando "elementales" aparecen en el planeta y Peter es reclutado por Nick Fury (Samuel L. Jackson) para luchar contra las criaturas junto a Quentin Beck (Jake Gyllenhaal). Peter no solo tiene que salvar al mundo, sino también lidiar con la responsabilidad de ser el heredero del mantel de Tony Stark.

Lo bueno

El próximo Iron Man: En las películas anteriores del Hombre Araña, ya sean las de Tobey Macguire, Andrew Garfield, y hasta la primera solo de Holland, el conflicto de Peter con la responsabilidad se refería a la irresponsabilidad. De descuidar de lo que se supone que debes hacer y solo te sirves a ti mismo, personas como Uncle Ben mueren. Aquí, no es tanto que Peter sea irresponsable o no le importe tanto como quiere un poco de espacio para ser un adolescente normal con amigos, parejas y hasta tiempo para descansar (especialmente después de la muerte de su figura paternal), mientras que también reconoce que no es un adulto. Peter es un joven de 16 años que la gente espera que sea el próximo Iron Man. Eso hace que la esencia del personaje se sienta fresca y nueva a pesar de que es el tema central presentado en las demás. Admiro que estas películas siguen encontrando maneras de decir "With great power comes great responsibility", sin que nadie tenga que decir esas palabras exactas.

Jake Gyllenhaal v. Sam Jackson: El hecho de que Spidey esté buscando una figura paternal para ayudarlo a ser el próximo Iron Man trae a estos dos actores a la escena y más diferentes y excelentes no podían ser. Jackson nuevamente interpreta a Nick Fury y aparte de ser el tipo de persona que sus secretos tienen secretos, al igual que en Captain Marvel, vemos un lado nuevo del personaje. Esta vez como un pariente que no aprueba de nada de lo que Peter hace, lo cual convierte a Fury en un personaje interesante para la transformación de nuestro héroe. Dicho esto, Gyllenhaal tiene mucho más que hacer como Quentin Beck/Mysterio (un personaje que jamás hubiesemos pensado que traerían a la pantalla grande por el mero hecho de que tiene una pecera en la cabeza) y este tiene una muy buena química con Holland en escena, trayendo el gravitas y carisma de un mentor al superhéroe del actor más joven, similar al de un tío que te dio tu primera cerveza sin que tus padres se enteraran. Ambos son unos veteranos que hacen que esta película sea un poco diferente a las anteriores y de verdad que se la comieron.

Balanceando temas fuertes con la diversión: Gracias a la mano del director Jon Watts (quien regresa de Homecoming), Far From Home es admirablemente hábil en cómo puede ser completamente irreverente en un momento e invertir de todo corazón en el viaje emocional de Peter en la misma escena. Además, al igual que la entrega anterior, hay más en la historia que solo un superhéroe, efectos especiales y un universo interconectado. También hay temas que se relacionan con el mundo real hasta cierto punto si realmente quieres mirar de cerca. Debido a que Far From Home hace el trabajo de poner a sus personajes primero y tiene un actor tremendamente fuerte en Holland (quien de nuevo es excelente como Spidey), hay espacio para incluir chistes sobre cómo cuando Spider-Man se fue al espacio.

Segundo y tercer acto: Aunque la película parece que toma un buen tiempo para comenzar oficialmente (más sobre esto más adelante), el segundo y tercer acto superan los límites de lo que se espera no solo en una película de Spider-Man, sino en las de superhéroes en general, al volverse ambiciosa con sus piezas de narración y acción que aterrizan super bien. Tanto así que el tipo que se sentó al lado mio no paraba de decir "¡Eah diablo! ¡EAH diablo! ¡EAH DIABLO!" (un saludito al que se sentó en la silla J15 de Las Catalinas en la tanda de las 6:15. Me hiciste la noche). Y esto puede ser algo que leen de los críticos cada vez que sale una buena película de superhéroes, pero este trae algunos elementos de los cómics que nunca pensé que hubieran sido representados en la pantalla y ESTOS. FUERON. EXCELENTES.

Sorpresas en abundancia: Lo más frustrante de escribir una reseña para Spider-Man: Far From Home es que lo mejor y lo más interesante de la película está básicamente fuera de límites. Simplemente no sería correcto para mí revelar algunas de esas sorpresas. Así que trata lo más humanamente posible por entrar frío. Estarás content@ de haberlo hecho.

