Reseña de Cruella: Perversa, malvada y cruel

Decir que me gustan las precuelas sería una mentira descarada ya que no es necesario explicar todo. Nosotros, como público, no necesitábamos saber cómo Han Solo consiguió su pistola y/o sus dados, o cómo Hannibal Lecter consiguió su gusto por la carne humana, o incluso cómo los simios consiguieron el control del planeta. Algunas cosas simplemente son lo que son cuando se presentan en la pantalla grande. Y no es que algunas precuelas no varíen de buenos a excelentes (la mitad de The Godfather Part II es una precuela y es una de las mejores películas de todos los tiempos), pero nuevamente hay cosas que es mejor no decir. Entonces, cuando Disney anunció una precuela de una de los villanas más crueles del cine de todos los tiempos, Cruella de Vil, puedes imaginarme diciendo "¿por qué, Dios? ¿Por qué?". Sin embargo,  Cruella me entretuvo bastante gracias a las actuaciones de sus dos estrellas y algunas extrañas rarezas.

Estella (Emma Stone) anda con sus amigos/cómplices en robos Jasper (Joel Fry) y Horace (Paul Walter Hauser), pero sueña con convertirse en diseñadora de moda. El día de su cumpleaños surge una oportunidad cuando esta consigue un trabajo de baja categoría para the Baroness (Emma Thompson), una experta en moda con una racha mezquina y un ingenio mordaz. Estella finalmente impresiona a su jefa con diseños elegantes, lo que le permite abrirse camino en la empresa. Sin embargo, después de descubrir una conexión oculta entre la baronesa y su difunta madre, Estella vuelve a dar rienda suelta al lado salvaje al punto de la psicopatía. Al cambiar su pelo al icónico blanco y negro dividido por la partitura, ella adopta el nombre y la personalidad de Cruella de Vil, y hace todo lo posible para arruinar a su ahora rival tanto profesional como personalmente.

Lo bueno

Emma Stone: En algún momento, tenemos que dejar de subestimar el talento de Emma Stone. Sí, ella es genial en comedias y dramas, e incluso tiene un Oscar en casa y tres nominaciones. Pero cada vez que hace un gran trabajo, nosotros, como público, quedamos "sorprendidos" de repente como si Stone nunca hubiera tenido un buen desempeño en su carrera. Incluso yo caigo en esto al recordar haber visto The Favourite y estar realmente sorprendido de que ella pueda interpretar a una persona rencorosa y terrible. Así que al entrar en Cruella, me encontré, una vez más, subestimando su talento sin una buena razón. Y permítanme decirles esto: es fantástica en el papel, ya que brilla al expresar ambas personalidades de la misma persona. Stone encuentra lo fabuloso en escupir insultos venenosos mientras usa alta costura y llama a todo el mundo “querid@” arrastrando las vocales y sobrepronunciando la "r" en la misma conversación. Su transición de chica buena a Cruella de Vil es honestamente fantástica y es una de las razones principales por las que esta película funciona.

Emma Thompson: Cuando una película le pide a la audiencia que apoye a un personaje principal que hemos conocido como un/una villan@, tiende ser difícil hacerlo ya que sabemos las acciones que tomará en algún momento de su futuro. Para que no lo olvidemos, en todas las adaptaciones de los libros de Doddie Smith,  Cruella secuestró a 99 cachorros dálmatas para despellejarlos y hacerse un abrigo de piel para ella verse bien. Ella no es exactamente un amor y/o encantadora. Entonces, cuando centras toda tu película en ella, la película tiene la tarea de hacer que su antagonista sea aún más mala o, al menos, mantenerla al nivel de Cruella. ¿Y quién mejor para conseguir que Emma Thompson como la baronesa? En las mejores escenas de la película, Stone y Thompson se enfrentan cara a cara, lo que recuerda mucho a The Devil Wears Prada. Ambas actrices son excepcionales aquí: duras, feroces y oscuramente divertidas. Thompson, por su parte, le da a la baronesa una cualidad profundamente narcisista que la hace despreciar casualmente a cualquiera que considere indigno, es decir, todos y sus respectivas madres. Entonces, cuando ambos personajes entrenan, los fuegos artificiales se encienden. Ninguno de los dos rehuye hacer que su personaje sea repugnante. Thompson parece que está pasándola bien filmando esta película, disfrutando de cada escena en la que se encuentra.

Sin explicaciones exageradas: Sorprendentemente, esta película se aleja de las explicaciones exageradas que las precuelas tienden a sufrir. Una vez más, no hay necesidad de explicar por qué una persona es malvada, hace cosas malvadas o por qué se ve como se ve, al igual que Disney hizo con Maleficent (está en el nombre, muchachos). Si bien hay momentos en los que explican de dónde viene su automóvil, de dónde se inspiró el nombre de "Cruella de Vil" y por qué su cabello es como es, esta película lo hizo sentir lo más orgánico posible y mantuvo su curso en la manera en que contó su propia historia. Nunca se sintió como un "estamos preparando todo para 101 dálmatas"; solo montaron a Cruella y su pandilla. Eso es todo. Por supuesto, hay guiños a esas películas (incluso la ex actriz de Cruella, Glenn Close, es una de las productoras de la película), pero no te golpean en la cabeza con esas referencias. Fue un buen soplo de aire fresco en términos de cómo lo hicieron. 

La estética punk: Combinado con excelentes decorados y vestuario, Cruella tiene un estilo que hace que la trama cobre vida. La película está en constante movimiento, llevándote a este mundo donde dos mujeres formidables, y francamente detestables, chocan. Todo está interconectado. Una de las mejores escenas, por ejemplo, encuentra un camión de basura depositando una carga de basura en la calle frente al evento de moda de la baronesa. Con la melodía de Should I Stay or Should I Go? de The Clash, Cruella sale de la basura, saltando sobre el camión mientras se aleja para revelar que la basura es en realidad un vestido increíblemente largo y cosido. Grandes "momentos" como ese abundan en la película, donde la actuación, las imágenes, la música y el vestuario se mezclan en algo audaz y emocionante.

Lo malo

Sobredosis de música: Hay una gran diferencia entre mezclar música de manera efectiva en la película y simplemente presionar reproducir y esperar que funcione. Si se hace bien, obtendrás lo que hizo James Gunn con Guardians of the Galaxy donde se siente orgánico. De hacerlo incorrectamente, obtendrás un video musical convertido en película como Suicide Squad. Esta película, por alguna razón, hace ambas cosas. La música de los setenta funciona el 60% del tiempo, como en la escena mencionada anteriormente y al final cuando tocan Sympathy for the Devil de The Rolling Stones. Pero luego, llegas al punto en el que interpretan Car Wash de Rose Royce, donde se siente completamente fuera de lugar con lo que está sucediendo en la película. Y no sucede solo una vez. En lugar de seleccionar los momentos en los que pueden usar canciones, parecía que la película se olvidó de apagar su playlist de Spotify de la década de 1970. De haber cortado como 5-6 canciones que se usan en la película, podría haber estado a la altura de Guardians y muchas de las películas de Scorsese y Tarantino en términos de uso de soundtracks. Desafortunadamente, lo que obtuvimos fue una sobredosis de canciones. 

Los perros a computadora: "¿Cuán caros los entrenadores de animales?" "¿Qué pasó con el uso de animales reales en el cine?" "¿Había alguien alérgico a perros entre el elenco y la producción?" Estas son en gran medida las preguntas que hice mientras miraba a los perros en esta película. Entiendo muy bien que la producción no quiera ponerlos en peligro, pero hay una diferencia entre estar seguro y verse increíblemente fuera de lugar (y esto viene de alguien a quien le gustó Call of the Wild). Los creadores de esta película decidieron que todos los perros de esta película serán generados por computadora... para cada escena... incluso si solo están sentados en el suelo. Esta decisión es algo desconcertante porque claramente se ven fuera de lugar en el frame. Nosotros como público estamos muy conscientes de cómo se ven los perros y sus respectivas expresiones ya que son animales muy comunes en nuestras vidas. Entonces, cuando los conviertes en criaturas generadas por computadora que interactúan con los humanos, sabemos que es falso. Si se usara solo para escenas en las que un perro hubiera tenido que hacer una acrobacia, como saltar de un acantilado o bajar por un río, entendería la decisión. Pero sentarse al lado de una persona que te da una señal visual de "Una de estas cosas no es como la otra", es discordante. Supongo que cuando tienes un presupuesto de $200 millones, puedes salirte con la tuya.

Lo feo

La duración: A pesar de todas las cosas buenas y no tan buenas que tengo que decir sobre esta película, lo peor que tengo que decir es que es un poco lenta. No solo tenemos un prólogo de 15 minutos que es demasiado largo para su propio bien, sino que todavía nos quedan dos horas más. Podrías haber recortado unos 30 minutos de esta película (que también incluiría algunas de las canciones que no se mezclan bien con lo que está sucediendo en la pantalla), y Cruella podría haber sido una experiencia mucho más ordenada.

