Las 10 de los 2010s: Mejores actuaciones

(Este artículo es parte de una serie llamada Las 10 de los 2010s, el cual celebra todas las películas que estrenaron durante la década de los 2010s).

Esta última década ha estado llena de actuaciones increíbles. No fue difícil ir por todos los años en la temporada de premios y contar los muchos desaires no porque los actores nominados no lo merecían, sino porque muchos otros también merecían elogios y reconocimientos. Pero hay algunas actuaciones que simplemente se quedan contigo o definen a un actor tan bien o crean un personaje inolvidable que necesitan ser reconocidos. Con eso en mente, hemos enumerado algunas de nuestras actuaciones favoritas de la década, y aunque está lejos de ser exhaustiva (podríamos haber hecho fácilmente una lista que superó los 100 actuaciones), creemos que estos actores merecen un reconocimiento especial por sus trabajos increíbles. 

Como toda lista que hacemos en esta página, estas fueron escritas en un papel para cada integrante y se hicieron un ranking usando promedios, convenciendo y chantajeando uno al otro. La lista es nuestra opinión sincera y no la lista definitiva de todos los tiempos. Sabemos que hay personas que tienen opiniones diferentes y está más que bien y que todas las películas son subjetivas. Además, nos concentramos únicamente en las películas que están entre el 2010-2019.

Menciones Honorables: Chiwetel Ejiofor en 12 Years a Slave, Eddie Redmayne en The Theory of Everything, Laurie Metcalf en Lady Bird, Josh Brolin en Avengers: Infinity War y Adam Driver en Marriage Story.

Natalie Portman en Black Swan

A lo largo de los años, Darren Aronofsky ha creado películas que no solo brindaron una experiencia cinematográfica fascinante a la audiencia tal como Requiem for a Dream, sino que también permitieron a sus actores llevar su trabajo a un nivel superior y aprovechar esos elementos de su psique que de otra manera no se atreverían. En el thriller psicológico, Black Swan, utilizó el personaje de una bailarina para retratar el atractivo oscuro de la perfección y el precio que exige la cordura. La película es inquietante, en el buen sentido, y es el rendimiento impecable de Natalie Portman lo que lo eleva a tal nivel. Ella interpreta a la heroína trágica, infestada de obsesión, con tal perfección que casi puedes sentir su paranoia filtrándose en ti.

Melissa McCarthy en Bridesmaids

Melissa McCarthy se ha labrado un nicho bastante lucrativo en los últimos años, interpretando al personajes ruidosas y temerarias que dirá literalmente cualquier cosa para que el público se ría. Pero es su actuación en Bridesmaids la que honestamente alcanza todas las marcas necesarias para convertirse en una de, si no LA, actuación cómica de la década. Desde su primera escena en la que cuenta la historia de cómo se cayó de un crucero y luego se montó encima de un delfín, hasta la inolvidable escena de intoxicación alimentaria ("¡Sale de mí como la lava!"), cada una de sus líneas da en el blanco cada vez. Su personaje podría haber sido fácilmente un blanco para bromas infantiles sobre su peso, pero en cambio, es la más fuerte de todas las mujeres, obteniendo un extraño tipo de respeto de cada una de ellas, una nominación al Oscar de la Academia y las risas de la audiencia. .

Daniel Day-Lewis como Abraham Lincoln en Lincoln

Creo que subestimamos cuán bueno es Daniel Day-Lewis. No, de verdad. Ve There Will Be Blood,  Lincoln y luego Phantom Thread back-to-back-to-back, y trata de preguntarte cómo el mismo actor hace papeles tan y tan diferentes con tanta ferocidad. ¡Es una locura! Y aunque su actuación en Phantom Thread es realmente tremenda, es su trabajo en Lincoln lo que simplemente debe destacarse en esta lista aquí. El aspecto físico de la actuación es una locura, ¡se ve y suena como Abraham Lincoln! Pero es la emoción y la lucha interior lo que muestra cuán brillante es como un actor. Esta es una película que no intenta encapsular toda la vida del hombre en dos horas, sino que utiliza un evento significativo para perfeccionar lo que hizo único a Lincoln. Y es un testimonio de Day-Lewis y Steven Spielberg que al final de la película, sentimos que entendemos mejor esta figura histórica como ser humano.

Anne Hathaway como Fantine en Les Miserábles

Lo que una actriz puede hacer con solo 15 minutos en pantalla. En la escena de I Dreamed a Dream, el himno de pérdida de Fantine, Hathaway se entrega en su totalidad, una capella, como un tiro apretado en su carar. Vemos en cada estremecimiento de su boca, y el destello de sus ojos, la desesperación, la humillación y, al final, la furia, siente que "la vida ha matado el sueño que soñé". La propia madre de Hathaway interpretó el papel en Broadway, y lo dejó para dedicarse a la crianza de sus hijos. Es apropiado que su hija tenga una conexión emocional poderosa con el papel de una madre que haría cualquier cosa por su hija. Sin embargo, Hathaway le da complejidad a un personaje que anteriormente solo había sido retratado como mártir. Fantine de Hathaway tiene sarcasmo cuando lleva a un marinero a su cama, irrita cuando se defiende de otros trabajadores de la fábrica y se enoja cuando se enfurece contra Jean Valjean por permitir que la despidan. Es imposible ver está película y no estar sorprendido y conmovido por la actuación que muestra Hathaway en pantalla.

Leonardo DiCaprio como Jordan Belfort en The Wolf of Wall Street

Leonardo DiCaprio es uno de nuestros mejores actores vivos, y pudo haber presentado la mejor actuación de su carrera (hasta ahora), no en la que le ganó su Oscar en The Revenant, sino en The Wolf of Wall Street. El papel engañosamente simple de Jordan Belfort se hace memorable y convincente en virtud del hecho de que DiCaprio profundizó en llevar a este millonario obsesionado con el poder a la pantalla. Sí, es un tremendo arco dramático de "ascenso y caída", pero DiCaprio también ofrece simultáneamente una de las actuaciones físicas más impresionantes de la década, ya que Belfort a veces se llena de lo que esencialmente se puede describir como Bugs Bunny en que es un asshole en todos sus actos de soborno, drogas, engañando a su(s) cónyuge(s) y demás, pero le a él en todo lo que hace.

Rosamund Pike como Amy Dunn en Gone Girl

Cuando trabajaba en los cines de San Patricio y salió esta película, me percaté que todo hombre que iba a verla agarrado de mano de su pareja salía de la misma lo suficientemente lejos de ella/él atemorizados de lo que podría pasarle. Rosamund Pike y su personaje de "Amazing Amy" es la razón porqué. Aunque poco se puede decir del rol sin arruinar los giros y vueltas locas de la novela de Gillian Flynn, no hace falta decir que es un papel increíblemente exigente, que Pike asume con calma. Aunque su parte inevitablemente se comparará con un cierto papel nominado al Oscar de un cierto thriller de los 1980s, Pike ofrece algo muy suyo, huyendo de la felicidad velada de un matrimonio fallido con algo mucho más insidioso e inquietante. Pike obtiene un material increíblemente desafiante para trabajar durante su tiempo en la pantalla, y dado lo inherentemente tonta de la historia, se las arregla para, junto con la fabulosa dirección de Fincher, venderlo como si fuera Shakespeare.

JK Simmons en Whiplash

¿Quieres algo eléctrico? No busques más que J.K Simmons en Whiplash, un placer para la multitud que produce arte excitantemente emocionante a partir de la batería de jazz. Simmons es el maestro del infierno, empujando a sus estudiantes a límites que quizás ni siquiera pensaron que existían. Piensa en el Sgt. Hartman de Full Metal Jacket, pero que se convirtió en un profesor de la banda de Jazz en la mejor escuela de música de los Estados Unidos. Ves cada movimiento, rayos cada asentimiento, que Simmons hace en una fascinante actuación llena de comportamiento éticamente cuestionable y confusos dilemas morales. Nos llevó un profesor de música para hacer preguntas sobre los límites que podrían existir para perfeccionar su arte.

Viola Davis como Rose Maxon en Fences

Viola Davis ha cautivado al público por mucho tiempo con sus representaciones de mujeres fuertes y complejas, pero tiene una historia especial con el papel de Rose Maxon. Primero interpretó a la matriarca amorosa pero descuidada en el teatro, y conoció a Rose de adentro hacia afuera antes de que Denzel Washington la invitara a volver a visitar al personaje en la pantalla. Basta decir que no fue una sorpresa ver que Davis ofreció una actuación que se sintió como si hubiera sido vivida durante décadas, y fue declamada durante toda una vida de silencio. Es una presencia estoica y confiable en la mayoría de las escenas, y absolutamente dominante cuando lo necesita. Davis entiende la súplica obediente requerida para que esta mujer satisfaga la definición de esposa de su esposo, pero al mismo tiempo, dibuja una línea clara en la arena y encuentra una nueva fuerza en sí misma cuando Troy se atreve a cruzarla. Es una transformación desgarradora, y una que Davis se convierte en el punto central de la película por pura fuerza de voluntad.

