Reseña de The Hunt: Sátira política llena de sorpresas

En agosto del 2019, el lanzamiento teatral de The Hunt se atrasó indefinidamente. Este fue el resultado de una controversia a raíz del primer avance de la película (que ciertamente puso énfasis en el lado "horror" de la comedia / horror), y la sugerencia de que "Hollywood" estaba presionando a un éxito de taquilla que abogaba por la violencia contra los conservadores (incluso por parte del presidente de los Estados Unidos). Por supuesto, todos estos diversos ataques vinieron de personas que en realidad no habían visto la película (incluyendo dicho presidente), y las reacciones se basaron por completo en el trailer lanzado y la descripción de la trama publicada en el estudio. Ahora son casi exactamente siete meses después, y aunque nada en el mundo realmente ha cambiado (salvo el brote de coronavirus), y nada en la película ha cambiado, The Hunt está llegando a los cines en todo el país. Ese hecho por sí solo hace que uno se pregunte cuál fue el punto de la controversia/demora en primer lugar, pero hay algo extra: es una sátira que no tiene preferidos entre "bandos".

Escrito por Damon Lindelof y Nick Cuse, e inicialmente inspirado por las teorías de conspiración salvajes que pueblan los tableros de mensajes por el Internet, The Hunt da vida a una de estas ideas radicales con la ejecución de un evento denominado Manorgate. Orquestado por la misteriosa liberal multimillonaria Athena (Hilary Swank), el "juego" encuentra a un grupo de extraños secuestrados, drogados y desatados en la propiedad de una vasta propiedad donde son perseguidos por los ricos. Ninguno de ellos tiene una idea específica de por qué fueron atacados, aunque en general todos poseen valores conservadores. 

Lo bueno

El no saber: The Hunt es una película que definitivamente se beneficia de tener una audiencia que sabe lo menos posible al entrar, ya que los giros y sorpresas que tiene almacenados te llegan de inmediato, y es fascinante simplemente dejar que la película se te revele al instante. Una gran parte de lo que lo hace tan convincente es un enfoque único para la construcción del mundo, que se apoya en los elementos de terror/comedia que empujan los límites y al mismo tiempo mantiene un pie firmemente plantado en la realidad. A medida que todo se desarrolla, es fácil reconocer las noticias que claramente inspiraron las ideas más grandes detrás de la trama (algunas de ellas específicamente nombradas recortadas), y al mismo tiempo está claro que el director Craig Zobel y sus escritores se divierten tomando esos ideas a sus puntos más extremos sin romperlas nunca.

R mayúscula: A diferencia de otra película que estrenó el mismo día que esta, esta es una  que definitivamente no se aleja de su clasificación R, que es algo que termina sirviendo ambos aspectos del tono en todo momento. El primer acto solo, con el inicio de Manorgate, es una representación fantástica de esto. Ponerse en la mente de los personajes que se encuentran despertando en el suelo amordazados en un lugar misterioso, inmediatamente simpatiza con el terror que están experimentando, pero luego, una vez que las cosas comienzan a ponerse completamente locas, The Hunt comienza a ser extremadamente divertida. En ciertos momentos te hace comenzar a reír simplemente lanzando una serie de sorpresas directamente a tu cara, y en otros se trata de un cierto nivel de gratuidad en el que no puedes evitar reírte.

Betty Gilpin: Si se está preguntando cuan buena es, esta es la prueba final de que la estrella de GLOW es una fuerza fascinante. Como la ama de casa convertida en luchadora Debbie Eagan en el programa de Netflix, mezcló la fragilidad con una fuerza floreciente. Aquí es tan aterradora como simpatizante como Snowball, la presa con un lado oscuro y las prioridades que pueden no encajar con nadie a su alrededor. Ella merece estallar como una estrella de acción de la misma manera que Samara Weaving en Ready or Not.

Lo malo

Amartillado con el mensaje: Si bien la controversia en torno a la película sugiere un sesgo particular, la realidad es que esta película es para todos, y en particular para los que ya están invertidos políticamente... siempre que tengan la capacidad de reírse de sí mismos. Apunta a gran parte de la ridiculez que se puede encontrar tanto en las ideologías de derecha como de izquierda, pero lo que es más importante, se enfoca en los puntos en común entre los dos lados y los expone satíricamente, lo que permite a los cinéfilos una oportunidad interesante para la autorreflexión. Dicho esto, hay ciertos momentos en los que se esfuerza un poco demasiado, especialmente cuando se lanzan términos del zeitgeist que tienden a sonar y a sentirse antinaturales. A veces estos chistes pueden sentirse como si los libretistas tratan a la audiencia como morones que nunca entendieron el mensaje que están tratando de decir o satirar y puede sentirse bien condescendiente, sin importar el espectro político que te aferres.

Hay un número extraño de personas que parecen pensar que tienen The Hunt totalmente descubierto a simple vista, pero debe quedar claro: no están en lo correcto. De lo que se trata realmente esta película es del peligro y las consecuencias que conlleva llegar a conclusiones extremas sin evidencia suficiente, y solo ese hecho con suerte hará que algunos detractores ciegos compren un boleto y le den una oportunidad. Siempre que entres con apertura y estés dispuesto a escuchar lo que dice la otra parte, no saldrás decepcionado.