Cruella tarda demasiado en empezar y 135 minutos es demasiado para este tipo de cosas. Esos factores,  al igual que perros a computadora y la sobredosis de música innecesaria, la frenan un poco de llevarla a otro nivel. Independientemente, las dos Emmas son magníficas, y al hacer la historia un poco más "edgy" en comparación a otra película del mismo estudio es una buena desviación de lo que esperaba. Cualquiera que anticipe una oferta de Disney absolutamente limpia se sorprenderá de cómo la película se deleita con la maldad. Sabemos que Cruella de Vil se convierte en una persona despreciable, por eso el tono se gana con sinceridad. Al igual que Joker, higienizar ese hecho sería hacerle un tremendo flaco favor. Me alegro de que Stone, Thompson, el director Craig Gillespie y su equipo tuvieran las agallas para mantenerse fieles a la legendaria villana. El enfoque es perfecto y la película es, en su mayor parte, perversamente divertida.

Rating: B

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Reseña de A Quiet Place Part II: El silencio conquista nuevamente

No hay mejor sentimiento que una película que surge de la nada y sorprende a todos y a sus respectivas madres con lo buena que es. Sí, es agradable ver a nuestros personajes preferidos volver a la pantalla mediante secuelas y ver sus aventuras continuar, así como los reboots de historias familiares que se han contado varias veces. Pero son esas películas que tomaron a todos por sorpresa las que tienen el mayor impacto en las mentes colectivas de la audiencia. ¿El mejor ejemplo? A Quiet Place: una película con una premisa extremadamente simple (monstruos sensibles al ruido aterrorizan a una familia rural) que parecía un mata-tiempo en los cines que creó una experiencia como ninguna otra ya que la audiencia se convirtió en participantes activos ya que nadie quería hacer un pío para no afectar la forma de vida de la familia Abbott y/o sus mecanismos de autodefensa contra los monstruos. De hecho, puedo decir con certeza que esa película fue mi película preferida del 2018 y es una de mis películas de terror favoritas de todos los tiempos. Una vez que se anunció la secuela, las expectativas subieron considerablemente y con la pandemia desplazando las fechas de estreno de muchas películas que debieron haber estrenado el año pasado, siguió aumentando cada día que los cines no estaban abiertos. Con todo esto, estoy aquí para decir que la secuela está a la altura del original... pero bien raspa'o. 

La trama oficial de A Quiet Place Part II comienza minutos después de los eventos de la primera película. Los miembros sobrevivientes de la familia Abbott (Emily Blunt, Millicent Simmonds y Noah Jupe) abandonan su casa después de sobrevivir una emboscada de monstruos, ahora con el conocimiento de cómo derrotarlos, y su hijo/hermano recién nacido que necesita ayuda extra para mantenerse callado y no ser una carga sobre los demás. No muy lejos de donde viven, los Abbott se encuentran con dos cosas que cambian el juego: Emmett (Cillian Murphy), un amigo de la familia que sobrevivió los ataques iniciales de los monstruos y un sencillo de radio que transmite un loop de Beyond the Sea de Bobby Darin, que Regan cree ser una señal de otros supervivientes. Debido a esto, tanto Regan como Emmett intentan encontrar de dónde viene esa señal y quién la envía, mientras que Evelyn y Marcus se quedan atrás para proteger al recién nacido peligrosamente ruidoso.

Lo bueno

John Krasinski, director: Krasinski había dirigido dos películas antes de esta, la primera Quiet Place y una película independiente llamada The Hollars. Después de haber visto las tres películas, uno puede ver el progreso que ha tenido a medida que se convierte en un cineasta con más experiencia. Mientras que otros cineastas tienden a decir "Para la secuela, démosle a la gente lo que quieren multiplicado por diez mil. ¿Qué van a decir? ¿'Que no'?", Krasinski decide detenerse y sigue entendiendo que lo que hizo que la primera funcionara fue que se trataba de un drama familiar envuelto en una película de terror y construye la secuela en torno a eso específicamente. Al comprender que ambos elementos funcionaron la primera vez, el director comienza a comprender lo que ha hecho que las películas de Spielberg sean exitosas: el elemento humano dentro de eventos extraordinarios. No se trata solo de cómo los extraterrestres se van a comer tu cara si haces un sonido; en realidad nos importa si esta familia está lo suficientemente preparada para enfrentar un mundo que ya no entienden, si tanto Regan como Marcus están física y mentalmente maduros para lo que se les presentará en el camino después de los eventos que mataron a su padre en la primera película, si Evelyn puede proteger lo suficiente a sus hijos tanto material como emocionalmente sin la ayuda de su difunto esposo, etc. Estas son las preguntas que presenta Krasinski, no por un personaje hablándole directamente a la cámara que se siente de esa manera, sino por medio de "close-ups" largos en los que simplemente estamos hirviendo los pensamientos de los personajes mediante sus expresiones faciales. Si continúa construyendo sobre lo que aprendió de la película anterior y continúa entendiendo que hacer las cosas más grande no siempre es necesariamente mejor, John Krasinski tendrá una carrera como director muy larga y exitosa.

Millicent Simmonds: Si bien vamos a esta película por los sustos y los monstruos de aspecto atractivo, son los personajes humanos los que fundamentan todo el asunto. Y mientras Emily Blunt, Noah Jupe y Cillian Murphy hacen un gran trabajo en la secuela, es Millicent Simmonds como Regan quien continúa robándose el show. Obviamente, creció y maduró entre el rodaje de la primera y la segunda película, pero hay algo que decir sobre su maduración como actriz también. Hay una escena en particular que es desgarradora en todos los sentidos en la que se despierta sin su audífono. Solo esa escena, que dura aproximadamente tres minutos como máximo y en completo silencio, tiene más impacto y más que decir en cuanto a la misión de su personaje y lo que está sintiendo que cualquier escena de huida del monstruo llena de CGI. Ella fue una de las destacadas de la película anterior; ella es LA destacada en esta película.

El uso y ausencia de sonido: Aunque hay mucho más diálogo en esta película que en la primera, el uso y la falta de sonido aún funcionan de una manera escalofriante. La película continúa floreciendo en el silencio y lo desconocido con la mayoría de la película todavía proyectada en subtítulos mientras el diseñador de sonido Malte Bieler continúa extendiendo ese sentimiento inquietante en la audiencia, volviéndolos participantes activos de lo que está ocurriendo en la pantalla (por mi parte, yo solo ingería popcorn cuando la gente hablaba en la pantalla para no arruinar la experiencia de los demás con mi masticado extremadamente fuerte). Los momentos de terror se acentúan debido a esto a medida que se agregan a la película tramos más largos de silencio y construcción de escenas, por lo que la tensión burbujea poco a poco hasta que estalla por completo (mis felicitaciones al editor Michael P. Shawver por su trabajo aquí). Todo esto para decir, si disfrutó del aspecto comunitario de estar en el completo silencio de la primera, Part II hace su trabajo para continuar esa experiencia ... a menos que esté sentado junto a un masticador ruidoso o una persona que todavía piensa que una sala de cine es su sala personal.

El primer día: Desarrollar los orígenes de cosas que para todos los efectos son misteriosos tiende a ser complicado. Por cada "así es exactamente como los simios conquistaron la Tierra", obtienes un "C-3PO fue construido por Anakin Skywalker cuando era un esclavo de nueve años". En esencia hace que todo pierda valor y el aura que uno quizás le proyectó a ciertos personajes. Lo que intento decir es que una vez que abres la caja de Pandora, es difícil volver a cerrarla. Entonces, cuando los primeros 15 minutos de la película están dedicados al "día en que llegaron a la tierra", me preparé para lo peor. Con todo lo dicho, Krasinski como escritor, director y actor aún mantenía detalles sobre de dónde vinieron estos monstruos muy escasos, usando el flashback para esta escena y solo para esta escena. Este prólogo funciona como un cortometraje fantástico que tiene su propia configuración, acción ascendente y clímax incluso antes de que comience la película. Piense en ello como el aperitivo de la película que está a punto de ver, y qué delicioso aperitivo fue.

Lo malo

Secuel-itis: Sin revelar detalles, la película termina abruptamente, una tendencia que se está volviendo extremadamente común en los últimos años a medida que los estudios continúan planificando dos o tres películas para lo que será el "end game" para una posible franquicia. Y aunque muchas secuelas funcionan como un puente entre una primera y una tercera película por definición, hay algo que decir sobre lo irritante que es para una película detenerse en seco y simplemente lanzar los créditos. Si bien la primera película hace lo mismo, se sintió como una película completa e inteligente con un comienzo, un medio y un final. Part II tiene el problema de sentir que se detuvo justo en medio de su tiempo de ejecución, o unos 10 minutos antes de tiempo, haciendo metástasis en otro capítulo dentro de una franquicia que nos dirá cómo terminará... eventualmente. La primera entrega se sintió como un soplo de aire fresco en la pantalla grande. Este, aunque creo que es muy buena, se siente un poco más como un "checkmark" cínico en la lista de expansión de franquicia del estudio (también conocida como secuel-itis) que al menos estuvo bien pensada a lo largo de su desarrollo y ejecución final.