Rami Malek como Freddie Mercury en Bohemian Rhapsody

Malek profundiza tanto en el papel que no podemos creer que no estamos viendo a Mercury de verdad, comenzando por el cantante y el actor compartiendo una experiencia inmigrante (los padres del actor son de Egipto, Mercury de Zanzíbar). Mezclando su voz con las voces de Queen y Mercury, como Marc Martel, la estrella está personificada. En el set, el actor cantó la voz que tensa la garganta con su propia voz para que, toma tras toma, la sincronización de labios coincidiera perfectamente y borrara cualquier mancha de karaoke malo. También usó dientes postizos para capturar los cuatro incisivos adicionales en la mandíbula superior de Mercury que el cantante insistió le dio más poder y alcance. Y le mete a la bravuconada sexual del líder en el escenario, con su cabello cortado y su bigote de estrella porno, soltándose con las canciones famosas de la banda, tal como "We Are the Champions", "We Will Rock You", "Radio Ga Ga" y la canción del título.

Joaquin Phoenix como Arthur Fleck en Joker

Joker es uno de los villanos más queridos, cuya popularidad se disparó exponencialmente después de la actuación inolvidable de Heath Ledger en The Dark Knight. El fallecido actor había recibido un Oscar por traer a este personaje oscuro y malicioso a la pantalla, lo que hizo que todos estuvieran aún más entusiasmados después de que se anunció que Phoenix haría el papel en la adaptación del personaje de Todd Phillips. Y no es una hazaña sorprendente, él es nada menos que magnífico interpretando algo totalmente diferente a lo que vino antes. Como el narrador poco confiable, Phoenix nos toma de la mano mientras descendemos a la locura interna de Arthur en un mundo que honestamente no se preocupa por nada ni nadie que lo habita. Decir que su actuación es inquietante es alabar la realidad de la situación, el entendimiento que esto es un reflejo de lo que podría pasar en el mundo si no estamos pendientes de la salud mental del prójimo y la dedicación que Phoenix aportó al papel.

Otras listas de las 10 de los 2010s:
- Películas de cómics
- Películas "Underrated"

¿Cuáles tú piensas que fueron las mejores actuaciones de la década? Déjanos saber en el área de los comentarios o en nuestra página de Facebook: www.facebook.com/MovieRican.

Recuerda darle LIKE y SHARE la nuestra página.

Reseña de Jumanji: The Next Level: Entretenimiento por medio de secuelitis

Jumanji: Welcome to the Jungle fue el/la reboot/secuela que absolutamente nadie quería que resultó ser bastante buena en todos los sentidos. A través del carisma de sus cuatro protagonistas (Dwayne Johnson, Kevin Hart, Karen Gillan y Jack Black), la película actualizó la premisa original de la película para una era moderna, transformando el juego de mesa en un videojuego retro y llevando a los jugadores al mundo fantástico en lugar de traer elementos de la jungla a la vida real. La próxima entrega de la franquicia, Jumanji: The Next Level, ve a los jugadores nuevamente en el mundo de los videojuegos, aunque con nuevos niveles y desafíos por enfrentar. La película es en gran medida un recauchutado de la película anterior, pero algunos elementos nuevos y divertidos contribuyen a una secuela de aventura emocionante y estruendosa.

Dos años después de los eventos de la primera película, esta retoma a los cuatro personajes principales después de graduarse de la escuela secundaria y se separaron, aunque siguen siendo amigos, en su mayoría. Cuando Spencer (Alex Wolff) abandona los planes de brunch con Fridge (Ser'Darius Blain), Martha (Morgan Turner) y Bethany (Madison Iseman), estos trers van a su casa, solo para descubrir que ha arreglado el juego de Jumanji y regresó para tener una aventura en la jungla nuevamente. Estos luego deciden entrar después de Spencer y salvarlo, solo para darse cuenta de que el juego atrajo a Fridge, Martha, el abuelo de Spencer Eddie (Danny DeVito) y su mejor amigo Milo Walker (Danny Glover). Bethany, dejada fuera del juego, debe encontrar la manera de llegar a sus amigos, mientras que los demás se enfrentan a una nueva aventura como Bravestone (Dwayne Johnson), el profesor Shelly (Jack Black), Mouse (Kevin Hart), Ruby Roundhouse ( Karen Gillan) y el nuevo avatar Ming Fleetfoot (Awkwafina).

Lo bueno

La dinámica entre los personajes: Esto es lo que más ayuda a mantener fresco el formato de esta nueva serie de películas, con Johnson y Hart interpretando nuevos personajes como los avatares de los caballeros mayores Eddie y Milo. Para darle un poco de corazón a la película, Eddie y Milo se ven obligados a volver a estar juntos después de estar separados durante 15 años debido a una disputa comercial. Si bien esa dinámica termina siendo secundaria a la aventura principal (más sobre eso abajo), y se presenta como un ritmo emocional más superficial de lo que probablemente esperaban los escritores, sin embargo, es increíblemente divertido ver a Johnson y Hart adoptar los gestos de DeVito y Glover. Además de esos dos, Black tiene un turno hilarante como Fridge en el avatar Shelly, mientras que Gillan presenta la película con Martha como el único personaje que regresa como el mismo avatar. Además, Awkwafina se une al grupo en The Next Level como un nuevo avatar que encaja perfectamente con Johnson, Hart, Black y Gillan, creando una dinámica de personaje bien divertida.

La acción/comedia: El director, Jake Kasdan, regresa a equilibrar todos estos personajes y situaciones con habilidad lúdica, el guión que coescribió con los escritores Jeff Pinkner (Venom) y Scott Rosenberg (Con Air) es un poco de tonterías enérgicas y motivadas por los personajes que son muy divertidos. Al igual que que la película anterior, estas situaciones francamente tontas en el caos de los videojuegos tiene un chisporroteo cómico que es contagioso. Aún más impresionante, Kasdan presenta mejores escenas de acción para esta excursión, incluyendo una pieza con unos puentes colgantes al igual que la del escenario culminante ambientada dentro de una guarida helada en la ladera de la montaña con un enorme zepelín alimentado con hidrógeno, una gran mejora con respecto al clímax algo aburrido de la película anterior.

Lo malo

Secuelitis: El diagnóstico que se le da a una película que es bastante similar a la original. Es difícil no darse cuenta de que The Next Level es, en términos generales, la misma película que Welcome to the Jungle. Ambos cuentan con un grupo extraño que se encuentra en un mundo peligroso lleno de aventuras, y tendrán que descubrir cómo trabajar juntos para sobrevivir. Si bien los desafíos y la dinámica del grupo son diferentes esta vez, es más o menos la misma historia. Afortunadamente, esa historia demostró ser lo suficientemente convincente en Welcome to the Jungle y continúa en The Next Level, incluso si algunos chistes se vuelven un poco tediosos para el final de la película.

No todo se siente orgánico: Todo se siente un poco demasiado acolchado de vez en cuando, y aunque el actor de Game of Thrones, Rory McCann (Sandor Clegane, alias The Hound), sin lugar a dudas se ve como el matón villano Jurgen el Brutal, no puedo decir que la película haga lo suficiente con él para que el personaje se convierta verdaderamente odiable. La forma en que Bethany y otro personaje regresan son reintroducidos en la historia no es completamente orgánica y también se ve moderadamente forzada, su apariencia es más una forma ingeniosa y conveniente de sacar a la pandilla de una situación difícil de lo que es giro planeado bien planificado.

Lo feo

Los conflictos grupales son básicamente echados hacia un lado: Tanto los conflictos del grupo de jovenes al igual que el de los señores mayores están casi enajenados de la historia como tal. La necesidad de Spencer de volver a un juego que casi lo mata y sus amigos deberían ser mucho más grandes, pero básicamente se disculpa y en realidad no se revisita nuevamente a lo largo de la película. Hay un poco más de carne en el distanciamiento entre Eddie y Milo, pero honestamente, preferiría ver eso como una película real donde DeVito y Glover interpretan a dos cascarrabias que necesitan reparar su amistad. Pero Hollywood no está interesado en hacer ese tipo de película porque no gana mil millones de dólares, por lo que es mejor manejar el conflicto con una de las estrellas de acción más grandes y una de las estrellas de comedia más grandes.