Rating: B

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Reseña de Bloodshot: Ni lo suficientemente inteligente ni suficientemente tonta para funcionar

En esto, la Edad de Oro de las adaptaciones de películas de cómics, Marvel y DC, sin duda, son reyes. El reconocimiento de nombres para héroes como Wonder Woman, Batman, Spider-Man y The Avengers significa que las películas centradas en ellos tienen una clara ventaja en atraer a la gente a los cines locales. Pero eso no significa que los dos conglomerados cómicos tengan el monopolio de historias fascinantes que se cuentan en los libros divertidos. Hay grandes personajes que salen de compañías como Dark Horse, Image Comics, IDW Publishing y Valiant Comics, y uno de ellos, Bloodshot, consigue una grieta en el estrellato de la pantalla plateada gracias a esta intrigante pero finalmente intrincada historia de origen lleno de CGI.

La película cuenta la historia del soldado recientemente asesinado Ray Garrison (Vin Diesel) que vuelve a la vida como un super asesino. Ray tiene un ejército de nanotecnología en sus venas, lo que lo convierte en una fuerza escandalosamente fuerte e imparable que tiene la capacidad de curar instantáneamente cualquier lesión que sufra en combate. Cuando sus recuerdos comienzan a contradecir lo que es la realidad y lo que es ficción, Ray comienza a sospechar que el científico principal Dr. Harting (Guy Pearce) puede tener intenciones siniestras, y hace todo lo que está en su poder sobrehumano para detenerlo.

Lo bueno

El elenco alrededor de Diesel: Lo mejor que se puede hacer es rodear a Diesel de personalidades, lo que básicamente hace esta película. Lamorne Morris (New Girl) se roba todas las escenas que aparece, quien interpreta al sarcástico y excesivamente seguro Wigans, un súper tecnólogo que puede piratear prácticamente cualquier cosa y ayudar a Ray en sus misiones. Pero el director Dave Wilson también crea un ambiente de retroceso a los thrillers de ciencia ficción de los años ochenta construidos alrededor de equipos coloridos y extraños, con soldados mejorados de manera similar que primero luchan con Bloodshot y, finalmente, luchan contra ellos. Eiza González, por ejemplo, era una soldada de aguas profundas herida en una batalla que ahora tiene una válvula en el medio de su pecho que le permite respirar bajo el agua como un pez. Sam Heughan (Outlander) cuenta con mejoras físicas igualmente inusuales que ayudan a mantener Bloodshot interesante hasta que todo se escocota.

Lo malo

El material: La película carece de suficiente material para un largometraje, y parece que la historia se ha extendido desde el principio. Aunque la trama es exagerada pero interesante en papel, los mejores elementos se descartan de manera apresurada. La película podría haberse ido de dos maneras, y siempre elige el camino de la mayor decepción, lo que lo deja en este limbo extraño. No es lo suficientemente inteligente ni lo suficientemente tonta como para funcionar. Al igual que cuando Wilson tiene la sensación de que las cosas van a la zaga, inserta una explosión no tan sutil o un chiste sobre el órgano sexual masculino para mantener las cosas en movimiento. Sí, es así de vaga.

Vin Diesel: Diesel no es un gran actor, pero ese nunca ha sido un requisito laboral para llevar su carisma a la pantalla grande. Es una estrella de acción perfectamente aceptable con varias actuaciones buenas aquí y allá (Saving Private Ryan, The Iron Giant, Guardians of the Galaxy), pero aquí tiene una actuación ridículamente mala. Su pobre actuación acapara la atención, especialmente cuando comparte escenas frente al talentoso Guy Pearce.

Las escenas de acción: Incluso las escenas de acción son víctimas de una edición rápida que pretende disfrazar la acción sin sangre. No estoy diciendo que tener sangre hace que una película de acción sea buena, pero esta película simplemente esconde todo y hace que la audiencia no pueda ver lo que ocurre en la pantalla. Hay una secuencia de pelea extendida casi satisfactoria que involucra ascensores y un rascacielos, pero llega demasiado tarde en la película cuando la mayoría de la audiencia probablemente ya perdió su interés en la misma. Peor aún, no hay consecuencias porque Ray no puede ser herido o asesinado, y los efectos especiales parecen haber sido creados en un par de horas por un niño preadolescente en la computadora portátil de la habitación familiar.

Lo feo

La has visto anteriormente: Si has visto el avance, has visto la película. Quería poder hacer un pretzel medio decente con los giros. Sin embargo, Bloodshot es un palo de pretzel: cero torsiones. Si hubo un giro, quería que la historia completa fuera dentro de la película Serenity y su giro extravagante.

Claramente quería ser R: Como se mencionó anteriormente, la triste excusa de la violencia dentro de Bloodshot lleva a PG-13 a sus "límites". Supongo que hacer a Ray cibernético permite a los cineastas salirse con la suya con algunas cosas sangrientas. También hay una escena de sexo "dulce" en la que el director coreografía las tomas para que los senos de la actriz Talulah Riley permanezcan ocultos. En esencia, Bloodshot quiere ser clasificada R. Probablemente debería tener una clasificación R, pero los realizadores no querían perder el componente masculino adolescente más importante de su audiencia y tener esa oportunidad de imprimir dinero.

Bloodshot estuvo destinada a ser el comienzo de una franquicia, ya que básicamente todo lo que toca Vin Diesel en Hollywood termina siendo eso (salvo The Pacifier). Y con la mitología de Valiant Comics a su disposición, es una que podría haber alimentado historias interesantes en los años venideros. Desafortunadamente, después de este debut, me temo que la serie no compartirá los poderes de su personaje titular, que se levantará de entre los muertos, y se desangrará lentamente en la taquilla y el múltiplex a su debido tiempo (y el coronavirus no ayudará con eso).