Como se mencionó anteriormente, A Quiet Place Part II es una secuela digna de su predecesor, aunque su ambición planificada hace que se quede un poco por debajo de las alturas de la primera entrega. Al mantener el enfoque de la historia hacia adentro a través de la pérdida experimentada en la primera película en lugar de expandirse deliberadamente hacia un mundo sin reglas, esta secuela triunfa donde muchas otras no lo hacen al poner a sus personajes primero. Puede que no sea o no se sienta tan fresca como el original, pero Part II se atreve a ir a lugares emocionalmente sin olvidar nunca el poder inductor de ansiedad que trae el silencio absoluto.

Rating: A-

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Reseña de Army of the Dead: Un aperitivo difícil de digerir bien

 

Para bien o para mal, sabes lo que obtienes cuando ves una película de Zack Snyder: una película demasiado larga, seria, en tono sepia y melancólica con un héroe en el centro que reflexiona mucho sobre lo que significa sacrificarlo todo con algunos imágenes interesantes. Pero él es esencialmente el The Last Jedi de los directores que trabajan hoy en día en el sentido de que no hay término medio; o te gusta o lo detestas hasta más no poder. Entonces, cuando Netflix vende a Army of the Dead, la nueva película dirigida, coescrita (e incluso filmada) por Snyder, como un híbrido entre películas de zombis y robos, uno pensaría que la película traería toda la diversión que esos tipos de películas que suelen traer. En esencia, el canal te promete en sus anuncios una mezcolanza entre Ocean's Eleven y The Walking Dead. Bueno, estoy aquí para decirte que sí cumple con esas promesas... hasta cierto punto.

En un futuro cercano, Estados Unidos ha repelido con éxito una plaga de zombis, con las pocas hordas supervivientes de muertos vivientes atrapadas detrás de un muro que rodea Las Vegas. El multimillonario Tanaka (Hiroyuki Sanaka), ofrece al cocinero/mercenario Scott Ward (Dave Bautista) cantidades increíbles de dinero si hace una cosa: realizar un atraco en la ciudad infestada de zombis y volver con vida. Ah, y hacerlo dentro de 96 horas antes de que el presidente bombardee la ciudad y todo lo que hay en ella. Para lograr su objetivo, Ward recluta a un grupo de mercenarios que se jugarán la vida y tratarán de regresar a casa antes de que los zombies y/o las armas nucleares acaben con sus vidas.

Lo bueno

El prólogo: ¿Qué mejor lugar para comenzar que al principio de la película? Los primeros 15 minutos de esta película cumplen la promesa que había compartido en todos sus trailers: acción loca tipo B-movie con una atmósfera tensa que obtendrías de una divertida película de zombies. Hecho posible a través de una exposición rápida, esta parte de la película establece las reglas básicas sobre qué y cómo surgió la amenaza y cómo hubo un brote en Sin City. Y luego, hay un montaje muy divertido de los asesinatos de zombis originales en rosa neón con música de Elvis Presley de fondo. Este comienzo fue suficiente para hacer creer a un escéptico lo que estaba ocurriendo en la pantalla en el sentido de que, sí, puedes ver el típico ciclo de la vida para los zombis (zombi mata persona, persona muere, persona revive como zombi, zombi nuevo se une a una comunidad de muertos vivientes, y comienza el ciclo nuevamente), sino también el precio que se cobra entre los supervivientes cuando intentan escapar de Las Vegas. El prólogo asegura que conozca la película en la que hizo clic para ver desde el principio. Desafortunadamente, no necesariamente cumple sus promesas durante su tiempo de ejecución.

Las reglas: Hoy día, muchas películas tienden a romper sus propias reglas que establecieron desde el principio. Ya sea que Tony Stark no necesita un reactor para vivir de Iron Man 3, Harry Potter no tiene los ojos verdes de su madre, o incluso Superman en realidad usando kryptonita para matar a Doomsday, aunque fue casi asesinado por Batman con él 20 minutos antes en Batman v Superman, a veces dejan caer la pelota (los ojos de Harry) o simplemente quieren que lo olvides para ellos "beneficiarse" y hacer la película llegar a un final "adecuado". Pero en contraste con su película del superhéroe, Snyder establece reglas en el ejército de los muertos y los mantiene vigente en toda la película. Establecer un reino de zombies alfa, que no solo son más inteligentes, sino más rápidos y reaccionarios, cómo admiten el paso a la ciudad, y lo que sucederá si rompe las reglas muestra un trabajo muy dedicado de Snyder y sus co-escritores, Joby Harld y Shay Hatten, para establecer tensión en toda la película. Aunque los zombies pueden estar más en vena con los de World War Z que otras películas, tanto Richard Cetrone como Athena Perample hacen maravillas con sus roles en su mayoría físicos como el rey y la reina de los no muertos respectivamente, ya que, curiosamente, interpretan a los personajes más "humanos" en la película. Entonces, cuando los humanos reales rompen las reglas, sabes que se ponen los huevos a peseta a medida que estos corren por los casinos con intenciones de sumar a su comunidad.

Lo malo

Snyder en exceso: Mientras intenta hacer una alegoría de los excesos encontrados en ciudades como Las Vegas, a Snyder realmente le gusta llegar a su camino cuando se trata de esta misma cosa. Al igual que su versión más completa de Justice League, no sabe cuándo renunciar y llamarlo un día y simplemente sigue sin ninguna razón. En casi dos horas y media, la película toma muchos desvíos, mientras que en la misión principal, lo que hace que se sienta más como un videojuego de Resident Evil que una película real. Tal vez esto se debe al enfoque práctico de Netflix al contenido que agregan a su plataforma, especialmente cuando se trata de los cineastas con prestigio que están atrayendo tipo Martin Scorsese y Alfonso Cuarón, pero la forma en que Snyder hace sus diferentes desvíos hace que la película solo pierde toda la urgencia que ya nos había prometido entre los zombies y las armas nucleares que están a punto de caer, lo que hace que la película pierda el impulso a mitad de camino. Si él, con todo el poder que le fue dado por el estudio y por sí mismo (dirigió, produjo, co-escribió y grabó su propia cinematografía), simplemente habría recortado varios aspectos aquí y allí, tal vez la película se encuentra a Posibilidad de entregar una película divertida. En su lugar, él decide sobreprometer y subestimar a su audiencia.

Para una película que debió haber sido una comida de cuatro platos de loqueras y sangre es solo un aperitivo de lo que vendrá cuando Netflix apostóo todo en esta futura franquicia con un par de programas de televisión alrededor de este universo. Comienza de forma fantástica, pero luego se desinfla cuando Snyder quiere que se centre en las cosas que podrían haberse beneficiado de ser cortadas durante la edición. En esencia, Army of the Dead es el equivalente a comer un half-rack de costillas en Chili's: puedes lamer tus dedos después de terminar, pero hay una gran posibilidad de que te quedaste con hambre por más.

Rating: C+

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Reseña de Mortal Kombat: La maldición de las películas de videojuegos sigue viva

 

Si hay un muro metafórico que la industria del cine no ha podido superar, es la atracción insuperable de querer hacer una adaptación de un videojuego y que los resultados sean bastante pobres. ¿Es porque las historias pueden ser un poco simplistas? ¿Es porque están escogiendo juegos que no tienen el "cross-over appeal" para una película? ¿Es porque la audiencia pierde la capacidad de tomar sus propias decisiones como lo hace con sus respectivos controles? ¿Quién sabe? Porque Hollywood todavía no tiene la respuesta a esto. Y no es que haya adaptaciones de videojuegos que van de lo aceptable a lo bueno, sino que la "ratio" entre las buenas y las malas está muy desequilibrada. Por cada Sonic the Hedgehog, Tomb Raider 2018 y Detective Pikachu hay seis películas de Resident Evil, Doom, Super Mario Bros, Street Fighter (excepto Raúl Juliá, quien realmente sabe en qué tipo de película está), The Legend of Chun Li y la terrible Assassin's Creed. Incluso Mortal Kombat del 1995, que muchos todavía consideran el estándar de oro de las películas de videojuegos, sigue la línea de ser "tan mala que es buena". Después de 25 años, Warner Bros decidió tirar los dados una vez más para llevar el legendario juego de lucha a la pantalla grande y a HBO Max con resultados decepcionantes.

En la película, el luchador de MMA Cole Young (Lewis Tan) desconoce el por qué un emperador de otra dimensión, Shang Tsung (Chin Han), ha enviado a su mejor guerrero, Sub-Zero (Joe Taslim), a cazar a su familia. Temiendo por su seguridad, Cole va en busca de Sonya Blade (Jessica MacNamee) al mando de Jax (Mehcad Brooks), quien también lleva la misma marca extraña de dragón con la que nació Young. Pronto, se encuentra en el templo de Lord Raiden (Tadanobu Asano), quien otorga santuario a aquellos que llevan dicha cicatriz. Aquí, Cole entrena con los guerreros Liu Kang (Ludi Lin) y Kung Lao (Max Huang) al igual que el mercenario Kano (Josh Lawson), mientras se prepara para enfrentarse contra los enemigos del Outworld en una batalla de alto riesgo por el universo.