Como tal, Jumanji: The Next Level es una visita obligada para los fanáticos de la última película, y un paseo entretenido para todos los cinéfilos. El humor de la película es absolutamente hilarante y, aunque el corazón es algo superficial, proporciona suficiente equilibrio para elevar la comedia. Aunque la historia se desgasta un poco después de haber sostenido dos películas, The Next Level prepara el escenario para reinventar la premisa una vez más en una tercera película, que es lo suficientemente emocionante como para entusiasmar a los espectadores por una tercera secuencia en la serie de reinicio. Queda por ver si esta es lo suficientemente exitoso como para garantizar esa película, y si puede estar a la altura del éxito de Jumanji: Welcome to the Jungle. Pero, en última instancia, Jumanji: The Next Level es divertido para toda la familia, ya que proporciona un emocionante viaje entretenido a través de un nuevo terreno, incluso mientras se mantiene firmemente arraigado en el mundo que los espectadores de Jumanji conocen y aman.

Rating: B

¿Qué tú pensaste de Jumanji: The Next Level? Déjanos saber en el área de los comentarios o en nuestra página de Facebook: www.facebook.com/MovieRican.

Recuerda darle LIKE y SHARE a la página.

Las 10 de los 2010s: Películas "Underrated"

(Este artículo es parte de una serie llamada Las 10 de los 2010s, el cual celebra todas las películas que estrenaron durante la década de los 2010s).

Hubo muchas películas geniales en la última década. Lo que hace que la década de los 2010s sea diferente es que hubo aún más demanda en nuestros tiempos con el auge de la transmisión y la era de Peak TV. Las películas tienen que competir seriamente con otras formas de entretenimiento, y eso hizo que fuera más que fácil para las películas que pudieron haber recibido word-of-mouth para ser vista. Además, con una mayor dependencia de la propiedad intelectual, cualquier película que no formara parte de una franquicia masiva podría dejarse de lado. Con todo eso en mente, hemos reunido una lista de las mejores películas de la década que probablemente pasaron desapercibidas. Si has visto alguna de estas películas, ¡genial! Pero por alguna razón, estas películas no conectaron lo suficiente en la taquilla o tuvieron problemas para convertirse en parte de la conversación cultural, aunque fueron tomadas por sí mismas, son absolutamente fabulosas. A medida que termina la década, le recomendamos que busque una o dos de las siguientes películas para ver lo que se ha estado perdiendo.

Como toda lista que hacemos en esta página, estas fueron escritas en un papel para cada integrante y se hicieron un ranking usando promedios, convenciendo y chantajeando uno al otro. La lista es nuestra opinión sincera y no la lista definitiva de todos los tiempos. Sabemos que hay personas que tienen opiniones diferentes y está más que bien y que todas las películas son subjetivas. Además, nos concentramos únicamente en las películas que están entre el 2010-2019, y las dividimos por año y no por preferencia.

2010. The Town

Hay muchas cosas buenas que decir sobre The Town, pero es difícil elegir por dónde empezar, ya sea hablar del elenco (especialmente a Jeremy Renner), las escenas de los robos y demás. Pero el lugar más fácil para comenzar es con el director, escritor y protagonista, Ben Affleck. Affleck conoce su camino detrás de escena capturando emociones crudas, violencia realista y arenosa, y realmente mostrando a su audiencia que sabe cómo hacer que su elenco represente sus papeles casi a la perfección. La visión oscura y corrupta de Boston de Affleck me recordó algo que Martin Scorsese habría creado con New York en Taxi Driver o Mean Streets y hasta con el mismo Boston en The Departed. Si Affleck sigue así (y sabemos que él puede ya que su seguimiento, Argo, ganó Mejor Película [su seguimiento a esa, Live By Night, es más un fracaso ambicioso]), nunca se sabe, pero podría convertirse en el próximo Scorsese.

2011. 50/50

A pesar de todos los elogios críticos que recibió cuando estrenó en otoño del 2011, todavía parece que 50/50 ha sido olvidada en su mayoría, lo cual es una lástima teniendo en cuenta que es una de las mejores películas de 2011. Cuenta con un gran guión desairado por los Oscars de Will Reiser, un verdadero sobreviviente de cáncer de vida en cuya historia se basa esta película. Cuenta con una gran actuación central de Joseph Gordon-Levitt, quien maneja sin esfuerzo los momentos más claros y más oscuros de la narrativa con igual garbo. El aspecto más subestimado de esta película y sus armas secretas son Seth Rogen, el amigo de la vida real de Reiser que interpreta una versión de sí mismo y aporta una sorprendente cantidad de calidez y corazón a la historia de un joven que se enfrenta a la posibilidad de muerte, así como el desempeño de Anjelica Huston como una madre dominante pero afectuosa que debería haberle ganado otro Oscar en mi humilde opinión. Sin embargo, aquellos que lo descartan como un vehículo de Seth Rogen o como "esa comedia sobre el cáncer" están completamente ciegos a la verdadera naturaleza de la película. Sí, tiene algunos momentos fantásticamente histéricos (incluida la mejor referencia de Total Recall en la historia de la película), pero la película nunca tiene un momento emocional falso a pesar de que el público tiene un muy buena idea de cuál será el resultado. La cantidad de inversión emocional que Reiser y el director Jonathan Levine pusieron en estos personajes le permite al público sentir que está experimentando la enfermedad del personaje principal personalmente sin sentirse manipulado emocionalmente. 50/50 tuvo un grado de dificultad tremendamente alto en cuanto a ejecución y lo logró mejor de lo que creo que la mayoría de la gente podría haber imaginado.

2012. Rise of the Guardians

Esta es una película que quizás estrenó un año más temprano de lo que debió haber sido estrenada ya que cierto personaje con poderes de hielo aún no había llegado al cine cuando esta salió a la venta. Sin embargo, incluso con un elenco repleto de estrellas que incluía a Chris Pine, Hugh Jackman, Isla Fisher, Alec Baldwin y Jude Law, así como al productor Guillermo del Toro, Rise of the Guardians no logró captar al público, lo que me dejó rascándome la cabeza. Me encantó el mundo que crearon y desearía que pudiéramos explorar más. La animación es tan hermosa que al menos esta película debería haber sido nominada en algunas de las otras opciones (tal como Brave, que terminó llevándose el Oscar por Mejor Película Animada). E incluso los personajes eran únicos y de diseño creativo (especialmente el Papá Noel ruso). El viaje de Jack Frost me enganchó la mirada a la pantalla a lo largo de toda la película, con buenos momentos de suspenso y ligereza, así como mensajes excelentes en capas durante toda la película.

2013. 42

La película Black Panther básicamente debe su existencia a esta película debido a que fue la que puso a Chadwick Boseman en el mapa al estrellato. Lo que pudo haber sido una biografía de la vida de Jackie Robinson se convirtió en mucho más, ya que cuenta una historia de la revolución racial en el béisbol, que se intensificó después de una decisión audaz del ejecutivo de los Dodgers de Brooklyn, Branch Rickey (Harrison Ford en una de las mejores actuaciones de su carrera legendaria). Al principio no me sentía cómodo con la idea de la discriminación racial, porque he visto muchas buenas películas sobre este tema, y me puedo aburrir ya que la mayoría de ellas se parecen mucho. Pero 42 no surge emociones raras, sino que provoca una gran satisfacción. Es una película que debería haber sido un éxito ganador entre los fanáticos del béisbol y el cine pero que espero que encuentre una audiencia mucho mayor a medida que pasen los años.

2014. Paddington

Culpo al cínico que había en mí por haber hecho que mi novia comprara boletos para Paddington, la hiciera saltar a Blackhat con Chris Hemsworth porque es una "película varonil" y luego salir porque esta última era terriblemente terrible. El trailer de la película del osito fue demasiado espantoso para superarlo y esperaba una situación tipo Alvin and the Chimpmunks o Yogi Bear basada en esa experiencia. Con todo lo dicho, debo admitir que esta película derritió todo mi cinismo. En 95 minutos, Paddington logra armar una historia que es lo suficientemente emocionante para que los niños la disfruten, junto con las ingeniosas piezas que Paul King ha ejecutado en su escritura y dirección. Sin embargo, también tiene suficiente material desafiante para fomentar las conversaciones con los padres sobre el tema que generalmente se esconde debajo de la alfombra en el contenido que se le ofrece a los niños hoy día. Paddington es un éxito triunfante como película para niños y una adaptación literaria que va más allá.

2015. The Gift

Aquí hay otra sorpresa que también se vio afectada por promociones terribles: The Gift es un thriller maduro que es mucho más complejo y elegante de lo que sugieren los trailers. No sé qué causó que el departamento de marketing del estudio hiciera que la película pareciera un thriller tan barato, predecible y de segunda categoría que de alguna manera se había apoderado de actores talentosos, pero ahora sabemos la verdad. Como el debut de Joel Edgerton como director, es impresionante, teniendo en cuenta la sensación de artesanía detrás de la cámara. La cinematografía es hermosa y el ritmo es lento, pero nunca aburrido. La premisa también es engañosamente simple, volviéndose más intrincada y envolvente a medida que avanza la película.