Los post-credits: Aunque Marvel Studios ha sido reconocido parcialmente por sus escenas durante los créditos, esas escenas son, por su propia existencia, raramente esenciales para la experiencia. Si quieres levantarte y salir cuando los créditos comiencen a rodar, puedes hacerlo. La gente te mirará raro, pero puedes hacerlo. Pero en Spider-Man: Far From Home, el estudio le da al público dos de las escenas más importantes hasta ahora en MCU, las cuales apuntan a la dirección del personaje y el resto del universo durante la próxima fase de MCU. Lo dejaremos ahí.

Lo malo

Un poco de amor en la sala de edición: Uno de los inconvenientes grandes de la película es que hay veces en las que parece que la historia quiere moverse más rápido de lo que la película lo permite. Lo que quiero decir con esto es cómo algunas escenas no cortan cuando se supone, aunque no hay nada necesariamente malo dentro del contenido de la escena. Es una película que solo necesitaba unas cortaditas para tener el pacing al 100%.

Tienes que ver Endgame: Después de la apertura, Far From Home tiene una escena increíble que trata las consecuencias de Endgame, y es esencial para toda la franquicia moviéndose hacia películas que se avecinan al igual que explica las consecuencias de todos los efectos del snap de Thanos. Pero el problema es que para aquellos que vieron Homecoming y no fueron a ver Infinity War y Endgame (y dudamos que sean muchas ya que ambas recaudaron sobre $2 mil millones individualmente) van a estar bastante perdidos porque la película asume que viste las anteriores. Lo mejor sería tener un poquito de refresher y entrar de lleno con ese conocimiento.

Como el final oficial de la tercera fase del MCU, Spider-Man: Far From Home afina lo suficiente la sensación de acción épica que esperábamos este verano, así como acabarla con ese tono jocoso que el personaje ha sido reconocido desde que apareció en Amazing Fantasy #15 en el 1962. Gracias a la rapidez con la que se inició la supuesta fatiga de los superhéroes en el cine, esta secuela triunfante demuestra que todavía hay emoción e imprevisibilidad en un género que seguimos pensando que hemos terminado con él.

Rating: A-

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MovieRankings: Las mejores y peores películas del 2019 hasta el momento

Los primeros seis meses del 2019 ya son historia, así que es hora de volver la vista atrás para relucir lo mejor y lo peor del año hasta el momento. Desde tramas creativas, expansiones de universos y cosas que... pues no fueron necesariamente tan buenas. Con el propósito de celebrar la mitad del año, nosotros en MovieRican decidimos hacer una lista de nuestras películas preferidas y no tan preferidas del año hasta el momento con nuestro editorial MovieRankings.

Aunque todavía nos falte la segunda mitad que incluye películas como Spider-Man: Far From Home, The Lion King, Once Upon a Time in Hollywood, IT: Chapter 2, Frozen II, Star Wars: The Rise of Skywalker y otras que seguramente estarán nominadas para los Óscars, entendemos que ya tenemos material suficiente para componer una lista de este calibre. Como todo MovieRanking, estas fueron escritas en un papel por cada integrante y se les hizo un ranking usando promedios, convenciendo y chantajeando uno al otro. La lista es nuestra sincera opinión y no la lista definitiva de todos los tiempos. Sabemos que hay personas que tendrán opiniones diferentes y eso está más que bien porque todas las películas son subjetivas. Para los curiosos, encima de cada título, les dejamos o la reseña o mini-reseña de cada una por si quieren adentrarse más hacia por qué nos gustó/no nos gustó tanto la película.

Empecemos con las peores:

Las peores

Menciones de deshonor (hasta el momento): Greta, The Intruder y Brightburn

5. Captive State



¿Recuerdas que esta película salió este año? Nosotros tampoco hasta que fuimos por el calendario. Captive State no solo fue una decepción a nivel financiero, sino también una decepción a nivel narrativo. La película está demasiado centrada en su premisa en lugar de la historia y sus personajes.
Con demasiada frecuencia, esta tiene la sensación de uno empezar un programa de televisión en la sexta temporada donde entendemos el conflicto, pero no conoces a ninguno de los personajes ni sus motivaciones. De Captive State haber sido una miniserie en Netflix/Hulu/Amazon Prime/HBO y tener más tiempo en desarrollar a sus personajes para así entender quiénes son, de dónde vienen y cuáles son sus motivaciones, quizás hubiese triunfado y ser un exitazo. Desafortunadamente, fue más una pérdida de tiempo que cualquier otra cosa.