Lo bueno

La estética: Si hay algo que me impresionó de la película es la estética que presenta. Como diseñador de producción, Naaman Marshall, que ha trabajado en varias películas de Christopher Nolan como The Prestige y The Dark Knight, ha traducido el escenario del videojuego a la pantalla grande. Ya sea que quiera que sintamos que estamos en la época del Japón feudal o incluso que ingresemos al templo de Lord Raiden, Marshall hace un gran trabajo para transportar a la audiencia en el espacio y el tiempo sobre cómo se ve el set. Para ayudar a llevar esas realidades a la mente de la audiencia, el diseño de vestuario de Cappi Ireland es genial. No solo da vida a estos personajes de una manera que tal vez el guión no lo haga (más sobre eso más adelante), sino que hace que las cosas que pueden parecer completamente ridículas de los juegos a la pantalla grande, como el sombrero de Kung Lao, se conviertan en armas de destrucción masiva cuando comienzan las luchas. Te recomiendo estar atento a estas cosas y seguramente apreciarás la película un poco más aparte de las peleas características del videojuego. Hablando de eso... 

La coreografía: Mortal Kombat es sinónimo de acción. Y, al igual que Godzilla vs. Kong, la película cumple la promesa de sus secuencias de acción. La coreografía en esta adaptación es realmente impresionante. Son escenas de acción al nivel de John Wick con ninjas y dagas de hielo voladoras. La intensidad de estas escenas se eleva cuando ves lo violenta que es en realidad. La calificación R en esta película no es un truco publicitario en la forma en que Zack Snyder's Justice League es R porque dice una mala palabra en particular dos veces. Ves sangre, ves calaveras, ves tripas, así que si te da aprensión ver ese tipo de cosas en la pantalla o si estabas a punto de llevar a tu hijo a ver esta película (allá cada papá / mamá con su hij@), puede que esta no sea la película para ti. Sin embargo, si aprecias un baile de puños y patadas hasta la muerte, Mortal Kombat te entretendrá mucho.

El primer acto: Aparte de lo establecido anteriormente, Mortal Kombat en realidad se siente como una película formal durante los primeros 30-35 minutos, ya que realmente entiende cómo configurar las cosas para avanzar la historia. Llegamos a conocer algunos personajes al igual que sus historias de fondo, deseos, necesidades e incluso personalidades en ese período de tiempo. Probablemente esto se deba a que está mucho más centrado en un conjunto de personajes que buscan respuestas ("¿Quién está cazando a Cole?", "¿Qué significa su cicatriz?", "¿Cuántos más tienen la cicatriz?", "¿Qué es Mortal Kombat?", "¿Qué tiene que ver todo esto con la escena de apertura?", etc). Es este primer acto el que invita a los fanáticos y cinéfilos casuales que lo más cerca a jugar un videojuego moderno es Pong a convertirse en participantes activos de lo que está sucediendo en la pantalla. Como audiencia, tienes la oportunidad de sentir lo que está en juego para estos personajes, su mundo y por qué todo lo establecido es importante. Desafortunadamente, todavía quedaban dos actos más y ahí es cuando la película se descarrila.

Lo malo

Primerizos: He aquí el problema con los directores y escritores novatos: nunca se sabe realmente qué esperar del producto final, ya que no hay antecedentes. Por cada Jordan Peele con Get Out y Bradley Cooper con A Star is Born (ambos escribieron y dirigieron sus respectivas películas), obtienes un director Simon McQuoid y el coguionista Greg Russo con Mortal Kombat. Nunca tienes una idea real de hacia dónde va la película o por qué están ocurriendo las cosas porque este combo solo supone que todos saben quiénes son Lord Raiden y Liu Kang, qué hace el sombrero de Kung Lao y cuál es la historia de fondo de Scorpion, entre otras cosas. Y digo esto porque hay muchas cosas que se omiten al ver la película. Cuando cuentas una historia, no puedes simplemente omitir cosas porque probablemente perderás a tu audiencia y aquí es donde este combo tiene problemas. Uno pensaría que el coguionista Dave Callaham, quien es el veterano de este grupo después de escribir películas como Wonder Woman 1984, Ant-Man e incluso la terrible Doom, ayudaría a guiar a estos novatos a la meta al construir una historia suficientemente sencilla para seguir. Pero claramente no compartió lo que aprendió en Doom, lo que te plantea mayores problemas en la película.

Lo feo

Del segundo acto en adelante: Una vez que ingresamos al templo de Lord Raiden, la película simplemente se cae por un precipicio en términos de historia. Esas preguntas planteadas durante el primer acto se olvidan a cambio del "oh, tan fantástico fan-service" porque esta película es "solo para los fans". Y eso no es un problema cuando se hace bien, ya que Star Wars: The Force Awakens y Avengers: Endgame son ejemplos perfectos de "fan-service" hecho correctamente ya que complace tanto a los fanáticos que son bien "hard-core" al igual que aquellos que son fans casuales y aquellos que entran sin conocimiento alguno de lo que van a ver plasmado en pantalla. Pero cuando SOLO se atiende a los fanáticos y no también se atiende a aquellos que, nuevamente, solo han jugado Pong una vez en su vida cuando eran más jóvenes, le estás haciendo un flaco favor a tu propia película. Sabes que lo has hecho mal cuando cada vez que hay una referencia a algo del videojuego, la cámara siempre hace un "close-up" al personaje que acaba de decir/hacer algo, lo que convierte esta decisión en el equivalente a "¿Viste fans? ¡Estamos a la moda! ¡Sabemos que querías esto y te lo dimos! ¡Porque nosotros somos "cool", tú eres "cool" y ambos somos "cool"!". Esto no solo degrada a los espectadores casuales que no tienen un conocimiento básico de la serie al mantenerlos a distancia, sino que también puede descarrilar el interés de los fanáticos casuales en el sentido de hacer la película de una lista de cotejos de cosas que simplemente TENÍAN que hacer de hacerlo sentir orgánico a la historia que estaban tratando de contar.

Cole Young: Cuando intentas reunir mucha información y construir un mundo en una película de dos horas, es bueno tener un personaje que sirve como avatar para que la audiencia experimente el mundo y sus matices a través de sus ojos. Pero, ¿qué pasa cuando tienes un carácter muy insulso al timón? Bueno, Mortal Kombat responde a esa pregunta a través del personaje de Cole Young, un personaje que bien podría ser un cero a la izquierda porque la película básicamente olvida que existe durante la mayor parte del tiempo de ejecución. Aunque la película comienza dándole a Cole algo de historia (buen padre y esposo, no sabe mucho sobre su pasado, luchador promedio, bajos ingresos), los guionistas simplemente deciden que están más interesados ​​en otros personajes como Sonya Blade o Kano que en aquellos en los que nos pidieron que invirtiéramos porque tienen habilidades "geniales" y una actitud sarcástica. Lo cual está bien, ya que necesitas expandir los jugadores dentro de este torneo. Pero una vez que ingresas al templo de Lord Raiden, Cole bien podría ser una pintura en la pared, ya que no se le ha dado ningún tipo de desarrollo durante unos 45 minutos. No es hasta que entramos en el último tramo de la película que recuerda que tiene que atar cabos sueltos con él, ya que lo habían introducido al principio. Y no culpo a Lewis Tan por esto; hizo lo mejor que pudo con lo que se le dio. Pero en una película tan llena de construcciones de mundos, historias de fondo, presentaciones, entrenamientos, peleas, etc, al menos podrías haber decidido elegir un personaje y hacer que la audiencia aprenda a cuidarlo cuando haya una gran revelación o En un momento climático con ellos, podemos sentir todo lo que están sintiendo, ya sea positivo o desgarrador.

Al igual que Godzilla vs. Kong, entré en esta película sin ninguna expectativa y estaba listo para divertirme con ella. Pero a diferencia de aquella película, los problemas evidentes de Mortal Kombat con un director y escritor primerizos que solo se enfocan en una lista de cotejo de cosas que solo complacerán a los fanáticos en conjunto con un protagonista que es el equivalente de ir a Baskin Robbins y pedir vainilla en lugar de contar una historia coherente para que todos disfruten mientras construyen el mundo y establecen las reglas en su interior realmente agrió la experiencia. Sí, la acción es espectacular y la estética que la rodea ciertamente salta fuera de la pantalla, pero eso no sostiene toda la película. Mortal Kombat es la primera decepción real del año y un recordatorio continuo de que las adaptaciones de videojuegos a películas todavía están malditas por ahora.