Rating: D

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Reseña de Onward: En búsqueda de magia

El problema más grande que tienen las películas de Pixar son las expectativas masivas que se han impuesto ellos mismos. Cada vez que una nueva película de Pixar llega al cine, debe compararse con los logros más altos de los estudios, y aunque el estudio debe esforzarse por seguir cumpliendo con un alto nivel de calidad, el "¿Cómo se clasifica en comparación con las demás?" a veces puede fallar cuando el estudio lanza una película que es dulce, encantadora y divertida, incluso si no alcanza los vertiginosos máximos de Inside Out o Toy Story. Una vez que dejas de lado las preguntas sobre cómo dónde se encuentra Onward entre las demás, te quedarás con el tipo de película mágica y emocional que es simplemente la marca del estudio en este momento. Con un ambiente imaginativo y un dúo entrañable en el centro, Onward es una historia encantadora sobre la superación del miedo y el vínculo único entre hermanos.

La configuración de Onward es básicamente "¿Qué pasaría si la Revolución Industrial ocurre en el mundo de Lord of the Rings?" Este mundo tiene elfos, dragones, centauros, etc., pero también tiene todas nuestras comodidades modernas que superan el beneficio de cosas como magia y cruzadas. En este mundo nos encontramos con Ian (Tom Holland), un elfo tímido de 16 años, y su hermano mayor (y nerdo) Barley (Chris Pratt). El padre de Ian murió antes de que él naciera y Barley apenas recuerda a su padre, pero en el decimosexto cumpleaños de Ian, ambos reciben un báculo mágico que puede traer a su padre por un día. Sin embargo, cuando el cristal que necesitan se rompe en medio del hechizo, solo recuperan las piernas de su padre. Con el reloj en marcha, Ian y Barley emprendieron una búsqueda para encontrar un nuevo cristal para que puedan terminar de recuperar a su padre por un día.

Lo bueno

Amor fraternal: Pratt y Holland, que nunca serían confundidos como hermanos, ya sea en una película live action o en sus vidas personales, resultan ser actores de voz sensacionales, aterrizando en un ambiente divertido tipo Tommy Boy. Barley es un loser, que todavía vive con su madre y se obsesiona con un juego de cartas similar a Dungeons & Dragons. Para expresar su voz, Pratt, ahora un protagonista de estatura con películas como Guardians of the Galaxy y Jurassic World, regresa a sus días rechonchos de Parks and Recreation (serie que tienen que ver [es mejor que The Office]) para demostrar que todavía puede ser tanto gracioso como cariñoso. Y Holland, que se hizo famoso como Spider-Man, claramente tiene experiencia interpretando a un personaje que aprende inocentemente cómo usar sus poderes extraordinarios. A medida que el dúo descubra su conexión fraternal, vas a querer haber traído un Kleenex. De hecho y como consejo, deberías traerte la caja entera.

New Mushroomton: Si te gustan los escenarios clásicos de alta fantasía inspirados en cosas como Dungeons & Dragons y Magic: The Gathering, te encantará lo que el director Dan Scanlon y su equipo han hecho aquí. Esta es una de esas películas por las que querrás pasar ver frame por frame para ver todos los detalles divertidos y los easter eggs, como las señales de "Pare" que dicen "Halt". Claramente se ha prestado mucho amor y atención para hacer que esta mezcla de fantasía y realidad mundana cobre vida, y me emocionó pasar el tiempo en un lugar tan diferente de lo que hemos visto antes.

Lo malo

Producto para crear juguetes: En el papel, Onward parece que tiene todo lo que necesita para ser otro de sus clásicos instantáneos, pero finalmente carece de la magia, por falta de una mejor palabra, de sus mejores esfuerzos. Entre sus mejores películas, como Toy Story, Finding Nemo, Wall-E y The Incredibles, reunieron conceptos extraños y exploraciones de temas y emociones universales que podrían resonar con una amplia franja de espectadores, independientemente de su edad de manera tan inspirada y completamente orgánica que terminaron resonando con los espectadores de una manera más profunda que la mayoría de las películas aparentemente serias que tratan los mismos temas que podrías mencionar. El problema más grande de esta es que estos elementos parecen haber sido agrupados por cineastas decididos a producir un producto en lugar de contar una historia satisfactoria. La noción de una tierra que se ha olvidado de la magia en su corazón suena intrigante, pero nunca se trata aquí como algo más que un truco que permite a los cineastas crear personajes de aspecto fantástico que se pueden comercializar fácilmente como juguetes. Por lo tanto, nunca se siente como si perteneciera al escalón superior de las películas de Pixar.

Como tal, Onward es perfecta para los fanáticos de Pixar, ya que ofrece un momento entretenido y agradable en el cine, especialmente para aquellos que ya están interesados en la premisa de estilo Dungeons and Dragons. Esta también puede ganarse a aquellos que no están completamente vendidos en lo que ya está claro en los trailers es una historia bastante delgada. Las travesuras mágicas y la historia sincera familiar engancharán a los espectadores y los llevarán a una aventura encantadora. Si bien Onward puede no ser la película más fuerte de Pixar, aún cumple con todo lo que los fanáticos esperan de una película animada producida por el estudio; puede convertirse en un nuevo favorito de Pixar para algunos espectadores, pero no dejará un impacto duradero en muchos otros. Al fin y al cabo, Onward ofrece una película de aventuras encantadoramente mágica y sincera que seguramente entretendrá a toda la familia.