4. Dark Phoenix

Si tenemos que describir a Dark Phoenix de alguna manera es que es una tormenta perfecta de inutilidad. La película no solo tambalea en cuanto al pase de batuta entre generaciones y no logra avanzar de manera significativa la historia general de la serie, sino que también parece que no lo intenta hacer de ninguna manera. No solo destruye el arco narrativa del material de origen, sino que también hace todo lo posible para aplanarlo. No solo desperdicia un reparto excelente con un guión que reduce a todos sus personajes a sus formas más básicas, sino que también los pone a merced de un director novato que ni siquiera sabe cómo hacer que se vean bien. La franquicia de X-Men ha sido una dónde las altas han sido bien altas y las bajas bien bajas, pero es hasta más triste ver y pensar que su película final será la más baja de todas.

3. Hellboy

En teoría, hacer un reboot de Hellboy no era una mala idea. Había pasado suficiente tiempo desde el lanzamiento de las de Guillermo del Toro, contrataron al director de varios de los episodios más grandes de Game of Thrones y The Descent al igual que a David Harbour de Stranger Things para interpretar al demonio, todo bajo la aprobación del creador del personaje, Mike Mignola. En retrospectiva, esta reboot es basura y tener que pensar en que algún día volveré a ver esta película es mi idea de un infierno personal. Es igualmente aburrida, repetitiva, inentendible, poco interesante y un dolor de cabeza que se siente como la fantasía de un niño de 12 años sobre cómo una película clasificada R debería ser. De lo poco positivo que podemos hablar de esta película es que Harbour es un buen Hellboy y que el maquillaje quedó nítido. Eso es todo.

2. Serenity

¿Sabes de ese decir que dice "Si parece a ______ y huele a ______, probablemente es ______"? Alguien tuvo que haberse transportado del futuro, haber visto Serenity, volvió al pasado y se inventó ese decir a base de esta película. Por más que Matthew McConaughey y Anne Hathaway tratan de meterle pepa (y funcionaron como protagonistas en Interstellar), el guión no tiene norte en lo absoluto. La premisa no tiene mucho sentido, como la dirigen parece una película direct-to-DVD, pero el pecado más grande que tiene es el twist. ¡Wow! Si trataron de recontextualizar la película con eso, fue un fallo masivo porque lo único que hizo es traer más preguntas tal como "¿Quién aprobó que esta película fuese distribuida al público general?" y "¿Qué le habrán sacado a McConaughey y Hathaway para aceptar aparecer en ella?".

1. Escape Room

La mejor manera de describir esta película es Saw Jr. Algunos sets están interesantes y por lo menos Taylor Russell hace un papel super aceptable. Aparte de esto, Escape Room es poco original, predecible y con personajes super estereotipados que parecía que los libretistas nunca han tenido una conversación con otras personas. Escape Room (más precisamente un laberinto de asesinatos, pero whatever) es como el hijo bastardo de las películas de rompecabezas de la década de los 90 tipo The Game y Cube con pistas colocadas de forma fortuita, las epifanías no secuenciales y la claustrofobia sofocante. Al igual que con cualquier otra fórmula bucal para superar su coeficiente intelectual, a Escape Room le gusta invocar conceptos intelectuales para parecer inteligentes. El que cita es el Efecto Quantum Zeno, que en este contexto de cultura popular significa que un sujeto observado nunca cambia. El postulado es correcto: el ver esta película múltiples veces confirmarán que Escape Room sigue siendo mala y, que al paso que va, es la peor película del 2019.

Las mejores

Menciones de honor (hasta el momento): Shazam!, Yesterday y Fighting With My Family

5. Us



Us tiene la maldición de ser la película que le sigue a Get Out que tomó a todo el mundo por sorpresa (incluyéndonos) y trajo a la luz a Jordan Peele como el nuevo mastermind de películas de horror tipo Alfred Hitchcock. Dicho esto, la película es una bien interesante. Peele demuestra que es tan fuerte como siempre cuando trata de lanzar algún subtexto bajo el disfraz de una película de terror divertida. En este caso, nos está pidiendo que miremos nuestros propios males, no el de los "otros". La villanía que se muestra aquí no es un psicópata con máscara, un fantasma enojado o un demonio de ensueño. Eres tú. Cuando se trata de la configuración y el tono de esta película, Peele definitivamente nos ofreció una atmósfera emocionante y, a veces, extraña, de principio a fin. Si bien puede ser discutible sobre si esta película es más un thriller o una de terror, absolutamente tenía la capacidad de mantener al público en alerta.