2016. The Nice Guys

No muchas películas de cineastas crecen como las obras de Shane Black, y agregan dos artistas con la química de dinamita de Ryan Gosling y Russell Crowe y obtienes la explosión de The Nice Guys. Este híbrido de comedia negra nociva ve a Gosling y Crowe como el detective privado Holland March y Jackson Healy, dos hombres moralmente dudosos que hablan sobre el caso de una adolescente desaparecida (Margaret Qualley). En un mundo perfecto, estaríamos tres o cuatro películas en la franquicia de March & Healy. O, al menos, The Nice Guys sería reconocida como una de las mejores comedias de la década. Esta película gobierna, simple y llanamente.

2017. Wind River

Un drama cautivador que es reflexivo y sombrío. Taylor Sheridan escribe y dirige un filme que juega con los tropos clásicos de las películas de vaquero en el contexto de la modernidad. Si la tomas por sus propios méritos, Wind River es una mirada fascinante a las necesidad y limitaciones de la compasión y el dolor. Esta deriva su energía de ser una película de crimen pero su corazón viene de ver a un hombre (Jeremy Renner en una de sus mejores actuaciones) tratar de navegar lo mucho que es capaz de ayudar y cómo a pesar de que puede ser un rastreador experto, no puede arreglar al mundo ni sus injusticias. Esta película es fría y brinda una mirada a unas estadísticas que uno no puede creer que sean reales pero que desafortunadamente lo son. Cualquier otro año esta película hubiese estado al tope o cerca del tope de muchas listas de premios y críticos, pero desafortunadamente no fue así.

2018. The Hate U Give

La mejor película del 2018 que habla sobre los problemas raciales que han ocurrido, ocurren y (lamentablemente) ocurrirán no fue la ganadora de Mejor Película de ese año, Green Book (que terminó ganando Mejor Película del Año para el disgusto de muchos). Fue una que, desafortunadamente, no fue vista por muchos por diferentes circunstancias llamada The Hate U Give. Ambos Amandla Stenberg y Russell Hornsby merecían ser reconocidos por sus actuaciones como la chica divida por dos mundos y las personalidades que habitan en ambas y su padre que trata de mostrarle la mejor manera de ella expresarse en un mundo que no ha evolucionado desde que él era pequeño. Es una gran cosa ver una película tan impactante que puede tener una conversación madura con el público sobre lo que está sucediendo hoy día. Esta película ruega que escuches lo que tiene que decir y, por su posición en esta lista, valió la pena escuchar.

2019. Rocketman

Rocketman realmente es un milagro al explorar todo este territorio emocional rocoso con una actitud de rock and roll que es divertida. Hay un momento en la película, justo antes de tocar fondo, donde Elton le dice a su madre que ha follado todo lo que se mueve y lo ama, y que ha tomado todas las drogas y lo ha disfrutado. Este es un aspecto que me encantó de la película: sí, los malos momentos pueden ser divertidos y el placer no es un problema. Es cómo nos relacionamos con el placer, cómo nos relacionamos con los momentos divertidos, lo que se convierte en un problema. Así que Rocketman nunca tiene que denunciar la vieja vida de Elton John de la manera en que lo hacen algunas historias de sobriedad como Bohemian Rhapsody (que me gustó mucho): la película simplemente lo hace comprender que ha terminado con esas cosas, no que esas cosas sean intrínsecamente malas. Bernie todavía puede beber, solo Elton no puede. El rock and roll es divertido, y tu eventual incapacidad para manejar esa diversión no mitiga la diversión retroactivamente.

Otros listas de las 10 de los 2010s:
- Películas de comics

¿Cuáles ustedes piensan que son las películas más underrated del año? Déjanos saber en el área de los comentarios o en nuestra página de Facebook: www.facebook.com/MovieRican.

Recuerda dale LIKE y SHARE a la página.

"No hay películas 'originales' en Hollywood": Deconstruyendo el mito

"¿Por qué no hay más películas originales?" "¿No hay más ideas?" Para ser sincero, hacer estas preguntas comienza a ser un poco repetitivas. Sin embargo, debido a que casi todos en Internet siguen haciendo la misma pregunta, seguramente debe haber legitimidad para la queja, ¿verdad?. Ya sea una adaptación, secuela, remake o reboot, muchas personas sienten que la única preocupación de la industria del cine es construir sobre franquicias nuevas y antiguas y, en la superficie, parece que es así. Películas de superhéroes basados ​​en cómics como Avengers: Endgame, Joker, Captain Marvel y Spider-Man: Far From Home están apareciendo por todas partes, y la mayoría son monstruos financieros. Los estudios de cine quieren buscar el próximo Harry Potter o The Hunger Games, por lo que hacen sus propias películas basadas en libros para adultos jóvenes. Cuando se supone que las franquicias como Rocky y Men In Black hayan terminado, los estudios a menudo vuelven al mismo pozo al hacer secuelas como Creed, o hacerle un reboot a la serie como con Men In Black: International. Es cierto que el reconocimiento de franquicias es, en muchos sentidos, el nombre del juego para Hollywood.

Sin embargo, ¿qué pasaría si le dijera a usted que no solo se lanzan muchas películas originales cada año, sino que se lanzan la misma cantidad películas originales y que simplemente no estamos viendo el bosque por los árboles? Puede parecer una locura al principio, pero al mirar el paisaje de la larga historia de Hollywood, existe cierta legitimidad en este argumento. Ciertamente no es la opinión más popular, pero es una pregunta legítima para tener una discusión honesta sobre el presente y futuro de la industria. Básicamente, este artículo destacará los principales factores de por qué la edad de las películas originales es más importante ahora que nunca.

Las películas más grandes a menudo eclipsan las películas más pequeñas

Los cinéfilos que sienten que las películas originales son escasas a menudo se olvidan de considerar el hecho de que hoy se estrenan tres veces más películas que en cualquier otro momento de la historia. En el 2015, The Washington Post publicó una gráfica en uno de sus artículos, que muestra cuántas películas se estrenaron de 1970 a 2015 alrededor del mundo. 

La cantidad de películas que se lanzaron se disparó en el 2005, lo que significa más oportunidades para películas originales y películas basadas en otras propiedades para ser lanzado. Es más, mirando a una gráfica de Statista el principio de este siglo hasta el 2018, podemos ver que se están haciendo casi el doble de la cantidad de películas que se hacían hace 20 años en Estados Unidos y Canadá solamente.

Dicho esto, las películas basadas en otras propiedades ciertamente eclipsan las películas originales, pero no porque Hollywood sea anti-originalidad. Tenga en cuenta que el espectador promedio ve de 3-5 películas al año, y es muy probable que vea películas ambientadas dentro una serie preestablecida. Recuerda, Hollywood es un negocio tripartita, y tratar de comercializar una película original y hacer que el público invierta de su tiempo cuando ir al cine se sigue convirtiendo en un lujo ya que siguen subiendo precios tanto en la taquilla como en las conseciones es complicado. Incluso cuando se trata de noticias de cine (y nosotros al igual que CineXpress, Movie Network, CinePR, Butaca del Medio y otras páginas somos igual de pecadores en cuanto a esto porque aportamos al problema), la persona promedio está mucho más interesada en anuncios sobre una película de cómic o una secuela de una película popular que un proyecto 100% original (salvo si es de Christopher Nolan). ¿Qué va a ser más popular en las noticias: anunciar quién interpretará a Batman en la próxima adaptación del personaje, o anunciar una actriz para protagonizar una película original sobre una mujer que está siendo investigada por un secreto que no quiere compartir? Probablemente el anuncio de Batman. Mirando solamente el 2015 como ejemplo, hubo muchas películas originales que estrenaron en los cines (The Martian, Spotlight, Spy e Inside Out llegan a la mente). El problema es que secuelas populares como Jurassic World y Avengers: Age of Ultron resonaron más con el público. La gente simplemente tiene hambre de series de películas con las que ya están familiarizados.

Una película del Marvel Cinematic Universe, por ejemplo, capta la atención de los espectadores con personajes preestablecidos, y la tasa constante de películas anteriores que son recibidas positivamente por el público. Una película original, por otro lado, solo tiene los actores, el director y un breve vistazo de una historia para impulsar las promociones. Volviendo a un ejemplo del 2015: The Hateful Eight de Quentin Tarantino fue otra película original que fue agregada a la filmografía del director, pero Star Wars: The Force Awakens la eclipsó en todos los aspectos cuando arrasó en la taquilla. El marketing de The Hateful Eight hizo todo lo humanamente posible para presentar la sinopsis de la película sin estropear nada y destacar los nombres reconocibles de Samuel L. Jackson, Kurt Russell y el propio Tarantino. Hollywood no oculta deliberadamente películas originales como The Hateful Eight. Es solo que cuando el empujón promocional llegó, el público decidió ver Star Wars: The Force Awakens múltiples veces.