Rating: B+

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Reseña de Sonic the Hedgehog: Una adaptación complaciente

Cuando el primer trailer de la película Sonic the Hedgehog llegó a las redes la primavera pasada, las críticas fueron rápidas y los memes fueron despiadados, ya que los fanáticos se preguntaban por qué el aspecto del erizo era tan diferente a los juegos. En lugar de seguir adelante con ese diseño, el director Jeff Fowler anunció un retraso en la fecha de lanzamiento y se llevaría a cabo un importante rediseño de Sonic, que terminó siendo la elección correcta, ya que la película ahora presenta un diseño mucho más clásico; el público casi ha olvidado el aspecto original y menos agradable del personaje y se ha centrado más en la película en sí (lo cual siempre debió haber sido el objetivo). Sonic the Hedgehog ofrece una película de aventuras amigable para los niños basada en la propiedad clásica de Sega que cuenta una historia sólidamente agradable, aunque poco innovadora.

Cuando era niño, Sonic (Ben Schwartz) recibió unos anillos mágicos que le permiten viajar entre mundos y le dicen que permanezca oculto y siga corriendo, lo cual hace hasta que decide posarse en nuestro mundo. Cuando Sonic accidentalmente causa un corte de energía y atrae atención no deseada sobre sí mismo y sobre la ciudad de Green Hills, Montana, el joven erizo sale de su escondite y le pide ayuda al sheriff local Tom Wachowski (James Marsden) para recuperar sus anillos en San Francisco, y así poder huir a otro mundo. Los persigue el villano Dr. Robotnik (Jim Carrey), que quiere disectar a Sonic y aprender el secreto de su súper velocidad.

Lo bueno

Jim Carrey: El villano de esta película pudo haber estado completamente aburrido si no fuera por el casting de Carrey. Por su parte, Carrey está de vuelta en su forma clásica, dando un giro salvajemente tonto, teatral y entretenido a Robotnik que canaliza la misma energía de sus papeles más populares de los 1990 y principios de los 2000 como Ace Ventura, The Riddler de Batman Forever y el Grinch in How the Grinch Stole Christmas. Ya sea por Carrey o por el guión en sí, Sonic the Hedgehog se siente un poco fuera de tiempo, como si se hiciera en los años 90 pero todavía hace referencias modernas de la cultura pop (aunque, como la cultura se mueve tan rápido ahora, incluso su cultura pop más reciente las referencias ya se sienten desactualizadas, como el baile del dental-floss que Sonic hace después de una victoria). Se las arregla para funcionar, en parte porque Carrey puede suavizar algunos de los bordes más duros de la película y, cuando no está en la pantalla, las actuaciones de Marsden y Schwartz pueden mantener la película a flote... casi siempre.

Temas de discusión para toda la familia: Para bien o para mal, esta película es para niños. Lo que es más sorprendente es cómo temáticamente la película expresa esta perspectiva agresiva de la superioridad moral de la comunidad rural al elitismo urbano, que es de esperar de una película dirigida directamente al centro de los Estados Unidos, pero también promociona un fuerte apoyo proinmigrante a través del estatus de Sonic como refugiado de su propio mundo y sentimiento antimilitarista a través de la excesiva dependencia de Robotnik en la tecnología de drones. Estos no son temas que te golpean en la cabeza como mensajes obvios de la película, pero es interesante ver esta mezcla de perspectivas políticas impregnada a través de lo que aparentemente se supone que es una película familiar de palomitas de maíz. El problema entra cuando tienes una historia demasiado simple que lo acompaña...

Lo malo

Una historia demasiado simple: En general, Sonic the Hedgehog tiene una historia relativamente simple (lo cual era de esperarse para una película primordialmente para familias), que se inspira y supera los ritmos de la historia de los arquetipos establecidos, como la historia de origen de los superhéroes y la trama del roadtrip. La dinámica de pareja extraña entre Tom y Sonic es igualmente probada y verdadera, solo que se refresca por el hecho de que uno es un erizo azul enérgico con la mentalidad de un ... adolescente (¿?) - y el otro es un padre encargado de proteger al veloz revoltoso. Es una dinámica ganadora, que juega con el encanto natural de Marsden y la propensión de Schwartz a ser el compinche adorablemente molesto. Sin embargo, hay momentos en que la pareja no necesariamente hace clic y los chistes simplemente no funcionan, pero se debe en gran parte al guión, que podría haber usado un poco de revisiones antes de comenzar a rodar.

¿Tenía que ser en nuestro planeta?: Es muy difícil no notar la enorme sombra proyectada por Detective Pikachu aquí (la cual nosotros consideramos la mejor película de videojuegos hasta el momento [la última de Tomb Raider no estuvo mala tampoco]). Esa película no intentó que Pokemon existiera dentro de los límites de nuestro mundo, sino que creó un mundo que convirtió a los Pokémon en la norma. Lo que sabemos de nuestro mundo fue elevado y exagerado para elaborar una historia que nos hizo creer que un Pikachu (que suena como Ryan Reynolds) puede existir junto a nosotros. Sin embargo, Sonic the Hedgehog reduce drásticamente la experiencia (probablemente porque el presupuesto es significativamente mejor, pero síguenos por esta crítica) al hacer que Sonic sea un extraterrestre en nuestro mundo y reduzca la Zona de Green Hill a una ciudad estadounidense poco notable. Es probable que Sonic exista en un espacio que, en comparación, no es tan brillante, vibrante y fantástico como él. Es especialmente molestoso cuando la promesa de explorar otros mundos, así como el suyo, se deja para posibles secuelas.