4. How to Train Your Dragon: The Hidden World

Cuando se trata de acabar una serie como How to Train Your Dragon (una que nosotros consideramos como una de las mejores trilogías de todos los tiempos), se supone que debe hacer dos cosas muy importantes: cerrar la historia de una manera completa y efectiva, y presentar algo nuevo y emocionante para entretener a los fanáticos y aumentar el interés de aquellos que nunca han visto una. El escritor/director Dean DeBlois lo sabe, ya que pasó por dos borradores antes de aterrizar en el que finalmente se convirtió en Hidden World. Ese tiempo y escrutinio dieron resultado, ya que DeBlois llegó a contar una historia de primera que logra ambas cosas mencionadas anteriormente, y lo hace sin fallarle a todo lo que vino antes en la franquicia. Para una serie que nunca ha tomado un atajo, y siempre se recuerda tocar los ritmos emocionales correctos sin manipular a su audiencia, este gran final no se aleja de esa tradición. La acción sigue siendo emocionante, las risas siguen siendo conmovedoras y un poco descaradas, y cuando esté por acabar, probablemente vas a llorar.

3. Rocketman

Ser la siguiente película biográfica centrado en un músico de los 1970s después del exitazo de Bohemian Rhapsody (la cual nosotros incluimos en nuestras preferidas del 2018) suena extremadamente difícil. Rocketman lo llegó a hacer y sobrepasó todas las expectativas que tuvimos de ella. Anclada por una actuación espectacular de Taron Egerton, Bryce Dallas Howard, Jamie Bell y Richard Madden, Rocketman saltó de la pantalla a nuestros corazones al no seguir los tropos típicos de un biopic mostrar realmente los altibajos de la vida de Elton John. Pero lo que de verdad la hace relucir es la presentación de realismo mágico al mismo tiempo que presenta elementos de realismo mágico para realmente distinguirla de otros biopics.

2. Avengers: Endgame

No vamos a mentir, Avengers: Endgame es una película pesada. Carga con la narrativa 21 películas anteriores, alrededor de 36 personajes principales y las expectativas del público que decir que estaban por las nubes es un eufemismo. Dicho esto, los cineastas le dan un buen uso a cada segundo de su tiempo de ejecución de tres horas. Endgame tiene la dicha que Infinity War no tuvo y eso es que puede concentrarse en los seis Vengadores originales (Downey, Evans, Hemsworth, Ruffalo, Johansson y Renner), lo cual la ayuda equilibrar sus arcos de personajes tan bien que es como si cada héroe tuviera una película individual dentro de ella. Incluso, los actores dan algunas de sus mejores actuaciones en el MCU al ponerle sus almas y corazones a esta película. Además del drama, la película ofrece un espectáculo de superhéroes nunca antes visto en una película de superhéroes (especialmente esa última hora/acto). Con esta actuando como la conclusión del MCU hasta el momento, cada héroe tiene un momento para brillar y unirse a la diversión. Algunos de estos momentos son al servicio de los fanáticos que le han dedicado tiempo y cariño a estos personajes. Pero después de once años y 22 películas, Marvel se ha ganado esto, y todo se suma a la naturaleza épica Endgame.

1. Toy Story 4



De más está decir que entramos nerviosos a ver esta película. ¿Cómo diablos iban a seguir estirando el chicle de una manera que tenga sentido y que no manche el legado de la franquicia tipo Indiana Jones (tres películas excelentes y una media floja)? Todavía no entendemos como, pero Pixar lo logró. Logró hacernos entender que sí había más historia para minar, que sí habían más personajes interesantes dentro de ella y que sí habíamos visto un final, pero no EL final de la historia de Woody y Buzz. Para nosotros, esta cuarta entrega demuestra ser una conclusión mucho más convincente que hace que todos los personajes tengan el final que se merecen, lo cual la hace una experiencia de cine totalmente divertida para todas las edades, incluso para los chiquillos más inquietos. Toy Story 4 es completamente digna del nombre y el legado que trae la franquicia en general y logra superar todas las expectativas al infinito y mucho, mucho más allá.