Sin embargo, la reconexión de las películas originales no se ha perdido por completo gracias a programas de premios como los Critics Choice Awards, los Golden Globes y, por supuesto, los Oscars. Películas como Gravity, Birdman, Whiplash, The Shape of Water, Get Out, y muchas más han sido reconocidas por sus películas magistrales. Lo que parece irónico acerca de las críticas contra la tetmporada de premios y sus respectivos cuerpos de votantes es cómo la gente en línea se indignó al ver películas como Captain America: The Winter Soldier, Logan y The Dark Knight no fuesen nominadas a Mejor Película en sus respectivos años. Aquí está la cosa, los Oscars deliberadamente honran las películas que no reciben el reconocimiento suficiente, y ahora las personas que se quejaron por no tener películas originales están molestos porque no se nominaron secuelas. Estas quejas parecen un poco hipócritas, pero también destaca que el hecho de que una película no sea completamente original no significa que sea mala. 

Los remakes no son malos. Los remakes malos son el problema.

Algunas de las mejores películas de cierto género son remakes. Piense en The Thing de John Carpenter, The Fly de David Cronenberg o Scarface de Brian de Palma (sí, Scarface). Más recientemente, piense en A Star is Born de Bradley Cooper (una película que ya ha sido adaptada tres veces antes que esta). Luego está True Grit de los Coen Brothers y The Departed de Martin Scorsese que fueron nominadas a Mejor Película, con esta última llevándose el premio en su año. Todas son remakes. A veces, los remakes funcionan porque la misma historia puede significar cosas diferentes en diferentes tiempos en la historia. La versión del 1956 de Invasion of the Body Snatchers de Don Siegel aprovecha la paranoia de la Guerra Fría, mientras que la versión del 1978 de Philip Kaufman captura el aislamiento de una sociedad cada vez más modernizada. Otro caso es la película de vaqueros del 1960, The Magnificent Seven, un remake de la épica Seven Samurai de Akira Kurosawa del 1954. Este es un ejemplo de una nueva versión que se adaptó para adaptarse a una cultura diferente que toma elementos de la misma historia. Otra razón para rehacer películas es expandir las ideas del original. Heat del 1995 se expande sobre la original del 1989, LA Takedown. Ambas The Magnificent Seven y Heat se consideran buenos remakes con razones sólidas para existir ya que son inherentemente la misma película, pero lo suficientemente diferentes para poder distinguirlas de sus contrapartes.

El problema entra cuando se hacen remakes por todas las razones equivocadas, lo que a su vez se convierte en una mala película. Este es el caso de Psycho del 1998, el remake del clásico de terror de Alfred Hitchcock del mismo nombre. Esta un intento de remake tan similar a la original que usa hasta las mismas tomas, por lo que las únicas diferencias son la configuración actualizada y los actores interpretando los papeles. Es una película que, como muchos otros remakes, es apenas diferente, por lo que no puede evitar compararse con la original. Esto va junto con muchos remakes, incluyendo The Lion King de este año. Muchos toman una película o franquicia que la gente ama y la rehacen únicamente con el objetivo de obtener ganancias (que en su defensa, Hollywood es un negocio y, como cualquier industria en la faz de la Tierra, están en el negocio de ganar dinero).

Otros remakes no funcionan porque los cambios realizados en realidad no benefician a la película. Hay muchas versiones de grandes películas, por lo que siempre tendrán una desventaja. Robocop del 2014 fue una nueva versión de la original del mismo nombre del 1987. La original tiene muchos temas de avaricia corporativa, corrupción y los problemas políticos oportunos de los 80. La nueva película eliminó todo significado más profundo y simplemente fue superficial al ser una película sobre un policía con un cuerpo nuevo. Muchos remakes son películas que simplemente toman un título popular existente y lo rehacen con pequeños cambios o expansión de cualquier tipo. La diferencia entre remakes buenos y malos es que esos buenos profundizan en los temas o personajes. Los remakes recientes son muy comunes debido a lo rentables que son. Sin embargo, muchos se hacen con pocos intentos de agregar nuevas capas a los originales.

Las secuelas también pueden ser originales

Aquí hay una pregunta interesante. ¿Se pueden considerar algunas secuelas originales? La respuesta ajena sería un "no" definitivo, pero no olvide considerar lo que alguien quiere decir con "original" con las comillas; en lugar de "estafarse" una película, es "rendirle homenaje" de alguna manera porque no TODAS las películas es completamente, 100% original. Max Max: Fury Road, por ejemplo, es la cuarta película de la serie Mad Max y, sin embargo, casi todos los críticos de cine tienen la película en algún lugar de su lista de las diez mejores películas del 2015, al punto que fue nominada para diez Oscars (incluyendo Mejor Película y Mejor Director) y ganó seis. De acuerdo, Fury Road es otra película de acción de persecución de autos, muy parecida a Mad Max 2: The Road Warrior, pero casi no importa cuando se tiene en cuenta la profunda narración de la película. Con un estilo propio y un mensaje feminista que es muy poderoso sin darte en la cabeza con su mensaje, Fury Road es realmente una película como ninguna otra. Solo por eso, Mad Max: Fury Road debería considerarse original por lo que ha contribuido al cine y su formato cada vez mayor. Con el guión y el director correcto, algunas secuelas pueden desarrollar historias y conceptos originales.

Las secuelas a menudo son reprendidas por pedir prestado demasiado de la primera película, por lo que es malo. Esto nunca está más claro que con la recepción crítica de Star Wars: The Force Awakens y sus enormes similitudes con la original. Mientras que algunas audiencias vieron las similitudes como entrañables, la mayoría lo vio como una complacencia flagrante a la enorme base de fanáticos. Ciertamente, las secuelas tienen la tendencia de tomar prestadas de las primeras películas, y las series de películas como la trilogía de The Hangover han sufrido debido a eso (especialmente cuando la segunda entrega fue literalmente la misma película salvo que cambiaron Las Vegas por Bangkok). Sin embargo, para una franquicia legendaria como Star Wars, tomar prestados elementos de entregas anteriores no debe considerarse como una repetición, sino como una fórmula.

Mira una serie como la trilogía de Back to the Future. Ambas secuelas repiten aspectos similares y puntos de la trama al original, pero al hacerlo, toda la trilogía se sintió completa de alguna manera. Todos siguen una fórmula similar, y los nuevos giros como Part 2 que se establece en el futuro y Part 3 que se establece en el viejo oeste es lo que los separa de cada entrada. Compare esto con la trilogía de Star Wars. Incluso The Empire Strikes Back y Return of the Jedi eran, en el momento de sus lanzamientos, también vistos como muy similares al original, y mira cómo esos dos resultaron con el paso del tiempo. The Force Awakens comparte similitudes con el Episodio IV (incluyendo un/a huérfano/a viviendo en un planeta desierto, un droide que contiene algo que los antagonistas están buscando, la muerte de un mentor y una base que destruye planetas), pero en todo caso, es lo que lo hace sentir como Star Wars de nuevo después de las precuelas (que también tiene elementos similares con la original), y eso es lo que todos los públicos realmente querían (en ese momento; todos sabemos el descojón que ocurrió después de The Last Jedi).

Las adaptaciones son originales a su manera

Las adaptaciones cinematográficas no son originales por naturaleza porque simplemente están adaptando un libro, un programa de televisión o un videojuego, entre otros, a la pantalla grande. Sin embargo, eso no significa que las adaptaciones cinematográficas no puedan invocar una nueva experiencia en un espectador. Especialmente para adaptar libros, leer una historia en la que el lector imagina la apariencia del mundo que se les describe, es completamente diferente de tener una experiencia visual como el cine. Tomemos la adaptación de Stanley Kubrick de la novela de terror de Stephen King, The Shining (la cual el mismo autor no le gusta). La película puede ser una adaptación, pero ver la película y leer el libro evoca emociones muy diferentes. Al cambiar algunos aspectos del libro, la película de Kubrick utiliza imágenes espeluznantes y traumáticas para asustar a la audiencia en el lugar de los libros, lo que explica las imágenes aterradoras para el lector.

Por mucho que los fanáticos no puedan soportarlo cuando los directores cambian aspectos de su querido libro o serie de televisión, las adaptaciones cinematográficas deben hacer cambios para que la película se mantenga de pie por sí misma. En la reseña de los críticos legendarios Gene Siskel y Roger Ebert en At the Movies para la adaptación The Lord of the Flies, ambos están de acuerdo en que hacer que la película parezca inútil porque no tiene riesgos y adapta el libro sin darle nuevas innovaciones o perspectivas a la historia. Con esto en mente, cuando los fanáticos se quejan de que una película deja de lado aspectos clave del libro, uno comienza a preguntarse si la precisión o inexactitud realmente habla de la calidad de la película. La primera prioridad de una película al adaptar una novela es hacer la mejor película posible, y ser completamente fiel al libro no es del todo necesario. Lo que un director debe hacer al dirigir una adaptación es al menos respetar el material original.