Como tal, Sonic the Hedgehog es divertida, especialmente para aquellos con niños y/o padres que crecieron jugando SEGA. El rediseño de Sonic ciertamente ayuda a alimentar la nostalgia de la película, dándole a la película y al personaje un estilo visual fácilmente reconocible para los fanáticos. Si bien eso puede hacer que Sonic the Hedgehog se sienta que está tirando demasiado al lado seguro, hay algo que decir sobre dar ocasionalmente a los fanáticos exactamente lo que quieren. Para aquellos que no son necesariamente fanáticos de las actuaciones clásicas de Sonic o Carrey, la misma no tiene mucho más que ofrecer y se puede perder fácilmente en los cines. Pero teniendo en cuenta la sequía que hay ahora mismo en el cine, aquellos que buscan algo divertido para ver no se equivocarán con esta. En conjunto, Sonic es una película de aventuras bastante familiar para la familia, pero una adaptación de videojuego comparablemente buena oculta un gran potencial para una secuela más fuerte e incluso más ambiciosa.

Rating: B

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Reseña de Birds of Prey: Caos caricaturesco

En los pocos años transcurridos desde el lanzamiento del (no oficialmente titulado) DC Extended Universe, el panorama del universo compartido ha cambiado bastante, con Warner Bros inclinándose más a centrarse en sus películas de DC individuales que son parte de un mundo compartido pero que no forman parte de una narrativa más grande. Después de una película sin vínculos con el DCEU, Joker de Todd Phillips, llega una que, en el mejor de los casos, está conectada libremente al mundo más grande: Birds of Prey (and the Fabulous Emancipation of One Harley Quinn). Técnicamente un spin-off de Suicide Squad de David Ayer (la cual no nos gustó para nada salvo uno que otro personaje), que presentó a Harley Quinn de Margot Robbie, Birds of Prey ve a la anti-heroína sola y encontrando un nuevo escuadrón con el que correr, aunque solo sea por un momento. Con un sentido del humor perverso y una acción estimulante, Birds of Prey es feroz y divertida, aunque no sabe exactamente lo que quiere ser.

En Birds of Prey (dirigida por Cathy Yan y escrita por Christina Hodson [Bumblebee]), Harley Quinn está sola por primera vez, tratando de seguir adelante con su vida y descubrir quién es ahora que ya no es la novia del Joker, una tarea difícil cuando su identidad se ha relacionado con el Príncipe del Crímen de Ciudad Gótica durante tanto tiempo. Con esto, Harley también ha perdido la protección que conlleva ser la novia del criminal más famoso y peligroso de la ciudad, lo que le pone un blanco en su espalda, especialmente del jefe del crimen Roman Sionis alias Black Mask (Ewan McGregor). Sionis obliga a Quinn a recuperar un valioso diamante de la ladrona Cassandra Cain (Ella Jay Basco), pero esto hace que Quinn se cruce con la detective Renee Montoya (Rosie Perez), la cantante del club nocturno Dinah Lance (Jurnee Smollett-Bell) y la vigilante Helena Bertinelli. (Mary Elizabeth Winstead). Lo que estas mujeres tienen en común es que todas están buscando algo de emancipación, y la mejor manera de conseguirlo es derribar a Sionis.

Lo bueno

El elenco: Es difícil no gustar un elenco que entienda completamente a sus personajes. Robbie se convierte en Harley Quinn en toda los sentidos tal como lo demostró en Suicide Squad, aportando una energía salvaje y positiva y una verdadera empatía humana a la villana/anti-heroína. El guión de Hodson y la actuación de Robbie también interpretan la enfermedad mental de Harley de manera más sutil que la primera vez que apareció en el cine. Incluso, estos le dan hasta cierto tipo de importancia a su pasado como psicóloga diagnosticandose a ella misma al igual que al resto del equipo, lo cual brinda varios momentos graciosos y hasta genuinamente honestos. Como resultado, se encuentra menos genéricamente "loca" y es mucho más auténtica incluso si eso permanece indefinido. Birds of Prey realmente es la historia de Harley, pero cada una de ellas tiene tiempo para brillar, incluso si sus diversas historias de origen se sienten un poco abarrotadas en la historia ya vertiginosa. La Black Canary de Smollett-Bell, y Cass Cain de Basco hasta cierto punto, es la straight-man y solitaria en medio de un elenco de personajes con una gama de peculiaridades excéntricas, desde Renee de Pérez que es una versión meta del estereotipo de policía de los 80 hasta Victor Zsasz de Chris Messina tiene una llamarada de crueldad. Winstead encanta como Huntress con retraso social, pero, aparte de Robbie, es McGregor quien brilla más en Birds of Prey, por la naturaleza de su personaje, que va desde amenazantes a erráticas dramáticas, y se desliza hábilmente entre las personas para crear una contraparte efectiva para cada uno de las heroínas.

La visión completa de Cathy Yan: Lo que realmente eleva a Birds of Prey es la dirección y visión de Cathy Yan para la película, que se realiza en la acción, el vestuario y la música. Las secuencias de lucha son absolutamente brutales y coreografiadas para mostrar las habilidades respectivas de los personajes. Piensa que la coreografía de esta película es como si John Wick tuvo relaciones sexuales con una piñata por solo la manera en que no solo las escenas de acción son violentas sino también que los colores que se le añade las hace resaltar mucho más. Los movimientos de gimnasta de Harley regresan, y cuando pone sus manos en un murciélago, la Cupido del Crimen realmente se suelta, y dejará al público sin aliento con euforia. Birds of Prey se destaca porque es exclusivamente femenina (al igual que sus contrapartes en Wonder Woman y Captain Marvel), desde los estilos de lucha de los personajes hasta los detalles de Harley haciendo una pausa en la mitad de la pelea para darle a su amiga una corbata de pelo. Esto se extiende aún más a los disfraces, diseñados por Erin Benach (A Star is Born), que son exquisitos y muestran perfectamente la personalidad de cada personaje. La banda sonora de Birds of Prey funciona de manera similar el doble de tiempo, desde la caída de la aguja enérgica en una pieza de acción hasta una interpretación vocal más inquietante que subraya el tono y el tema de una escena. Todos estos elementos se unen para darle a la película una energía divertida, un poco caótica y completamente única.