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Reseña de Toy Story 4: Más allá del infinito

Cuando estrenó en el 1995, Toy Story fue el primer largometraje de Pixar, que se estaba convirtiendo en una potencia en las películas animadas que rivalizaba al propio Ratón. Aunque Pixar es bien conocido por sus películas originales, Toy Story es la propiedad más venerable del estudio, ya que toda una generación de jóvenes creció viendo a Woody, Buzz y Andy. Después de Toy Story 2 en el 1999, y un capítulo "final" en el 2010, Pixar vuelve a retomar la premisa de que los juguetes cobran vida en Toy Story 4. Aunque Toy Story 3 concluyó la historia del tiempo de los juguetes con Andy, la película terminó con él pasando sus juguetes a la joven Bonnie, y su propósito fue renovado. De más está decir que esta tiene suficiente corazón y humor para darnos una aventura digna con Woody y la pandilla, explorando temas difíciles a través de juguetes nuevos y viejos.

Woody (Tom Hanks), Buzz (Tim Allen) y la ganga ahora le pertenecen a Bonnie (Madeleine McGraw), quien juega con la gran mayoría de ellos, excepto Woody, que tiende a quedarse dentro del armario. Sintiéndose fuera de lugar, Woody decide ayudar a Bonnie en su primer día de kindergarten, donde esta crea un juguete nuevo, Forky (Tony Hale), compuesto por materiales que encontró en el salón de clases. Bonnie ama a Forky, por lo que Woody quiere asegurarse de que Forky esté ahí para Bonnie como él estuvo para Andy, pero este se ve a sí mismo como basura literal y sigue descartándose. Durante un roadtrip, Forky decide arrojarse por la ventana. Es aquí cuando Woody decide rescatarlo, pero en su camino de regreso, se encuentran con Bo Peep (Annie Potts), la vieja llama del vaquero que vive felizmente como un juguete perdido. Bo Peep acepta ayudar a que Forky vuelva con Bonnie, pero estos tienen que lidiar con Gabby Gabby (Christina Hendricks), un juguete que tiene la tienda de antigüedades donde Woody y Forky se separaron.

Lo bueno

El cierre de la historia de Woody: Si realmente te sientas a pensar, las tres películas de Toy Story son indirectamente la historia de Andy a través de los ojos de sus juguetes a medida que crecía, maduraba y dejaba atrás las cosas que lo ataba a su niñez. La cuarta entrega es realmente la historia de Woody y cómo se relaciona completamente con lo que ha aprendido a lo largo del camino. El vaquero ha sido ferozmente leal a cualquier niño al que pertenecía, así como a los otros juguetes. Sin ponerle demasiada importancia, Toy Story 4 le permite a Woody y Bo Peep dialogar sobre si eres más o menos un juguete, o un ejemplo más feliz o más triste de un juguete, si tienes el nombre de un niño garabateado en la parte inferior de su pie. Su relación incluye las preocupaciones de otros personajes, todos los cuales están lidiando con la naturaleza frente a la crianza, y si el sentido del propósito es algo que uno encuentra o acepta después de que la sociedad se lo da. Super maduro, ¿no? ¿Qué más esperar de esta franquicia/estudio?

Los juguetes nuevos: Esta cuarta entrega rompe con tradición en el sentido de que se centra mucho más en los personajes nuevos en lugar de los que hemos conocido y encariñado durante el último cuarto de siglo (salvo Woody, Buzz y Bo). Dicho esto, todos son geniales. Forky y Duke Caboom se roban el espectáculo, sin duda gracias a las interpretaciones de voz de Tony Hale y Keanu Reeves (quien está teniendo un 2019 super nítido). Mientras tanto, Hendricks le brinda un balance de amenaza y vulnerabilidad a Gabby Gabby, dándole vida a la "villana" más humana dentro serie. Keegan-Michael Key y Jordan Peele (sí, ese Jordan Peele) son extragraciosos como Ducky y Bunny, y le dan a Toy Story 4 muchos de sus momentos más divertidos. En su totalidad, la película confía en sus personajes recién llegados más que en su reparto, con la excepción de Hanks, Allen y Potts, pero es un elenco adecuado para hacer que estos personajes animados brillen en la pantalla.

La animación: Vamos a dejar esta sección lo más corto posible porque seguir diciendo/escribiendo que Pixar sigue rompiendo las barreras en la animación hasta aburre. Solo para que entiendan el panorama entero, hazte un favor y siéntate a ver la primera película de Toy Story y luego compara lo que estás viendo con esta. Hubo un punto en esta que hasta dudamos si estabamos viendo una película de muñequitos porque parecía que algo que vemos todos los días. No sabemos si el estudio tiene talento de primera o le vendieron el alma al diablo para tomar 1,000 pasos hacia adelante, pero que continúen haciédolo.