Rating: D+

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Reseña de Godzilla vs. Kong: Batalla de titanes

 

En casi noventa años de historia cinematográfica, no hay dos monstruos cinematográficos más famosos que King Kong, que debutó en el 1933, y Godzilla, que apareció por primera vez en el 1954. Invocar sus nombre es invocar asombro, esplendor, e incluso un tinte de horror en la memoria de las personas, ya que han destruido todo a su paso, desde Tokio, a San Francisco, a París, a Nueva York, entre muchos otros lugares del mundo (en el caso de Godzilla, incluso en el espacio, y haciéndolo ver cool en el proceso. Muchas películas de kaiju han intentado destronarlos a ambos; ninguno lo ha logrado. Y ahora, después de que Godzilla fuera adaptado por segunda vez por la industria de cine estadounidense en el 2014 y Kong regresara a la pantalla grande en el 2017, Warner Bros continuó el legado de estas criaturas míticas creando un MonsterVerse donde ambos compiten en una batalla extravagante en el acertadamente titulado Godzilla vs. Kong. Y si sabes en lo que te estás metiendo, te divertirás mucho. 

Las leyendas chocan entre sí cuando estos adversarios míticos se encuentran en una batalla espectacular, con el destino del mundo en juego. Kong y sus protectores emprenden un peligroso viaje para encontrar su verdadero hogar, y con ellos está Jia (Kaylee Hotel), una joven huérfana con la que ha formado un vínculo único y poderoso. Pero inesperadamente se encuentran en el camino de un Godzilla enfurecido, cortando una franja de destrucción en todo el mundo. El épico choque entre los dos titanes, instigado por fuerzas invisibles, es solo el comienzo del misterio que se encuentra en las profundidades del núcleo de la Tierra.

Lo bueno

El evento principal: Vamos a hablar claro aquí: el que viene a ver esta película viene a ver una pelea entre titanes que rugen hasta que las bocinas Dolby retumben con diferentes tipos de "smash", "booms" y "bangs". No hay duda de eso. Y, afortunadamente, esta película ofrece una deliciosa variedad de acción kaiju entre las criaturas de (probablemente) 4,000+ lbs. A lo largo de todas las peleas, particularmente la primera que es fantástica, la película realmente te hace sentir, no solo tan insignificante como una muestra de polvo, sino también claustrofóbico ya que te ponen en la posición de los humanos para de verdad mostrarte cuán grande son Godzilla y Kong en comparación a un edificio, un avión, o un tanque (algo que la película de Godzilla del 2014 intentó hacer y tuvo éxito aproximadamente 45% de su tiempo de duración). Es una emoción y un placer tener a ambas figuras legendarias luchando para revelar quién es el verdadero mandamás Ah, y en contraste con otra película de "vs" que Warner Bros lanzó hace un par de años, la película claramente presenta quién se lleva la corona. Cero empates, cero escenas tipo "Martha". Un ganador verdadero. Así que empieza a hacer tus apuestas.

Team Kong: Quizás leas esto y pienses "Ah, ¡este tipo ya está influenciado con esta mitad de la película porque le va a Kong!", que no podría estar más lejos de la verdad. Sin embargo, diré esto: el lado Kong de la película es la mitad más fuerte por mucho, ya que simplemente tiene los aspectos más interesantes. Sin entrar en mucho detalle, entre Kong tratando de encontrar un lugar al que pertenece, su relación con la joven Jia, y tanto Rebecca Hall como Alexander Skarsgard realmente estando activos en cuanto a la trama, te vuelves mucho más interesado en lo que está sucediendo y un poco irritado cuando la narrativa cambia de perspectiva (más sobre eso más adelante). Y tal vez eso tenga que ver con Kong solo tuvo una entrega en este universo en comparación con Godzilla que tiene dos y, por lo tanto, tuvieron que desarrollar mucho más al personaje y su elenco de apoyo que de por sí es completamente diferente al de Skull Island. Pero al final, funciona de manera coherente y más fácil de digerir e invertir en cuanto a lo que ocurre en la pantalla con ellos.

Junkie XL: Al igual que hizo con Zack Snyder's Justice League, el compositor holandés Thomas Holkenborg, también conocido como Junkie XL, le da a la película muchos de sus momentos grandiosos y emocionantes a través de su partitura musical al incorporar muchos sonidos metálicos en su composición. Aporta una seriedad muy necesaria, ya que a veces también se usa para comunicar cómo se sienten los personajes que no hablan, pero también se usa para mostrar cuán peligrosa es una situación en medio de una batalla a esa escala. Puede que no sea necesariamente el próximo John Williams (creo que Michael Giacchino probablemente tiene eso en la bolsa, ya que ha compuesto todo, desde Up, The Incredibles, Mission: Impossible, Star Trek, Spider-Man, y Doctor Strange, por mencionar algunas), pero Holkenborg parece de estar construyendo un repertorio que lo hará destinado a convertirse en el Hans Zimmer de esta generación, lo cual no es un mal premio de consolación.

Lo malo

¿Dónde está Godzilla?: Sin revelar demasiado sobre la película, el uso de Godzilla en esta película es muy similar a su primera aparición en esta franquicia, básicamente inexistente. Y aunque sí, Godzilla no es necesariamente el más expresivo de los kaijus en cuanto a lo que sucede en sus propias películas, habría sido bueno si la mayor parte de su lado de la película no se hubiera contado a través de su reparto de apoyo (de nuevo, llegaremos a eso más adelante). No estoy exactamente seguro si esto fue un flaco servicio para el proclamado rey de los monstruos, pero sí lo es para esta película que ya lleva su nombre en el título cuando solo puedes decir "Me gustó cuando Godzilla luchó" pero no puedes recordar lo que hizo por el resto de la duración.

Lo feo

Team Godzilla: Cuando tengas a Millie Bobby Brown (Stranger Things), Julian Dennison (Deadpool 2) y Brian Tyree Henry (Atlanta) como parte de tu elenco, será mejor que los uses bien. Como colectivo, son algunos de los miembros del elenco más talentosos del reparto y se utilizan como los humanos en representación de Godzilla, por lo que tienen que cargar mitad de la película cuando el lagarto gigante no está en la pantalla. Desafortunadamente, esta película no entiende esto y hacen que los personajes se sientan que están en otra película completamente en término de tonos. Pero el mayor pecado es que realmente no hacen mucho. Estos aparecen durante la mayor parte de la película para contar chistes entre ellos (el 50% de los cuales no son buenos) y solo una escena en la que uno y medio de ellos son realmente útiles para la trama. Cada vez que la película cambiaba de perspectiva hacia lo que este grupo estaba haciendo, la película comenzaba a arrastrarse considerablemente, ya que en realidad no pasaba nada. Honestamente, fueron las mayores decepciones en una película que fue principalmente divertida, aparte de un cierto "personaje" que se ha mostrado con moderación en los avances y la mercancía, que nuevamente no es tan importante para la trama general, pero no se puede mencionar en lleno por razones de "spoiler".

No se equivoque sobre el tipo de película que le espera con Godzilla vs. Kong. Si vas a esta película esperando el próximo Citizen Kane, saldrás extremadamente decepcionado porque la mitad de la película no es buena en términos de historia, mientras que la otra mitad se sostiene bastante bien. Dicho esto, si esperas una batalla de dos de los titanes más grandes de los cines, obtendrás el valor de tu dinero y con creces. Godzilla vs. Kong es honestamente la mejor de todas las películas en este MonsterVerse (casi por "default"), ya que establece claramente lo que promete el título: una batalla épica y asombrosa de la que se hablará entre los fanáticos por mucho tiempo. Por supuesto, nos encantan los dramas de personajes reflexivos en nuestras películas, ya que impulsan la historia hacia adelante, pero definitivamente hay espacio para distracciones sin sentido en nuestros gustos. Esta película es definitivamente compatible con el último estilo de películas mencionada. Godzilla vs. Kong es el primer lanzamiento en un año en el que puedes desconectarte por completo de lo que ocurre en el mundo y no preocuparte por el hecho de que también es un poco desordena en cuanto a su historia, y hasta cierto punto es mejor por esa misma razón. 

Rating: B-

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Reseña de Zack Snyder's Justice League: Renace mejorada

 

Justice League del 2017 siempre ha sido recordada como una especie de monstruo de Frankestein. La película se produjo después del relativo éxito financiero pero el fracaso crítico de ambas Batman v. Superman y Suicide Squad, las alturas y la buena voluntad generada por la primera entraga de Wonder Woman y una industria que favorece a los personajes más humanos del Marvel Cinematic Universe. Con todas esas variables, junto con una situación trágica que ocurrió dentro de la familia del director Zack Snyder, es comprensible por qué Warner Bros contrató a Joss Whedon para volver a filmar escenas dentro del corte original de la película que para ellos no funcionaban, ya que esencialmente creó el tono que muchas películas de Marvel han seguido después de su primera película de Avengers (hasta el día de hoy, mi favorita dentro de esa franquicia). Desafortunadamente, no salió según lo planeado. Cuando estrenó esa versión, muchos fanáticos como críticos maldijeron el producto final sin fin, considerando que eran dos visiones de dos directores muy diferentes chocando durante dos horas. Y aunque me gusta la versión teatral (es una experiencia bastante "easy-going" en comparación con Man of Steel y Suicide Squad), entiendo por qué muchos se enojaron y le reclamaron al estudio que lanzara el entonces mítico "Snyder Cut", algo que yo creía que no existía en su finalización. Bueno, levanto la mano y digo que estaba equivocado: no solo hay una versión completa de La Liga de la Justicia de Zack Snyder, también es una película que está súper dura.