Lo malo

La confianza es algo voluble: La película comete el error al no confiar en que Harley Quinn pueda sostener su propia película. Entiendo el deseo de Robbie de hacer básicamente otro escuadrón para rodear a Harley, pero esta vez son todas mujeres, y estos son personajes buenos en el sentido que su moral tira más para el lado del bien en comparación al de Harley. El problema es que el libreto no está muy seguro de cómo equilibrar a todos los personajes equitativamente. Quinn sigue siendo excepcional y una de las mejores realizaciones de un personaje de cómic. Me encantaría verl a Robbie interpretar a este personaje 10 veces más porque sabe cómo aprovechar la energía caótica de Quinn sin perder su humanidad. Pero el resto del elenco (salvo McGregor) se siente que están un perdido en términos del material que se les ha dado, ya que algunos no tienen mucho que hacer hasta el final de la película. El resultado es en gran parte Harley Quinn y sus Super Amigas, lo que estaría bien si la película no dependiera totalmente de imitar a Deadpool. 

Sentido de identidad: Para una película que aparentemente trata sobre cómo estas mujeres aprenden a valerse por sí mismas (y de nuevo, funciona muy bien con Harley en particular y no necesariamente con los demás personajes), Birds of Prey se apoya fuertemente en lo que hizo que Deadpool sea un éxito: irreverencia, mucha narración del personaje principal, edición rápida, escenas de acción lujosas y violentas, una obsesión con un alimento en particular, y un primer acto que sigue girando sobre sí mismo para tratar de mantener el ritmo optimista. Entiendo que a los estudios les gusta copiar otras películas exitosas, pero Birds of Prey, con su equipo femenino, tenía el potencial de ser algo propio en lugar de una copia de algo que ya existe. No es hasta que llegas al tercer acto que la película encuentra su propia energía y comienza a disparar a todo ciliíndro.

Ciertamente hay potencial para todos estos personajes en el futuro, pero los cineastas y/o el estudio no sabían qué hacer con Harley Quinn, especialmente cuando el universo DC comenzó a cambiar rápidamente a raíz del fracaso de la Justice League (aunque nosotros disfruta la película por lo que es). La solución, como se ve en películas como Aquaman y Shazam! ha sido "simplemente hacerlo divertido" o en películas como Joker que no tienen absolutamente nada que ver con todo lo demás, y en esos sentidos, Birds of Prey continúa con la primera dirección de manera bastante efectiva en comparación con el otro camino. Es una pelicula divertida. Tiene actuaciones divertidas. Me gusta y me gustaría pasar tiempo con estos personajes tanto durante esta película al igual que en futuro. Pero esa es toda la emoción que pude conseguir en esta entrega.

Rating: B

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Reseña de Bad Boys for Life: Adaptándose a una nueva realidad

Voy a ser 100% honesto para comenzar esta reseña: no soy un gran admirador de las dos primeras películas de Bad Boys. Creo que son ruidosas, groseras y bastante repetitivas hasta el punto de que si no fuera por la química de Will Smith y Martin Lawrence, diría que ambas son películas bastante malas. Una vez que se anunció esta entrega, Bad Boys for Life, debo admitir que gemí audiblemente porque las películas de acción han evolucionado considerablemente en los últimos 17 años desde que salió la última, incluyendo tres películas de John Wick, siete de Fast and Furious, cuatro de Mission: Impossibles, dos de The Raid y Mad Max: Fury Road. ¿Dónde encaja la historia de dos detectives de Miami en todo eso? ¿Cómo pueden los Bad Boys ser relevantes en 2020 cuando salió la última película hace 17 años? Sorprendentemente, Bad Boys for Life encuentra un camino.

C uando las consecuencias de un caso del pasado vuelven a perseguirlo, el detective Mike Lowrey (Will Smith) es tiroteado por una figura misteriosa. Su compañero y mejor amigo, Marcus Burnett (Martin Lawrence) le reza a Dios para salvar a Mike, y Mike se las arregla. Sin embargo, su amistad se fractura con Mike en el camino de guerra para vengarse mientras que Marcus disfruta de la jubilación felizmente. A pedido del Capitán Howard (Joe Pantoliano), Mike se une a regañadientes con su ex, Rita (Paola Nuñez) y su escuadrón especial, AMMO. Cuando los pelos se ponen de punta, Mike y Marcus se reúnen para luchar contra los demonios del pasado de Mike y acabar con muchos tipos malos.