Emocional + graciosa: Después de un prólogo lleno de emociones, la película, al igual que muchas dentro de Pixar, entiende como balancear las diferentes emociones siempre y cuando estén en servicio de la historia. Toy Story 4 nunca pierde de vista su núcleo emocional a costa de una broma, lo que hace que el humor constante sea un acto de equilibrio tan impresionante en el que puedes tener una tensión dramática entre Woody y Bo y luego cortar a Bunny y Ducky explicándoles cómo se llevarán enredados a una señora de la tercera edad.

Lo malo

Como usan a la ganga vieja: i hay algo que sí nos tomó por sorpresa fue lo poco que usaron a Jessie, Bullseye, Rex, Hamm, Slinky y los Potato-Heads. Aunque entendemos el porqué decidieron hacerlo así (la historia de ellos fue terminada en Toy Story 3 junto a la de Andy y quizás no tendrían que aportar tanto a esta), nos hubiese gustado un poquito más de tiempo con ellos porque, de nuevo, son personajes que hemos conocido y nos hemos encariñados con ellos.

Como tal, Toy Story 4 es una visita obligada para los fanáticos de Pixar, especialmente para los fanáticos de esta franquicia, incluso aquellos que pensaron que Toy Story 3 tiene el mejor final de la serie (lo cual tienen todo el derecho para pensarlo). Para nosotros, esta cuarta entrega demuestra ser una conclusión mucho más convincente que hace que todos los personajes tengan el final que se merecen. Lo último de Pixar es una experiencia de cine totalmente divertida para todas las edades, y en una hora y 40 minutos, no es demasiado larga, incluso para los chiquillos más inquietos. En una temporada de verano llena de películas que no están a la altura de su potencial (Godzilla, Dark Phoenix y Men in Black siendo los ejemplos más grandes), Toy Story 4 logra superar las expectativas al infinito y mucho, mucho más allá.

Rating: A+

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Reseña de Men in Black: International: Neuralizante

La película original de Men in Black fue un producto de su época cuando se lanzó en el 1997: una idea genial de que se basó más en la personalidad de Will Smith para el héroe de acción y su opuesto total en Tommy Lee Jones que en la construcción del mundo con mucho éxito. Después de dos secuelas con rendimientos decrecientes (crítica y financieramente), la franquicia está recibiendo el tratamiento de reavivamiento con Men in Black: International. La cuarta entrega de la franquicia trae un nuevo equipo creativo y un nuevo dúo para intentar una nueva versión de la idea original de la franquicia. International tiene algunos ajustes modernos a la premisa de la franquicia, pero hasta ahí.

Molly (Tessa Thompson) ha sabido que existen extraterrestres desde que vio a sus padres ser neuralizados por un par de trajes oscuros como una niña, una obsesión de por vida que la lleva directamente a los MIB. Como la primera civil en encontrar a la agencia defensora de la galaxia por sí misma, Molly es reclutada por la Agente O (Emma Thompson). Apodada Agente M , esta es enviada a la división de Londres supervisado por High T (Liam Neeson). Ahí está ella, junto con H (Chris Hemsworth), que una vez salvó al mundo del Hive, pero desde entonces se ha convertido arrogante y torpe. Durante una simple misión de que salió mal, H y M accidentalmente tomaron posesión del arma más poderosa de la galaxia, un elemento que muchas personas están dispuestas a matar, incluso un posible topo dentro de los Men in Black.

Lo bueno

El dúo: Después de trabajar juntos en dos películas del Marvel Cinematic Universe, Thor: Ragnarok y Avengers: Endgame, Chris Hemsworth y Tessa Thompson han demostrado tener una gran cantidad de química cómica, con una buena dosis de corazón. En Men in Black: International, están interpretando diferentes personajes, pero la química sigue ahí. La dinámica es bastante estándar: H es el agente imprudente, mientras que M de Thompson es una novata que sigue las reglas. Debido a que es una configuración más sencilla, es un poco menos interesante que la dinámica que tenían los actores como Thor y Valkyrie, y con la pareja reunida tan pronto, es difícil no comparar a H y M con sus contrapartes del MCU. Mientras Thompson y Hemsworth hacen lo que pueden con sus personajes, y hay momentos de buena graciosos y hasta tiernos, con demasiada frecuencia toma un asiento de atrás en las escenas de acción o para impulsar la trama hacia adelante.