Los fanáticos odiaron la película Dragonball: Evolution, además de ser una película mala por sí misma, porque claramente perdió el encanto que se ve en el manga y anime original. Al atenuar las motivaciones de los personajes y americanizar descaradamente un anime muy arraigado en la cultura japonesa, la película falló en atemperarse tanto con los fanáticos como con los espectadores casuales que tienen una idea bien general sobre lo que es Dragonball o simplemente fueron a coger aire/comer popcorn al cine. Una adaptación que maltrata el contexto y los temas de su original es lo que hace una mala adaptación.

Hagamos un poco de matemática

Incluso con todas estas discusiones sobre lo que constituye la "originalidad" en las películas, la gente seguirá dando vueltas y diciendo "Hollywood es tan poco original". ¡De verdad! Al mirar todas las películas de 2019 lanzadas en todo el país tanto en los cines como en diferentes plataformas como Netflix y Amazon Prime, algunos pueden encontrar sorprendente cuántas películas originales se lanzaron este año solamente. Aquí hay una lista de todas las películas de Hollywood lanzadas en cines y en plataformas de streaming en el 2019 que no fueron una adaptación, secuela, remake o reboot:

Escape Room, Replicas, The Kid Who Would Be King, Serenity, Velvet Buzzsaw, Isn't It Romantic, Fighting With My Family, Greta, Triple Frontier, Wonder Park, Captive State, Us, The Beach Bum,  High Life, Little, Missing Link, Under the Silver Lake, Fast Color, Long Shot, The Intruder, Tolkien, Poms, Brightburn, Booksmart, Always Be My Maybe, Rocketman, Ma, Late Night, The Dead Don't Die, Murder Mystery, Yesterday, Midsommar, Stuber, Crawl, The Farewell, Once Upon a Time in Hollywood, The Peanut Buttter Falcon, Blinded by the Light, Good Boys, Ready or Not, Brittany Runs a Marathon, Hustlers, Ad Astra, Abominable, Lucy in the Sky, Dolemite is My Name, Gemini Man, Jexi, Jojo Rabbit, The Lighthouse, Black and Blue, The Current War, Countdown, Harriet, Arctic Dogs, Marriage Story, Playing with Fire, Midway, Klaus, Honey Boy, Ford v Ferrrari, The Report, Waves, 21 Bridges, Knives Out, Queen & Slim, The Two Popes, 6 Underground, Bombshell, Spies in Disguise, 1917, Just Mercy y Clemency.

Si los contáramos uno por uno, serían 73 películas originales que se lanzaron en el año calendario de 2019. En comparación, hubo 30 secuelas, 31 adaptaciones, 10 remakes y 6 reinicios. En total, eso suma 77 películas. Resulta que hubo aproximadamente la misma cantidad de películas originales lanzadas este año que todas las secuelas, adaptaciones, remakes y reinicios combinados. Hollywood no se ve tan poco original cuando se observan estos números; de hecho, parecen bastante equilibrados en cuanto al contenido que producen. Algunas de las películas como Us, Rocketman, Hustlers y Marriage Story fueron aclamadas por la crítica, así como éxitos financieros para sus respectivos estudios, mientras que otras como Jexi, Captive State y Stuber fueron fracasos críticos y comerciales. Esto nos trae al próximo punto de este artículo.

La originalidad no tiene nada que ver con la calidad

Hay una idea errónea que flota por el Internet de que la mediocridad en las películas de Hollywood desaparecerá si se hicieran más películas originales e historias originales. El problema con esta mentalidad es que el sistema de Hollywood no puede construir una base de nada más que películas originales. ¿Cómo sería si Hollywood hiciera menos secuelas, adaptaciones o remakes cada año? Eventualmente, el público echará de menos ver algunos de sus libros favoritos adaptados en la pantalla grande, o más exploraciones en mundos con secuelas. A la audiencia les gusta tener familiaridad en sus películas, y eso no debe verse como algo malo. Por supuesto, Hollywood, en algunos casos, exprimirá una franquicia hasta más no poder como Die Hard y Paranormal Activity. Sin embargo, el hecho de que un par de secuelas y adaptaciones no sean satisfactorias no significa que todo el género de secuelas y adaptaciones deba ser arrojado a la misma olla. Eso perjudica a todas las secuelas y adaptaciones queridas como Harry Potter,  The Wizard of Oz, The Lord of the Rings, Jaws, The Dark Knight y The Godfather.

Entonces, ¿qué pasa desde un ángulo de contar historias? Como se dijo anteriormente, se han contado tantas historias a lo largo del tiempo que, obviamente, cualquier película en la actualidad no se puede llamar completamente original. Eso es inevitablemente cierto, pero el problema es que algunas personas pueden tomar esto de la manera incorrecta. Algunos lo ven como escritores de Hollywood que no se esfuerzan lo suficiente para conceptualizar ideas originales, pero una vez más, Hollywood no puede basar una base en una mentalidad completamente pesimista. No hay escritores mágicos en el mundo que puedan hacer un guión de película completamente original con solo un dedo, entonces, ¿por qué se culpa a los libretistas de Hollywood actuales por esa razón exacta? ¿Es ahora imposible ver la Star Wars original porque toma prestados elementos de The Hidden Force de Kurosawa? ¿No podremos ver A Bug's Life porque contiene rasgos de Seven Samurai? ¿No veremos películas como Air Force One u Olympus Has Fallen porque son, en su esencia, Die Hard pero en otros lugares confinados? ¿Nunca veremos otra película con un tiburón porque Jaws existe? ¿Que no existe razón que The Fast and the Furious exista porque toma el blueprint de Point Break pero cambia las tablas de surf por carros rápidos (y furiosos)? Por supuesto que no, porque la originalidad no hace ni rompe la calidad de una película.

Si bien algunas películas son malas porque su trama y caracterizaciones se han hecho muchas veces en otras películas, la repetición es diferente de la originalidad. En lugar de juzgar una película por lo original que es la historia, podría ser mejor juzgar qué agrega una película a una historia familiar y cómo va en una dirección diferente. Parte de la razón por la cual las películas originales parecen escasas es porque muchas películas originales en Hollywood tienen una cinematografía muy estándar y algo promedio. Películas como Booksmart y The Kid Who Would Be King son películas originales, pero sin una cinematografía memorable, no se sienten originales porque se mezclan con muchas otras películas de aspecto soso. El sistema de Hollywood puede no ser perfecto en todos los aspectos, pero las películas originales son, en realidad, uno de los aspectos más fuertes de Hollywood actualmente. Nosotros simplemente tenemos que ir a buscarlas.

¿Qué piensas tú sobre la estado del contenido que lanza la industria del cine hoy día? ¿Estás de acuerdo o no? ¿Qué más pudimos haber dicho? Déjanos saber en el área de los comentarios o en nuestra página de Facebook: www.facebook.com/MovieRican.

Recuerda darle LIKE y SHARE a la página.

Reseña de Marriage Story: Una inmersión entre las dicotomías del amor y la angustia

El guionista y director Noah Baumbach ha extraído de su propia vida en busca de algún tipo de inspiración en muchas películas anteriores, incluyedo sus días universitarios en Kicking and Screaming, el divorcio de sus padres en The Squid and the Whale y cumplir 40 años en While We’re Young. Pero ahora tengo que usar dos palabras que comienzan con o y m para describir su película más reciente, Marriage Story, y eso sería, simplemente, una obra maestra. Pero no entres en eso con todas esas elevadas expectativas porque esta es una película que te sorprenderá, una con la que puedes relacionarte sin importar tu estado civil.

Scarlett Johansson interpreta a una actriz que ha estado casada con el director de teatro experimental Adam Driver durante una década. Ella ha sido su musa y protagonista en el mundo enclaustrado que habitan. Tienen un hijo pequeño y adorable, pero ella se está sofocando y ha llegado al final de su cuerda. Además, se le ha ofrecido el papel principal en un piloto de televisión que se filmará en Los Ángeles. Esa es su señal para llevar a su hijo a campo traviesa y solicitar el divorcio. No puede creer que esto realmente esté sucediendo. Su mudanza requiere que la siga a Los Ángeles y se ocupe del proceso de divorcio en una ciudad que le disgusta intensamente. Tanto el esposo como la esposa desean resolver su separación de manera amigable, pero una vez que contratan abogados (Laura Dern, Alan Alda y Ray Liotta), se ven obligados a discutir abiertamente por no solo su hijo, sino también sus sueños y algún tipo de normalidad. 