Lo bueno

Al borde de la acción y la demencia: La primera entrega de Bad Boys está ok por lo que es: una película de acción bastante segura con Michael Bay comenzando a mostrar lo que podría hacer como director de acción. Bad Boys II, en cambio, parece una película de un paciente que se escapó de una institución psiquiátrica. Si trataras de describir varios puntos de la trama de la secuela, parecerías una loco ("Entonces, en un punto, resulta que los malos están traficando drogas en los senos de los cadáveres"). Bad Boys for Life aterriza en algún lugar de el medio, conservando la acción ridícula de Bad Boys II mientras descarta la mentalidad "devil-may-care" en favor de una historia sobre la importancia de la familia. Los productores de Bad Boys for Life probablemente observaron el éxito de Fast & Furious y dijeron: "Tenemos que hacer algo similar a eso", y el resultado es que los personajes principales aprenden la importancia de la familia y el crecimiento.

No se siente postizo: Los directores belgos Arbi y Fallah saben lo que hace que la serie funcione, que es la química entre Smith y Lawrence combinada con acción "over-the-top". Saben que en una película de Bad Boys, la sutileza es el enemigo, por lo que debes ser lo más grande y cojonú' posible. Si bien eso puede no coincidir con los blockbusters tipo Star Wars o Avengers que tienen que tener super mitologías detrás de cada entrega, Bad Boys for Life se presenta como un encantador retroceso que puede aprender algunos trucos nuevos en lugar de ser una reliquia pesada. No sé cuánto compro realmente el elemento familiar que impulsa la película, pero obliga a los personajes a desarrollarse y cambiar. Me gusta que la película pueda reconocer que sus personajes principales están en sus cincuentenas y pueden querer cosas diferentes a las que tenían hace 25 años.

Lo malo

Como tratan a los latinos: Kate del Castillo es bastante inútil como la antagonista. Honestamente, parece ser la que le queda a Joe Carnahan cuando el iba a dirigir el proyecto (aparecería en una película anterior en la que trabajó, El Chicano). La película intenta darle un componente sobrenatural, pero eso es más porque es mexicana y una mujer que cualquier otra cosa. Realmente, el tratamiento de los latinos en general en esta película es el más estereotípico y está en línea con el mandato de Bay como director. Los personajes latinos son todos traficantes de drogas de alguna manera, con visitas a del Castillo en la Ciudad de México que son predominantemente su oración a la Santa Muerte, la santa patrona de la mayoría de los villanos mexicanos de películas en estos días. No ayuda que el gran giro de la película no coincida exactamente con la línea de tiempo de la franquicia si viste las originales.... Y hablando de eso.

El giro: El único punto en el que Bad Boys for Life comienza a desviarse es cuando comienza a seguir a Fast & Furious demasiado de cerca con la esperanza de establecer futuras entregas. El equipo de AMMO está ok (aunque unos son más bidimensionales que otros [Alexander Ludwig es el único que diría que le metió pepa para poder diferenciarse de sus contrapartes]) y no necesariamente me molestaría verlos regresar, pero los giros relacionados con el pasado de Mike son tonterías nivel telenovela. Por un lado, ese tipo de narración tonta va de la mano con la acción ridícula, pero la realidad de la película se rompe a medida que intenta copiar ritmos particulares de la serie Fast & Furious. Es mejor mantener la película simplemente bajo el paraguas de "la familia es importante" e ir desde allí en lugar de copiar obras del libro de jugadas de otra franquicia.

Si esta es la última película de Bad Boys con Smith y Lawrence (y es posible teniendo en cuenta que Bad Boys II fue un éxito cuando estrenó y aún tardó 17 años en hacerse una secuela), entonces la serie sale en una nota alta pero se inclina hacia lo que funciona sin dejar de adaptarse al panorama de acción actual. Podría decirse que una serie sobre dos policías de Miami que derribaron a los malos a lo Pepe Cojones ha sido mejor de lo que tenía derecho a ser al presentar esta a la mezcla, pero se las arregló para dejar de ser un clon de Lethal Weapon y hacer lo suyo por la fuerza de sus protagonistas. Las franquicias realmente no terminan en estos días (el equipo de AMMO se posiciona como la próxima generación de los Bad Boys), pero Bad Boys for Life no es una mala manera para que Mike y Marcus cabalguen hacia el atardecer.

Rating: B

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Reseña de 1917: Entre silencios y explosiones

El "gancho" de la nueva película de Sam Mendes, 1917, es que todo está filmado para parecer hecho en una sola toma. Sin embargo, lo más importante a tener en cuenta es que este gancho no es un truco. En una historia sobre la carrera contra el reloj, el enfoque de una toma lo coloca en el espacio mental psicológico de los personajes principales y transmite la implacable marcha de la guerra. Al eliminar los cortes, Mendes captura la crueldad e indiferencia de la guerra, y cómo eso contrasta con la humanidad de los atrapados dentro de ella. La guerra es un infierno, pero en 1917, Mendes tiene cuidado de mostrar que el infierno no convierte a las personas en monstruos y, en cambio, puede mostrar lo mejor de una persona, como tratar de salvar a un compañero soldado a riesgo de su propia seguridad.

Ambientada el 6 de abril del 1917 en medio de la Primera Guerra Mundial, los soldados británicos Blake (Dean-Charles Chapman) y Schofield (George MacKay) tienen una misión. Los alemanes han organizado una retirada estratégica para que parezca que se están retirando. Esta es una trampa, y si una división que contiene 1600 hombres sigue su plan de batalla, serán asesinados, y para agregar apuestas personales, el hermano de Blake está entre esos hombres. Blake y Schofield deben competir contra el tiempo para entregar el mensaje al coronel MacKenzie para detener el asalto o habrá una masacre de tropas británicas.