Expandiendo el universo: La promesa que International cumple es la expansión de este universo. Donde las tres entradas originales se jugaron como batallas intergalácticas que tuvieron lugar únicamente en Nueva York, esta película recorre un mundo grande, saltando desde los Estados Unidos a Marrakech, Francia, Italia y demás que se nos hayan olvidado. Realmente apreciamos la forma en que esta película funciona para agregar profundidad al elemento humano; Nos recordó la forma en que las películas de John Wick siguen acumulándose en los mitos, prometiendo que hay más capas para explorar. 

Lo malo

F. Gary Gray: Cuando Gray fue anunciado como el director, nosotros pensamos que fue una brillante idea. El tipo que trajo Straight Outta' Compton Y la octava entrega de Fast & Furious (la cual a nosotros nos gustó), ambas llenas de energía a la pantalla grande. Para nosotros, esta contratación iba como pan con mantequilla, especialmente con una franquicia que estaba en un estado de coma. Desafortunadamente, no fue así. Gray toma la plantilla estética que estableció Barry Sonnenfeld en las primeras tres (un diseño de conjunto liso y monocromático en contraste con los efectos de criaturas grotescas y extravagantes) y la friega de todo lo que sea remotamente interesante. Nuestros héroes aún usan trajes a medida y lucen los emblemáticos Ray-Bans negros, y aún llevan armas brillantes y tremendamente enormes que destruyen mundos, pero cada cuadro parece desgastado, cansado, monótono, sin sentido. Gray hace un esfuerzo escueto por conjurar la cremallera original del mundo de Sonnenfeld en el que un grupo secreto de superagentes humanos que mantiene a la escoria alienígena en la línea, principalmente mediante el uso del puntaje inflable original de Danny Elfman siempre que sea posible, pero está más interesado en bombear esta película y recoger lo que le deben. 

Plagas narrativas: En lo que respecta a la historia, esta entrega sufre de los mismos dos problemas que acosan a la mayoría de los blockbusters de los últimos diez años: un MacGuffin apenas explicado y un villano sin personalidad que lo busca para dominar al mundo. Ciertamente no hay un giro brillante aquí como el insecto dentro de un traje humano de Vincent D'onofrio de la MIB original, y definitivamente no hay un "giro de galaxia en el cinturón de Orion". Sí existen algunos plot-twists, la mayoría de los cuales sabes cuales son al ver los trailers. En cambio, los extraterrestres antagónicos están representados por un par de alienígenas que cambian de forma, interpretados por Larry y Laurent. Bourgeois, el dúo de bailarines/modelos mejor conocido como Les Twins. Para ser claros, los hermanos Bourgeois son muy buenos para bailar, un talento que la película utiliza brevemente, ya sea que la escena lo requiera o no, pero en realidad no se les da a los personajes reales para que interpreten. Tienen líneas como dos líneas y apenas forman una amenaza para nuestros protagonistas, todo por un arma que casi no conocemos. Nada de esto es particularmente terrible, pero después de docenas de Tesseracts, Mother Boxes y All-Sparks, es el mismo sabor de mantecado del que hemos estado recibiendo por años.

CGI: Los efectos especiales dentro de esta película son grandiosos entre bien impresionante y monstruosamente feos. Hay una foto de la luna que parece material de archivo y un CGI aproximadamente renderizada en la secuencia de persecución que parece estar cortando esquinas. Los villanos con patrones de galaxias que cambian de forma hacen de los oponentes formidables y de aspecto fresco, pero incluso gran parte de su potencial queda sin explorar. En fin, no es 100% terrible, pero se mantiene bastante 50-50 en cuanto a todos los efectos especiales dentro de ella.

No nos vamos a sentar aquí a decir que Men in Black: International es terrible, porque no lo es. Ahora, tampoco nos vas a ver decir que es buena. No trae absolutamente nada nuevo a la franquicia aparte de los actores y la expansión del universo, y eso es quizás el pecado más grande que tiene la película especialmente cuando tienen la oportunidad de hacerlo. Si has visto las anteriores y te gustan, probablemente te guste esta ya que es extremadamente similar a lo visto desde el 1997. Para un mejor disfrute de ella, mejor alquílala porque al haber salido del cine ya habíamos sido neutralizados por ella.

Rating: C

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