Lo bueno

Noah Baumbach: Baumbach ha estado en un viaje interesante: hace 15 años, The Squid and the Whale, otra película sobre una relación bohemia en descomposición, logró un equilibrio poco probable entre el afecto y el desdén. Margot at the Wedding y Greenberg erraron hacia la misantropía. Más tarde, trabajando con su actual pareja Greta Gerwig, llegó a una dulce forma cómica con Frances Ha al igual que The Meyerowitz Stories (New and Selected). Tal vez debería detenerse después de Marriage Story por buenas razones. Tan divertida como desgarradora, la película juega como una mezcla perfectamente equilibrada de sus sabores característicos. Algunos se quejarán de que vuelve a tener lugar entre una cierta clase alta de Nueva York (el final involucra no solo una, sino dos canciones de la Compañía de Stephen Sondheim), pero también es posible quejarse sobre el dramatis personae en Ibsen o Bergman o Proust. Baumbach conoce este mundo (la película está basada en su propia experiencia con el divorcio) y está feliz de separar sus delirios.

Sincera y humana: Algunos han señalado a Kramer vs. Kramer como precursora de esta. Dicho, en su salvajismo sobre el proceso legal, Marriage Story está quizás más cerca de la infravalorada War of the Roses de Danny DeVito en cuanto a ese aspecto. La acción de la película comienza con la pareja ya separados de manera relativamente ordenada y solo se convierten en enemigos viciosos cuando los abogados desenfundan las armas. De hecho, la película comienza con dos monólogos enormemente conmovedores, escritos como ejercicios para un consejero vocacional, que permiten a cada uno celebrar las virtudes del otro. Ninguna de las bilis posteriores se siente tan sincera. Para una película decorada con tantos bordes afilados, Marriage Story tiene un corazón sorprendentemente sincero.

Johansson y Driver: Aunque ambos actores principales son reconocidos más por sus actuaciones dentro de películas como Avengers y Star Wars, muchos sabemos que tienen la habilidad de sobresalir en otros roles fuera del mundo de superhéroes o la galaxia muy, muy lejana. Marriage Story contiene esos tipos de roles. Ambos actores son fenomenales en esta película al estar a la altura del desafío de las escenas grandes y emocionalmente agotadoras que se requieren en un drama de divorcio como este. Pero también ganan la batalla en las escenas más pequeñas e íntimas que nos ayudan a creer en Charlie y Nicole como una pareja/expareja creíble. Nadie tiene razón o está equivocado en Marriage Story (aunque es probable que elija un lado ya que ambos protagonistas exponen sus lados). Pero Driver y Johansson prosperan en el material al hacer que sus personajes sean multifacéticos, humanos, identificables y comprensivos, en algunos momentos particularmente difíciles.

El elenco secundario: Pero Johansson y Driver no están solos. Todo el conjunto es fascinante, desde Laura Dern como la glamorosa abogada de Nicole (que probablemente la llevará a una nominación, y hasta posible victoria, como Mejor Actriz de Reparto en los Oscars) hasta ambos Ray Liotta y Alan Alda como dos abogados en extremos opuestos del espectro de empatía que representan los intereses de Charlie en la corte. También Martha Kelly, una maravilla de una escena, interpretando a una evaluadora forzada que observa a Charlie y a Henry tener una cena tranquila que termina llena de vergüenza. Simplemente, de rabo a cabo, Baumbach llenó este elenco de actores preparados a dar el 101% 

Para una película que gira alrededor de una disolución de un matrimonio, Marriage Story no está exenta de esperanza. No es un revolcón total en la desesperación. Su última toma sugiere la posibilidad de normalidad, recordándome mucho la toma de Dustin Hoffman y Justin Henry haciendo el desayuno en su pequeña cocina, sin necesidad de decir una palabra pero finalmente encontrando el equilibrio después de lo que había sido una experiencia turbulenta. Lo que Marriage Story podría estar diciendo es que hay una luz al final de ese túnel, no importa cuán oscuro y sofocante pueda sentirse el túnel mientras se está viajando a través de él.

Rating: A+

¿Qué pensaste de Marriage Story? Déjanos sabe en el área de los comentarios o en nuestra página de Facebook: www.facebook.com/MovieRican.

Recuerda darle LIKE y SHARE a la página.

Reseña de Frozen II: Hacia lo desconocido

A principios de esta década, Walt Disney Animation Studios estrenó dos películas protagonizadas princesas, The Princess and the Frog y Tangled, que fueron sólidas (especialmente la última), pero no tuvieron un gran éxito. Luego vino Frozen, una nueva versión del cuento de hadas de Hans Christian Andersen "La Reina de la Nieve", que le metió todos los powers de la magía de Disney con una historia sincera sobre hermanas, un dúo de criaturas increíblemente lindas y un éxito enorme con Let It Go. Todo culminó en una tormenta perfecta donde Frozen recibió elogios de los críticos y ganó más de mil millones en la taquilla mundial. Ahora, seis años después, Frozen II está llegando a los cines, aunque quizás tenga más que ver con el éxito de la original que con la historia que lo exige. Frozen II no necesariamente alcanza las alturas de la primera película en terminos de historia, pero con temas emocionales más complejos y un soundtrack supersólido, la secuela demustra que todavía hay mucha magia de Disney.

Anna (Kristen Bell) y Elsa (Idina Menzel) viven felices en Arendelle después de los eventos de la película original, teniendo noches de juegos familiares con Kristoff (Jonathan Groff), su reno Sven y el muñeco de nieve, Olaf (Josh Gad). Sin embargo, Elsa comienza a escuchar una voz que la llama desde el norte y cuándo los espíritus mágicos expulsan a los residentes de Arendelle de sus hogares, Anna, Elsa y sus amigos deciden seguir la voz hacia un bosque místico rodeado de una neblina impenetrable que parte de la magia de Elsa. Para salvar a su reino, las hermanas tendrán que confiar una a la otra, y confiar en sí mismas, mientras aprenden la verdad sobre los poderes de Elsa y la historia completa de Arendelle.

Lo bueno

Una secuela madura: Mientras que muchas secuelas hubiesen recurrido a repetir exactamente la misma película original en esteroides, los co-directores Chris Buck y Jennifer Lee (quién también escribió la secuela) deciden tomar otro camino. La película es una mucho más oscura que su predecesora. Aunque está llena de grandes cantidades de magia y maravilla, gran parte de la historia está realmente basada realidades universales con situaciones con las que muchos de nosotros podemos relacionarnos fácilmente.

Visuales y temas que se llevan de la mano: Al igual que con la gran mayoría de las películas animadas de Disney (Chicken Little no cuenta para nada), la animación es impecable con tomas panorámicas que sumergen completamente al espectador en el mundo que rodea a Arendelle. Al igual que hay muchos colores brillantes para provocar felicidad y alegría, también hay tonos grises y azul hielo para provocar sentimientos como el aislamiento y la desesperación, similar a los de How to Train Your Dragon 3 o Toy Story 4 a principios de este año. Y esto crea un puente con los temas presentados dentro de la misma. Cosas como la depresión, la culpa, la aceptación y ser fiel a uno mismo se muestran de una manera que es fácilmente digerible para los espectadores y al mismo tiempo tienen sentido para la trama. No sentí que ninguno de los temas se usara de forma gratuita, pero sentí que se usaban para mostrar crecimiento y comprensión dentro de nuestros personajes. Cuando pienso en el cambio, siempre lo veo como la calma antes de la tormenta y eso fue algo que sentí que fue retratado brillantemente con las tramas entrelazadas de Elsa y Anna (incluso, y a gran sorpresa, con Olaf). Ambas tuvieron que enfrentar a sus demonios, de alguna manera, lo que resultó en una historia que se sintió mucho más poderosa e impactante. Además, la película tiene gigantes de roca y ¿a quién no le encanta ver a los gigantes de roca pisoteando? 

La música: Los compositores Kristen Anderson-Lopez y Robert Lopez deben haber sabido que tratar de eclipsar a Let It Go iba a ser imposible, por lo que se centraron en las canciones de los personajes secundarios, y eso fue una jugada genial. Las dos mejores canciones resultan ser de los chicos; Olaf de Josh Gad obtiene otra canción ingenuamente adorable (When I Am Older), y Jonathan Groff brilla de la manera más inesperada con su canción Lost in the Woods (me encantaría contarte más, pero estropearía la diversión. Solo piensa en MTV en los 1980s) Hasta las canciones que cantan Menzel y Bell son sólidas y una vez más muestran las voces increíbles que poseen (especialmente Into the Unknown y Show Yourself). Dicho esto, no hay una sola canción que presionará a Let It Go o Love Is an Open Door fuera de la memoria de nadie en el futuro cercano. Dicho esto, como un colectivo completo, el soundtrack está super bueno.

Lo malo

Un poco desorganizada: Para darle crédito a las guionistas Jennifer Lee y Allison Schroeder, Frozen II encuentra una forma convincente de continuar las historias de Anna y Elsa, con la primera centrada en proteger a su hermana (en detrimento de sus otras relaciones) mientras que la segunda todavía está luchando por encuentra su lugar en el mundo. Sin embargo, en el intento de las escritoras de dar a cada personaje su propio arco distintivo, Frozen II termina sintiéndose un poco como una mezcolanza de historias que a veces se cruzan. Eso no quiere decir que los arcos no sean fuertes, porque la película extrae algunos temas emocionales muy complejos para Anna, Elsa e incluso la historia de Kristoff. La película de Disney no rehuye las emociones grandes y duras, profundizando en algunos temas que son sorprendentemente oscuros para una película infantil, aunque Frozen II ofrece una ruta para que los niños lidien con las emociones que plantea. Aún así, no es una película tan cohesiva como lo fue la original.