Lo bueno

Sam Mendes: Abundan las películas de la Primera Guerra Mundial: All Quiet on the Western Front, Paths of Glory y War Horse por mencionar algunas, pero lo que separa 1917 es Mendes como ambos director y escritor (coescribió el guión con Krysty Wilson-Cairns) ya que este hace que se distinga de  las demás, implicando un realismo sin paralelo, ni disminución del horror. El peligro constante de los soldados, salpicado de humor nervioso; su historia atrapa tu corazón sin mitigación. Lo que ven, tú lo ves. Lo que ellos sienten, tú lo sientes. Mucho se ha escrito sobre la técnica de la película y la idea de Mendes, utilizando una toma continua. Sin embargo, la admisión del director de que basó la historia ficticia en las experiencias de su abuelo como mensajero es asombrosa. Te encuentras rascándote la cabeza preguntándote cómo alguien podría haber emprendido tales hazañas considerando las condiciones. Y sin embargo, te sientes completamente parte de la misión, con todo y peligro.

Chapman y MacKay: La humanidad es lo más vibrante en las actuaciones principales. Aunque aparecen caras más famosas (más sobre esto abajo), esta película le pertenece a Chapman y MacKay, y son asombrosos como dos jóvenes soldados. Mendes eligió a dos actores que parecen creíbles como hombres normales en lugar de estrellas de cine que llevan uniforme de la Primera Guerra Mundial. Al instante entendemos a estos hombres como camaradas que pueden no ser los mejores amigos del mundo pero que también se encuentran en una situación en la que sus vidas están en manos de los demás. Queremos que tengan éxito no porque sean "especiales" sino porque son ordinarios, y esa humanidad ordinaria agrega peso a todas sus acciones.

La inmediación del momento: Tampoco podemos evitar estar conectados con Blake y Schofield debido a la inmediatez de la acción. 1917 es una maravilla técnica, y aunque Mendes ha hecho buenas películas en su carrera como American Beauty y Skyfall, podría decirse que esta es la más exigente. Me encantaría ver un largometraje documental sobre cómo hicieron esta película. En una época en la que se le da tanto peso al CGI, el poder de la producción cinematográfica de 1917 proviene de la tecnología analógica como el tiempo y la iluminación. Nuevamente, 1917 tiene éxito en parte debido a sus poderosos contrastes. Tienes un escenario que muestra la muerte y la decadencia de la guerra, pero la filmación en sí misma es un reloj exquisito donde todo tiene que funcionar de acuerdo con el plan, o la toma se vendrá abajo. La filmación tiene que ser perfecta para mostrar a Blake y Schofield tratando de sobrevivir en un mundo profundamente imperfecto.

Silencios dentro de la guerra: Aunque muchos pueden ir a ver películas de guerra para experimentar balas zumbar sobre sus cabezas y ver explosiones. Sin embargo, las ansiedades producen tanta tensión como cruzar el No Man's Land. El suspenso no cede, a veces demasiado para algunos que dejaron la proyección a la que asistí (como los pendejos que se sentaron detrás de nosotros que hubieran preferido hablar sobre los terremotos a mitad de película y preguntarse si los cuerpos muertos estaban realmente muertos, pero estoy divagando), y las imágenes permanecen en su mente, aunque es posible que no las esperes. Proporcionar detalles sería impartir spoilers. Basta con decir que la historia impredecible al igual que varias escenas tiernas, nos recuerda que aquellos en el poder que declaran la guerra tienen poca comprensión de cómo sufrirán sus soldados. Estos hombres no eran voluntarios. En cambio, muchos como Blake, fueron sacados de sus granjas y enviados a la batalla. Más civiles indefensos; sus animales de granja atrapados en la mira sin nadie que los proteja deben luchar por sí mismos.

Roger Deakins: El cinematógrafo legendario Deakins está en camino a su decimoquinta nominación al Oscar y probablemente su segunda victoria con esta película (había ganado recientemente por Blade Runner 2049) al convertirnos en el tercer hombre/mujer en la misión. Estamos en silencio y observamos todo lo que ocurre, pero estamos justo al lado de Blake y Schofield en su viaje. Somos testigos de lo que presencian, y es un mundo lleno de muerte y decadencia. Mientras que una película como Saving Private Ryan te pone en medio de la violencia, 1917 muestra en gran medida sus secuelas de innumerables cadáveres esparcidos por el campo de batalla. La cinematografía cuidadosa nunca perdura o explota estas muertes, pero tampoco pierde de vista lo que sucedió y esa guerra no ha creado nada que valga la pena.

Lo malo

Los actores de renombre: Es un poco molesto cuando la gente aparecen de repente sin ninguna razón. Parecía que no había una razón real para que estuvieran allí y que pudieran actuar literalmente por cualquier actor que no sean estas caras famosas. Y no digo que haya sido malo verlos (tres de ellos creo que son fantásticos en otros proyectos). Sin embargo, se sintió un poco gratuito y distrajo a lo que la historia les pide a sus actores principales y hacia dónde debería avanzar.

Si la realización de películas de Mendes a veces ha sentido como si no hubiera superado por completo sus inicios en el teatro, 1917 es tremendamente cinematográfica, una película que te hace sentir el aliento de la mortalidad en el cuello. Algunos pueden verse sacudidos por la indirecta de los videojuegos a medida que las figuras silueteadas corren a través de ruinas en llamas, pero hay causas menos nobles que conectar una audiencia masiva a este momento de la historia con una nota de gramática visual familiar. No abarata una película cuyos riesgos valgan la pena y que trascienda sus vanidades: una historia para todos aquellos que, como Schofield, quieren más de un mundo que la lucha.

Rating: A

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