Reseña de Sonic the Hedgehog: Una adaptación complaciente

Cuando el primer trailer de la película Sonic the Hedgehog llegó a las redes la primavera pasada, las críticas fueron rápidas y los memes fueron despiadados, ya que los fanáticos se preguntaban por qué el aspecto del erizo era tan diferente a los juegos. En lugar de seguir adelante con ese diseño, el director Jeff Fowler anunció un retraso en la fecha de lanzamiento y se llevaría a cabo un importante rediseño de Sonic, que terminó siendo la elección correcta, ya que la película ahora presenta un diseño mucho más clásico; el público casi ha olvidado el aspecto original y menos agradable del personaje y se ha centrado más en la película en sí (lo cual siempre debió haber sido el objetivo). Sonic the Hedgehog ofrece una película de aventuras amigable para los niños basada en la propiedad clásica de Sega que cuenta una historia sólidamente agradable, aunque poco innovadora.

Cuando era niño, Sonic (Ben Schwartz) recibió unos anillos mágicos que le permiten viajar entre mundos y le dicen que permanezca oculto y siga corriendo, lo cual hace hasta que decide posarse en nuestro mundo. Cuando Sonic accidentalmente causa un corte de energía y atrae atención no deseada sobre sí mismo y sobre la ciudad de Green Hills, Montana, el joven erizo sale de su escondite y le pide ayuda al sheriff local Tom Wachowski (James Marsden) para recuperar sus anillos en San Francisco, y así poder huir a otro mundo. Los persigue el villano Dr. Robotnik (Jim Carrey), que quiere disectar a Sonic y aprender el secreto de su súper velocidad.

Lo bueno

Jim Carrey: El villano de esta película pudo haber estado completamente aburrido si no fuera por el casting de Carrey. Por su parte, Carrey está de vuelta en su forma clásica, dando un giro salvajemente tonto, teatral y entretenido a Robotnik que canaliza la misma energía de sus papeles más populares de los 1990 y principios de los 2000 como Ace Ventura, The Riddler de Batman Forever y el Grinch in How the Grinch Stole Christmas. Ya sea por Carrey o por el guión en sí, Sonic the Hedgehog se siente un poco fuera de tiempo, como si se hiciera en los años 90 pero todavía hace referencias modernas de la cultura pop (aunque, como la cultura se mueve tan rápido ahora, incluso su cultura pop más reciente las referencias ya se sienten desactualizadas, como el baile del dental-floss que Sonic hace después de una victoria). Se las arregla para funcionar, en parte porque Carrey puede suavizar algunos de los bordes más duros de la película y, cuando no está en la pantalla, las actuaciones de Marsden y Schwartz pueden mantener la película a flote... casi siempre.

Temas de discusión para toda la familia: Para bien o para mal, esta película es para niños. Lo que es más sorprendente es cómo temáticamente la película expresa esta perspectiva agresiva de la superioridad moral de la comunidad rural al elitismo urbano, que es de esperar de una película dirigida directamente al centro de los Estados Unidos, pero también promociona un fuerte apoyo proinmigrante a través del estatus de Sonic como refugiado de su propio mundo y sentimiento antimilitarista a través de la excesiva dependencia de Robotnik en la tecnología de drones. Estos no son temas que te golpean en la cabeza como mensajes obvios de la película, pero es interesante ver esta mezcla de perspectivas políticas impregnada a través de lo que aparentemente se supone que es una película familiar de palomitas de maíz. El problema entra cuando tienes una historia demasiado simple que lo acompaña...