Al igual que la versión teatral, Superman (Henry Cavill) ha perecido y el mundo está en peligro. Aún atormentado por las visiones de un futuro apocalíptico, Bruce Wayne/Batman (Ben Affleck) continúa buscando metahumans que lo ayuden a proteger el planeta. Con la ayuda de Diana Prince/Wonder Woman (Gal Gadot), estos reclutan a un velocista llamado Barry Allen/The Flash (Ezra Miller), un hombre acuático llamado Arthur Curry/Aquaman (Jason Mamoa) y un cibernéticamente mejorado Victor Stone/Cyborg (Ray Fisher) para formar la última defensa de los ciudadanos del mundo. Desafortunadamente, las visiones de Bruce comienzan a hacerse realidad con la llegada de Steppenwolf (Ciarán Hinds), una fuerza extraterrestre que busca tres dispositivos ocultos con la esperanza de remodelar el mundo en su imagen.  Con la llegada del alienígena y sus secuaces, estos deben salir de las sombras para formar una alianza y dar paso a una nueva era de héroes.

Lo bueno

De la cenizas, renacer: Como mencioné anteriormente, yo no pensaba que esta versión existía en su forma completa, ya que siempre había entendido que era solo una versión de montaje/"assembly cut": una película cosida sin música, efectos especiales, edición, reproducción de color y mezcla/edición de sonido que usualmente se presenta a las cabezas del estudio para que den sus notas (algo totalmente normal en la industria porque ellos ponen los chavos). En términos más simples, lo comparé con preparar una paella: Warner tenía todos los ingredientes, especias, sartén, pala y cocineros, simplemente nunca lo cocinaron para servirlo a través del camarero y llevarlo al consumidor al lanzar la otra versión. Al ver que ya me había gustado la versión original por lo que era, hice las paces con la ecuación de paella. Escribir esta reseña no es fácil considerando que técnicamente soy yo (y muchos otros críticos) jugando a "Monday Night quaterback" y teniendo una noción revisionista sobre "si esta versión debería haber sido la que se lanzó en lugar de la otra". Con todo esto dicho, sí, esta es la mejor versión en muchos sentidos. Aunque la película tiene exactamente la misma historia que la versión teatral (no esperes versiones súper diferentes), se siente como una visión mucho más cohesiva proveniente de una sola persona (Snyder) y su guionista (Chris Terrio). Las escenas se expanden, las escenas de acción se sienten mucho más fluidas, los chistes no se sienten fuera de lugar (ejemplo, Flash cayendo encima del busto de Wonder Woman o diciendo "Dostoievski"). En fin, tiene mucho más sentido en general. ¿Que sí siente abrumadora a veces? Sí, son cuatro horas (hablaremos de eso un poco más adelante en esta reseña), pero le da a la película algo de espacio para respirar, a diferencia de la versión teatral donde sabes que hay cosas que se han cortado porque el diálogo, decisiones tomadas y donde los personajes aparecen de una escena a otra se siente incompleta. La película definitivamente se siente como un fénix, renacido de las cenizas que muchos habían creído fueron arrastradas por el viento.

Zack Snyder: Hay que dar crédito a quien merece el crédito, Snyder sabe cómo dirigir un espectáculo. Una vez más, esta es claramente su visión de lo que él creía que era la mejor versión de sus criaturas divinas uniéndose contra un enemigo común para defender el mundo. ¿Convertirá esta película a la gente a la que no le gusten sus películas? Probablemente no, ya que, como es habitual en las películas de Snyder, el público puede esperar gran parte de su característica cámara lenta durante las escenas de acción, colores apagados, uso de imágenes mesiánicas y exceso de relleno. Sin embargo, esta película valida todos los problemas y quejas que surgieron sobre cómo el estudio había tratado a su director mientras realizaba la película. El exceso de relleno en realidad agrega más tiempo para configurar el estado de ánimo y la tensión a lo largo de la película, especialmente porque hace que todo lo que sucede en el tercer acto realmente se sienta ganado. Pero lo que es más importante, le da a la audiencia algo de tiempo adicional con cada uno de los héroes y sus problemas personales que tienen que enfrentar (Batman luchando por perdonarse a sí mismo por sus acciones en BvS, la lucha de razas y el entendimiento entre la amazónica Diana y el atlante Arthur, Flash buscando la aprobación de su padre encarcelado, Cyborg aceptando su destino y Superman completando las visiones de su padre biológico y adoptivo). Eso, junto con un mensaje de esperanza y unidad entre nuestros semejantes, es lo que Zack Snyder trajo a la mesa en este versión.

El elenco: Lo mejor de ambas versiones es ver a estos superhéroes juntarse como equipo y ver las personalidades chocar para crear tensión entre ellos. Los veteranos de este universo hasta ese momento (Ben Affleck y Gal Gadot) siguen comiéndosela como Batman (sin alternar entre la melancolía y hacer bromas como en la versión original) y Wonder Woman (siendo mucho más activa en esta película que en su propia secuela), pero los nuevos le añaden a la dinámica. Barry Allen/the Flash (Ezra Miller) recibe una presentación mejor y más inteligente, pero sigue funcionando como el avatar de la audiencia dentro del mundo de los metahumanos y la válvula de escape para la tensión con su humor (y sí, esta película todavía cuenta con chistes. Aquaman de Jason Momoa le presenta a la película sus preguntas éticas en cuanto a si se deben unir en un mundo dividido en facciones. El Kal-El de Henry Cavill, así como su conjunto de personajes secundarios (Lois Lane de Amy Adams y Ma Kent de Diane Lane) regresan para completar sus respectivas historias presentadas tanto en Man of Steel como en Batman v Superman. Incluso Ciarán Hinds es 101% más amenazante como Steppenwolf, quien, afortunadamente, no parece un personaje de PlayStation 2 con un complejo de Edipo y que cuenta con una historia de fondo real. Pero si hay alguien que realmente se benefició de tener una gran expansión de su personaje, historia de fondo, dilemas y ejecución, ese es el Cyborg de Ray Fisher. Además de cómo ha informado haber sido tratado tanto por el director/guionista sustituto como por el director de DC, es fácil ver por qué ha sido tan franco en sus cuentas de redes sociales durante los últimos años, ya que esta podría haber sido la transición necesaria de ser un actor en Broadway a una floreciente carrera en Hollywood. Su Victor Stone, una ex estrella del fútbol universitario que recibió una actualización cibernética después de un accidente automovilístico, así como su relación separada con su padre, se borró por completo de la versión original, en gran medida en detrimento de ella en retrospectiva. Probablemente sea lo más destacado de la película. Con todo, el elenco demuestra por qué ELLOS fueron los elegidos para interpretar a estos personajes y ejecutar esta historia como se contó originalmente.

La banda sonora: Atrás quedó la partitura musical original y reverente de Danny Elfman (que no me molestó, ya que funcionaba como "Easter Eggs" si realmente le prestabas mucha atención). Mientras tanto, la partitura de Junkie XL encaja como anillo al dedo con el tono general de la película de Snyder. Es mucho más fuerte, poderoso y de hecho fluye mejor con la historia que se cuenta. No es necesariamente un "bop" de partitura musical, pero impacta cada vez que se reproduce en la película.

Lo malo

¿Debió haber sido cuatro horas de duración?: Como sabíamos al entrar, son cuatro horas y eso es mucho tiempo para invertir. Me desperté a las 2:30 am para ver esta película en su totalidad con 28 onzas de café llenándome de energía para seguir con el resto de mi día. Entendiendo que la película está dividida en seis capítulos más un epílogo, me hubiera gustado que esta película estuviera dividida en una miniserie, de la misma manera que hemos consumido WandaVision y The Mandalorian. Hubiera funcionado de forma bipartita: Warner Bros habría hecho que la gente hablara de ella al generar anticipación semana a semana y agregar más suscriptores a HBO Max, así como también le habría dado a la audiencia algo de tiempo adicional para respirar, orinar, buscar monchis adicionales, etc. Supongo que esa puede haber sido la razón por la que se presentaron como uno con capítulos dentro para que la gente pueda hacer una pausa y continuar cuando lo desee. Simplemente me hubiera gustado la opción de verlo como episodios en lugar de una película ya que existe una versión teatral.

"Aspect ratio": En lugar del uso común de la relación de aspecto actual de 16: 9, que es lo que muchas personas usan tanto para sus televisores como para sus computadoras, Snyder retrocede un poco en el tiempo al usar la relación de aspecto 4: 3 que se siente muy cuadrada. Es un poco extraño y me tomó un tiempo acostumbrarme a ver una película de 4 horas. Y aunque el encuadre ya no es estrecho, solucionando algunos de los problemas con las escenas de acción en la versión anterior, no puedo evitar preguntarme cómo algunas personas podrían reaccionar ante esto al ver la película en su computadora en lugar de la televisión donde todo parece/se siente más grande.