En definitiva, Frozen II es un regreso mágico al mundo de Anna y Elsa, uno que ha madurado con aquellos que se enamoraron del original. Es deslumbrante, entretenida y divertida para toda la familia, aunque es un poco más dedicada hacia los mayores. Puede ser un poco demasiado oscuro para los espectadores muy jóvenes, pero nuevamente, Frozen II maneja sus temas más complejos de una manera que los niños entenderán y ayudará a los niños a comprenderse mejor. Muchos fanáticos de la primera película encontrarán algo que les gustará en la secuela, y esa película ofrece una experiencia de teatro agradable con sus magníficos efectos visuales y una impresionante banda sonora que cobran vida en la pantalla grande. En total, Frozen II es una secuela muy admirable.

Rating: A

¿Qué pensaste de Frozen II? Déjanos saber en el área de los comentarios o en nuestra página de Facebook: www.facebook.com/MovieRican

Recuerda darle LIKE y SHARE a la página.

Reseña de The Irishman: Elegía épica de gangsters

Martin Scorsese es uno de los gigantes del cine y muy, pero que muy pocos podrían decir lo contrario. Goodfellas es altamente considerada como una de las mejores películas de gángsters de todos los tiempos (incluso para algunas personas es de las mejores películas de la historia), y lo peor que uno podría decir sobre Casino es que no es tan buena como Goodfellas. Pero Scorsese ha hecho suyo el género cuando lo explora, por lo que es apropiado que su película más reciente, The Irishman (o I Heard You Paint Houses, dependiendo de cómo quiera leer las tarjetas de título), vuelva al género mientras Scorsese mira no solo un Estados Unidos de posguerra, sino lo que deja los que han sido denominados como The Greatest Generation. Dirigido por un trío de actuaciones destacadas de actores legendarios que están felices de recordarle a la audiencia por qué son leyendas, la película es una mirada reflexiva a la segunda mitad del siglo XX en Estados Unidos con Scorsese sin perder nada de su chispa.

La película comienza en un hogar de ancianos donde un Frank Sheeran anciano (Robert De Niro) comparte la historia de su vida de hacerse amigo del jefe de la mafia Russell Bufalino (Joe Pesci). Frank es un miembro del equipo (es decir, un conductor de camión) que no le importa cometer delitos ocasionales, lo que lo pone en el radar de Bufalino y otros mafiosos. Finalmente, esta amistad pone a Frank en la órbita del presidente del equipo Jimmy Hoffa (Al Pacino), quien tiene algo muy bueno con los mafiosos. Los mafiosos quieren construir casinos, pero los bancos no les prestarán el dinero. Hoffa lidera el sindicato y puede usar sus cuotas y pensiones para invertir en casinos. Pero a medida que pasan las décadas, la relación entre la mafia y Hoffa se deshilacha con Sheeran, una amiga de Bufalino y Hoffa, atrapada en el medio.

Lo bueno

La edición: Se tiene que decir desde el principio porque es el punto que muchos mencionan cuando hablan de esta película. A pesar de que su duración de 3 1/2 horas, The Irishman nunca se siente exageradamente larga. Scorsese y su editora por las últimas déccadas, Thelma Schoonmaker, saben cómo mantener la película en movimiento a un ritmo uniforme, y eso es haciendo que sea tan divertida como una película de gangsters puede ser. En lugar de disfrutar de los excesos de mafiosos que se muestran en Goodfellas y Casino, disfrutamos pasar tiempo con estos personajes reales y su extraña visión del mundo. La película saltará felizmente mientras Sheeran entra y nos cuenta acerca de un hombre hecho antes de que el texto parpadee en la pantalla diciéndonos cómo esta o aquella persona murió horriblemente. The Irishman sigue siendo violenta, pero de una manera fría e insensible. No hay montaje con la canción "Layla" de fondo donde vemos la inmensidad de la brutalidad. En cambio, Scorsese lo convierte en una versión del género tipo clase trabajadora, como Frank, y no necesita mostrarnos cada golpe brutal porque, para citar un refrán frecuente, "es lo que es".

Martin Scorsese: Con The Wolf of Wall Street del 2013 y Silence del 2016, no parecía que la edad avanzada del director hubiera afectado a uno de los mejores cineastas de todos los tiempos. Utilizando métodos probados junto con nueva tecnología, Scorsese demostró ser experto en contar historias en la pantalla grande con la misma energía, intensidad y honestidad emocional en sus setenta años que en los años setenta. Si bien The Wolf of Wall Street tenía un sentido muy familiar en comparación con otras entradas en su filmografía, todavía estaba brillantemente ejecutada y entretenida. The Irishman es interesante porque es una película sobre un anciano, que comienza con Frank en una casa de retiro contando su historia (mientras Scorsese invierte su propia toma famosa de la escena del Copacabana en Goodfellas), pero también se siente como una película hecha por un hombre que entiende su posición actual en el mundo al igual que el legado que dejará atrás.

De Niro, Pacino y Pesci: Si bien De Niro, Pesci y Pacino han presentado actuaciones cuestionables, especialmente en las últimas partes de su carrera (Dios te guarde si nunca has visto Dirty Grandpa con De Niro o Jack & Jill con Pacino), todos vinieron a batear y lo que hicieron fue pegar jonrones en todos los sentidos. De Niro tiene el estoicismo conciso que recuerda mucho a su trabajo en The Godfather: Part II; Pesci le da a Bufalino una gentileza sorprendente y abuelo que se yuxtapone muy bien con la violencia que supervisa al igual que sus actuaciones en películas como Goodfellas o Lethal Weapon; y la agresividad rimbombante del trabajo posterior de Pacino encaja super bien con el ególatra Hoffa. Estos actores trabajan bien juntos no solo porque los hemos visto juntos antes en películas en otras películas, sino porque son adecuados para estos roles específicos, especialmente bajo la dirección de Scorsese.

Los efectos especiales: Antes de que alguien viera una sola escena de la película, hubo una gran discusión sobre el uso de la tecnología de eliminación del envejecimiento de sus actores (específicamente su protagonista). De Niro tiene más de setenta años, y esta película muestra a un Frank Sheeran mucho más joven por gran parte de su duración al igual que Samuel L. Jackson en Captain Marvel a principios de este año. Aparte de dos excepciones notables, el uso de esta tecnología es impecable. Es fácil aceptar a De Niro como un hombre de mediana edad, o incluso un hombre joven. Aún así, las dos excepciones son cuando vemos a Sheeran en sus veintes, y una escena en la que se mueve lentamente, como un anciano. De Niro y Scorsese han trabajado juntos desde Mean Streets hace casi 50 años, y esas primeras actuaciones con películas Taxi Driver y The King of Comedy (que cierta otra película le hace mucha reverencia) son prácticamente acrobáticas. No puedes fingir la fisicalidad de la juventud. Scorsese y De Niro lo internalizan, por lo que la mayor parte de la actuación está en su cara. Y eso hace toda a diferencia.

Lo malo

Muchas personas la verán en una pantalla pequeña: Aunque ahora mismo solo se encuentra en los cines, a partir del 29 de noviembre del 2019 se alojará en Netflix ya que la misma es al casa distribuidora. Al igual que Roma el año pasado, el verla en una pantalla mucho más pequeña (ya sea por televisión o el celular) te estará robando de gran parte de la experiencia de la película. Sí entiendo que el dedicarle el día a esta película en el cine por tres horas y media en vez de verla en casa donde puedes cuando quieras puede ser algo no muy atractivo, pero también entiendo que es una película que merece ser vista con un público en la pantalla grande donde todos pueden apreciar cada detalle de amor que el director le brindó a la misma.

Ves The Irishman, ya sea en un cine o en Netflix, con una sensación de tiempo que pasa; es el tipo de película pausada old-school que ya no se hace mucho (y que según el mismo Scorsese dice que corren peligro por las películas de superhéroes [lo cual es su opinión y se respeta]), y te preguntas cuántas películas más Scorsese y sus estrellas les quedan por hacer. En sus escenas finales tranquilas, The Irishman se siente como una elegía. Un hombre recuerda una vida, solo y en silencio consigo mismo, reflexionando sobre las historias que llevará a su tumba. "Por lo general, tres personas solo pueden guardar un secreto", gruñe, "si dos de ellos están muertos". 

Rating: A

¿Qué tú pensaste de The Irishman? Déjanos saber en el área de los comentarios o en nuestra página de Facebook: www.facebook.com/MovieRican.

Recuerda darle LIKE y SHARE a la página.