Lo feo

Los últimos diez minutos: Una vez más, el exceso de relleno es tanto una bendición como una maldición en una producción de Zack Snyder, y esta versión de La Liga de la Justicia no es una excepción. Esto se vuelve particularmente evidente en los últimos diez minutos cuando la película muestra un síndrome de Lord of the Rings: The Return of the King, que termina cuatro veces de maneras que no tienen sentido. Esas escenas adicionales, aunque están bien interpretadas y unen a algunos personajes, se sienten fuera de lugar por cuatro razones principales:

1. La película ya había terminado perfectamente.

2. No se mezclan bien entre sí ya que tienen tonos muy dispares entre sí en conjunto con el resto de la película.

3. Las escenas se grabaron claramente hace un par de meses considerando que hay un personaje en particular que acaba de reducir su masa corporal en comparación con su apariencia en el resto de la película.

4. Todas parecen "after-credits" de películas que, desafortunadamente, probablemente no sucederán.

Entendiendo que esto es lo que alguna vez fue la visión de Snyder para las futuras películas de DC, pero no te mentiría cuando digo que estos minutos adicionales se sienten como si Snyder se acariciara a sí mismo y preparara el mundo para una decepción adicional cuando estas promesas no suceden o un golpe de genio por su parte. tener fans clamando por más. De cualquier manera, es Snyder quien se satisface a sí mismo en esa cantidad de tiempo.

Para citar la película de 1931 mencionada al comienzo de esta reseña, mi reacción cuando terminó esta versión fue "¡Está viva! ¡ESTÁ VIVA!". Esta versión de Liga de la Justicia no solo resurge de las cenizas, también renace de manera mejorada. Nunca se sintió como lo que yo considero la versión precalentada de la película; ahora es la paella finalmente cocinada como chef quería que fuese consumida. Aunque desde un punto de vista externo sí trae ciertas pregunta de cuánto control tienen los fanáticos sobre los estudios en cuanto a sus proyectos además de los resultados de taquilla, este es un triunfo para todos los involucrados: para Snyder, para Warner Bros, para HBO Max, para el público y para Autumn.

Rating: B+

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MovieRankings: DCEU - De peor a mejor

 

Aunque nunca se tituló oficialmente Detective Comics Extended Universe, la línea de películas de superhéroes/antihéroes de universo compartido de Warner Bros y DC Comics se ha asociado durante mucho tiempo con el acrónimo DCEU, sus cruces y continuaciones de largometrajes han demostrado ser lo suficientemente similares al Universo cinematográfico de Marvel (el MCU) para que se le asigne dicha abreviatura. Con héroes icónicos posiblemente más famosos y universalmente reconocibles que aquellos incluso en el MCU culturalmente dominante, ciertamente antes del lanzamiento de Iron Man en 2008, el DCEU puede haber sido criticado críticamente en varias ocasiones, pero se ha apoyado en los super- respaldos fuertes de la santísima trinidad de superhéroes (Batman, Superman y Wonder Woman) al igual que otros para obtener asombrosos resultados de taquilla en todo el mundo desde 2013 (algunos más que otros), y probablemente innumerables ganancias más a través de sus lanzamientos en video casero, transmisión y más recientemente en HBO Max.

En este ranking de películas, en MovieRican estamos analizando este megapoder del cine de estudio contemporáneo para juzgar cada uno de sus 9 estrenos de peor a mejor en términos de calidad, importancia, legado, recepción crítica y percepción del público. Además de eso, incluímos nuestras reseñas y Mini-Reseñas por si quieren adentrarse un poco más a lo que nosotros pensamos. Dejando a un lado la adaptación de DC Comics de 2019, Joker (por su estado como una película de DC independiente no relacionada con el DCEU central), estas son las películas de DCEU clasificadas de peor a mejor.

9. Suicide Squad:

Creo que esta es la que todos podemos estar de acuerdo en que nunca estuvo a la altura de su potencial y puede catalogarse como mala. Se suponía que Suicide Squad, la película antihéroe del 2016 de David Ayer,  daría la bienvenida a una era de alternativas viables para adultos a la producción de películas de cómics para familias del MCU, que siempre ha sido four-quadrant en términos de su audiencia. Las imágenes “filtradas” de la Comic Con del año anterior se volvieron virales cuando los fans y los informales quedaron impresionados por su originalidad. El elenco de estrellas (Will Smith, Margot Robbie, Viola Davis, Joel Kinnaman, entre otros), el vestuario, el look-and-feel de todo, los trailers, todo se sumaba en lo que potencialmente se convertiría en la película más grande y ruda de ese año. Sin embargo, las cosas terminaron en un espacio muy diferente. Suicide Squad fue un revolú de siete pares que incluyó uno de los primeros actos más largos de cualquier película convencional durante décadas. Estas presentaciones de personajes que parecían tan geniales y originales en el tráiler terminan desarrollándose como momentos reduccionistas y tropo-tásticos en la película. Ayer y compañía lograron dar vida a algunas escenas emocionantes para los fanáticos que habían anhelado que muchos de los personajes del escuadrón aparecieran en la pantalla grande, como presentar a Batman como una fuerza aterradora y acechadora de la noche en un escena en la que persigue a Deadshot, pero la película estaba luchando contra su clasificación PG-13, la interferencia obvia del estudio en cuanto a como se editó la película y todos los cambios en el tono y la calidad que vienen con ambos, en última instancia, inventando una película de superhéroes anticlimática que la convierte en supervillano. 

Ah, y cuanto menos se diga sobre las escenas del Joker (no Jared Leto como el personaje, sino sus escenas muy incompletas que probablemente manipularon la forma en que vimos al personaje), mejor.

8. Birds of Prey (and the Fantabulous Emancipation of One Harley Quinn):

Ciertamente hay potencial para todos estos personajes en el futuro de la franquicia overall, pero los cineastas y/o el estudio claramente no sabían qué hacer con Harley Quinn, especialmente cuando el universo DC comenzó a cambiar rápidamente a raíz del fracaso financiero y crítico de Justice League (que defenderemos su posición dentro de la franquicia próximamente). La solución parece ser bipartita: o es súper divertida como se ve en películas como dos películas que veremos más adelante o en películas como Joker que no tienen absolutamente nada que ver con todo lo demás, y en esos sentidos, Birds of Prey continúa con la primera dirección de manera bastante efectiva en comparación con el otro camino. Es una pelicula divertida. Tiene actuaciones divertidas. Me gusta y me gustaría pasar tiempo con estos personajes tanto durante esta película al igual que en futuro. Pero esa es toda la emoción que pude conseguir en esta entrega que tiene poca visión a la larga.

7. Man of Steel

Ayer volví a ver Man of Steel por primera vez desde el 2016 después de escuchar y leer mucha historia revisionista durante los últimos dos años sobre cómo la película es en realidad mejor de lo que uno recuerda. ¿Qué concluí después de esa experiencia? Bueno, la película ocupa el puesto número 7 en esta lista por tres razones principales: la primera es que fue muy larga y muy lenta; la segunda es que no era apenas una película de Superman y más una película de Batman con pintura diferente que el director Zack Snyder hizo solo para poder finalmente hacer la película de Dark Knight que siempre había soñado (lo cual tuvo que ver con su  seguimiento); el tercero porque las ideas en conflicto que la película había presentado con esta figura mesiánica con dos papás, sus ideologías contrastantes y cómo toma decisiones que los enorgullecería a ambos, nunca se concretaron de manera coherente. Tal infidelidad a la cabeza de la creatividad de la película hace que las semillas de la visión desordenada de la DCEU, aunque con momentos cercanos a la genialidad: la participación de Christopher Nolan (como productor ejecutivo) y el compositor de la trilogía Dark Knight Hans Zimmer son evidentes en el tono de la película y intenciones. Man of Steel no agrada mucho a la audiencia, aunque hay muchos defensores. Pero al llegar un año después de The Dark Knight Rises y The Avengers de Marvel, el público tenía expectativas mucho más altas en ese momento de lo que podrían haberlo hecho varios años después, cuando ahora estamos más abiertos a los personajes que tienen dilemas morales en lugar de principalmente físicos. Al igual que con gran parte de la producción del DCEU, Man of Steel es en gran medida un caso de buenas ideas que se mezclan con malas ideas, expectativas que superan la realidad, un "lo que podría haber sido" lleno de todos los tropos del género que muchos se habían cansado. de 2013 y menos aún están entusiasmados con todos estos años después.

6. Justice League (2017):

Justice League es fácilmente la mejor película de Marvel que DC ha creado. Ellos finalmente lograron darle vida a su propio equipo de superhéroes, y si bien el resultado es agradable, también podría ser mejor. Esto es claramente el monstruo de una película de Frankenstein, ensamblado por dos visiones contrastantes que chocan cada vez que un personaje entra en una habitación y / o habla con otro. También puedes destruir esta película diciendo lo estúpido que es el villano y su aspecto con sus diálogos torpes y sus efectos especiales de aspecto de videojuego de 2007, lo corta que es (un poco menos de dos horas de tiempo de ejecución), abundantes tramas. Pero maldita sea, me gustó esta película. El equipo y la dinámica entre ellos funciona y eso es algo que esta película y universo necesitaban fuertemente. El regreso de un Superman que no parece que está deprimido 101% de las veces hace que el personaje resalte (aparte del CGI de la cara). Pero sobre todo el potencial que podía venir después del estreno era lo más que nos motivaba. Con la ayuda de la primera entrega de Wonder Woman que estrenó ese mismo año, vimos esperanza dentro de una serie de películas que no eran del agrado de todos. Y aunque esto probablemente no ocurrió, el potencial estaba ahí y WB podía haber construido sobre esta película como base.

5. Wonder Woman 1984

Al igual que The Last Jedi hace un par de años, puedo ver por qué a la gente no le gusta Wonder Woman 1984: la secuela no es mejor que la primera película, el guión es medio desordenado (particularmente el primer acto), no todo aterriza como la película cree que lo hará, es un poco larga, etc. Es más, probablemente soy el primero en admitir que esta película no habría entrado a la lista de las mejores del 2020 si hubiera sido estrenada otro año. Pero a pesar de lo extraño que fue el año y la cantidad de películas que estrenaron en esos doce meses, WW94 entró a esa lista y se mantiene fuertemente a mitad de esta. Por controvertido que pueda ser para algunas personas a las que no les gustó (de nuevo, eso está bien; las películas son subjetivas), me divertí mucho con la película en general. Fue muy ambiciosa, con ideas muy grandes para una película de superhéroes con un tercer acto fuera de lo normal (de nuevo, no todo lo que propone aterriza). La secuela también personifica un optimismo que es absolutamente necesario en un año como ese, lo que lo convierte en un watch excelente para cualquiera que necesite algo de esperanza, amor y justicia.

4. Batman v. Superman: Dawn of Justice:

Tan divisivo como fue el ícono de la cultura pop (podemos hablar de la escena de "Martha" todo el día), Batman v Superman: Dawn of Justice simplemente cambió la retórica en torno a las películas de cómics. Una de las películas más discutidas y debatidas desde su lanzamiento, Batman v Superman hizo que todos, incluyendo fanáticos y medios de comunicación, decidieran si era un desastre o una obra maestra incomprendida. Para esta lista, definitivamente es lo último, dicho esto con algunos detallitos que cambiaríamos (el diálogo de Jesse Eisenberg, como se resuelve la discusión/pelea, más tiempo con Supes, Doomsday y el desenlace de su aparición). En Dawn of Justice, específicamente el corte del director, tomó los personajes de Batman y Superman y los deconstruyó. Mirando a Superman a través de la lente de una historia de inmigrantes y rompiendo a Batman a su nivel más bajo solo para reconstruirlo nuevamente a través de los actos heroicos del Hombre de Acero, Batman v Superman es una de las películas de cómics más ambiciosas de todos los tiempos. En muchos sentidos, la película se adelantó a su tiempo. Con Joker y otras películas de superhéroes sin miedo a una calificación R o cerrando la brecha entre las películas de autor y las películas de gran éxito, Batman v Superman de Zack Snyder abrió el camino y continuará generando reconocimiento con el tiempo, para bien o para mal.

3. Aquaman:

¿Qué otra película iba a tener un pulpo tocando las congas? ¡La más parecida a unos muñequitos que uno veía los sábados en la mañana de esta lista, por supuesto! La idea de que el personaje Aquaman ultra colorido y algo tonto de DC Comics se tradujera a este universo infinitamente menos colorido y más serio parecía ser algo imposible. Pero al contratar al exalumno de Game of Thrones (y visión de la masculinidad) Jason Momoa, y al contratar al co-creador de Saw, James Wan, para producir y dirigir, Warner Bros encontró el oro con una película de superhéroes totalmente divertida. Restringido un poco por los confines de la premisa de su historia de origen, y a veces luciendo tan tonta como Green Lantern del 2011, Aquaman no fue del todo perfecta, pero su mayor fortaleza era lograr que cada uno de nosotros se preocupara por su personaje central mientras nos lanzaba a una montaña rusa de aventuras de acción y fantasía que saltaban continentes, rompecabezas y aventuras que expresaban indicios de Indiana Jones, Star Wars e incluso Black Panther (si lo piensas, la película se presenta desde la perspectiva de Killmonger). Wan, quien tuvo un exitazo después del rodaje difícil de Furious 7, demostró una vez más que tenía las habilidades para hacer un actor palpitante con suficiente ligereza para resonar emocionalmente, Aquaman fue el segundo éxito financiero certificado del nuevo DCEU, su éxito indica un positivo tendencia ya que Warner Bros y DC buscaron ir más allá de Justice League (aunque el lanzamiento de Snyder Cut diría lo contrario). Incluso a la sombra de su fallido predecesor, Aquaman ganó $1.2 mil millones en la taquilla mundial, el total habla de cuán agradable es esta película de DC en comparación a otras. Si bien es posible que no desafíe las convenciones y opere en la parte superior del subgénero como las películas que aparecerán en esta lista, Aquaman todavía está muy por encima de todas las demás películas enumeradas hasta el momento.

2. Shazam!

En términos de pura y pura diversión, Shazam! de David F. Sandberg simplemente no puede ser vencida. Protagonizada por Asher Angel como Billy Batson y Zachary Levi como el superhéroe adulto en el que se transforma, Shazam! es un viaje salvaje e irreverente. El marketing se había centrado en el humor, y casi todos los chistes aterrizan a la perfección, pero tonalmente Shazam! combina sus lados más light como los oscuros con facilidad. El núcleo emocional de la película es la relación entre Billy y su hermano adoptivo Freddy (Jack Dylan Crazer), que arroja luz sobre el carácter egocéntrico de Billy y, en última instancia, lo obliga a despertar al hecho de que tiene toda la familia que necesita. La escena en la que conoce a su madre biológica, hasta el día de hoy, todavía me hace llorar como caco sin boceteo en la playa, pero es el empujón que necesita para entender qué es la familia en realidad. Con todo lo dicho, es el tercer acto lo que diferencia esta película de muchas otras películas de superhéroes. Los blockbusters de superhéroes a menudo luchan por hacer que su final funcione, perdiendo sus temas en una secuencia de acción bastante estándar de "vencer al malo" o un festival de efectos especiales. Sin embargo, en el caso de Shazam!, el guión une todos los hilos de una manera emocionalmente satisfactoria. Si bien es cierto que algunos de los personajes secundarios realmente no tienen suficiente tiempo para brillar, ese es un problema comprensible dada la cantidad de hermanos adoptivos que tiene Billy. Con suerte, la secuela se basará en eso y demostrará que los rayos pueden caer dos veces.

1. Wonder Woman

Wonder Woman no solo es una película importante en la historia del cine de superhéroes, siendo la primera película de estudio de superhéroes protagonizada por una mujer, dirigida por una mujer (Patty Jenkins), sino que es una película importante en la historia del cine convencional de Hollywood. Punto y se acabó. Una mujer al frente de un blockbuster lanzada en el medio del verano era prácticamente una fantasía antes de esta película. Pero gracias a ella y la suma de sus partes, es más una realidad y el mundo es mucho mejor por ello. En muchos sentidos, Wonder Woman es más una película de guerra que una película de superhéroes. Pero, dentro de los confines de esta batalla entre el bien y el mal entendida universalmente, Diana Prince se da cuenta de todo su potencial como guerrera amazónica y uno de los romances más creíbles del cine de superhéroes. Gal Gadot y Chris Pine tienen una química natural que anima incluso los momentos más mundanos, y ayudan a llevar el contexto más amplio de eventos, dioses y monstruosidades que terminan con el mundo a un lugar más sólido, asegurando que cada uno de nosotros encuentre razones para preocuparse no solo por sus viajes, sino también por sus destinos. La película también está llena de momentos icónicos de películas de cómics, algo de lo que el DCEU en su conjunto carecía en comparación a películas similares. Los fragmentos de comedia de Diana en Londres son particularmente dignos de mención, al igual que el sacrificio del último acto, por supuesto, pero es imposible pasar por alto el momento más hablado pero seriamente fantástico de esta película cuando Diana sale a No Man's Land repeliendo las balas en cámara lenta. La Mujer Maravilla, literalmente, abriendo un camino a través de las trincheras de la guerra en la pantalla y abriendo un camino para todas las mujeres de Hollywood fuera de ella. Después de Wonder Woman, las mujeres ya no estaban limitadas a géneros particulares, el éxito de la taquilla de esta película dejó a tanto al personaje ficticio, su interprete y su directora en la historia como las mujeres más taquilleras en sus respectivos papeles. Los tentáculos de mujeres y las películas de superhéroes de Birds of Prey del DCEU hasta Captain Marvel del MCU y más allá deben su existencia al menos en parte al éxito de Wonder Woman, y hay pocas películas en existencia que puedan igualar un legado tan significativo. 

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