Lo malo

Una historia demasiado simple: En general, Sonic the Hedgehog tiene una historia relativamente simple (lo cual era de esperarse para una película primordialmente para familias), que se inspira y supera los ritmos de la historia de los arquetipos establecidos, como la historia de origen de los superhéroes y la trama del roadtrip. La dinámica de pareja extraña entre Tom y Sonic es igualmente probada y verdadera, solo que se refresca por el hecho de que uno es un erizo azul enérgico con la mentalidad de un ... adolescente (¿?) - y el otro es un padre encargado de proteger al veloz revoltoso. Es una dinámica ganadora, que juega con el encanto natural de Marsden y la propensión de Schwartz a ser el compinche adorablemente molesto. Sin embargo, hay momentos en que la pareja no necesariamente hace clic y los chistes simplemente no funcionan, pero se debe en gran parte al guión, que podría haber usado un poco de revisiones antes de comenzar a rodar.

¿Tenía que ser en nuestro planeta?: Es muy difícil no notar la enorme sombra proyectada por Detective Pikachu aquí (la cual nosotros consideramos la mejor película de videojuegos hasta el momento [la última de Tomb Raider no estuvo mala tampoco]). Esa película no intentó que Pokemon existiera dentro de los límites de nuestro mundo, sino que creó un mundo que convirtió a los Pokémon en la norma. Lo que sabemos de nuestro mundo fue elevado y exagerado para elaborar una historia que nos hizo creer que un Pikachu (que suena como Ryan Reynolds) puede existir junto a nosotros. Sin embargo, Sonic the Hedgehog reduce drásticamente la experiencia (probablemente porque el presupuesto es significativamente mejor, pero síguenos por esta crítica) al hacer que Sonic sea un extraterrestre en nuestro mundo y reduzca la Zona de Green Hill a una ciudad estadounidense poco notable. Es probable que Sonic exista en un espacio que, en comparación, no es tan brillante, vibrante y fantástico como él. Es especialmente molestoso cuando la promesa de explorar otros mundos, así como el suyo, se deja para posibles secuelas.

Como tal, Sonic the Hedgehog es divertida, especialmente para aquellos con niños y/o padres que crecieron jugando SEGA. El rediseño de Sonic ciertamente ayuda a alimentar la nostalgia de la película, dándole a la película y al personaje un estilo visual fácilmente reconocible para los fanáticos. Si bien eso puede hacer que Sonic the Hedgehog se sienta que está tirando demasiado al lado seguro, hay algo que decir sobre dar ocasionalmente a los fanáticos exactamente lo que quieren. Para aquellos que no son necesariamente fanáticos de las actuaciones clásicas de Sonic o Carrey, la misma no tiene mucho más que ofrecer y se puede perder fácilmente en los cines. Pero teniendo en cuenta la sequía que hay ahora mismo en el cine, aquellos que buscan algo divertido para ver no se equivocarán con esta. En conjunto, Sonic es una película de aventuras bastante familiar para la familia, pero una adaptación de videojuego comparablemente buena oculta un gran potencial para una secuela más fuerte e incluso más ambiciosa.

Rating: B

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Reseña de Birds of Prey: Caos caricaturesco

En los pocos años transcurridos desde el lanzamiento del (no oficialmente titulado) DC Extended Universe, el panorama del universo compartido ha cambiado bastante, con Warner Bros inclinándose más a centrarse en sus películas de DC individuales que son parte de un mundo compartido pero que no forman parte de una narrativa más grande. Después de una película sin vínculos con el DCEU, Joker de Todd Phillips, llega una que, en el mejor de los casos, está conectada libremente al mundo más grande: Birds of Prey (and the Fabulous Emancipation of One Harley Quinn). Técnicamente un spin-off de Suicide Squad de David Ayer (la cual no nos gustó para nada salvo uno que otro personaje), que presentó a Harley Quinn de Margot Robbie, Birds of Prey ve a la anti-heroína sola y encontrando un nuevo escuadrón con el que correr, aunque solo sea por un momento. Con un sentido del humor perverso y una acción estimulante, Birds of Prey es feroz y divertida, aunque no sabe exactamente lo que quiere ser.

En Birds of Prey (dirigida por Cathy Yan y escrita por Christina Hodson [Bumblebee]), Harley Quinn está sola por primera vez, tratando de seguir adelante con su vida y descubrir quién es ahora que ya no es la novia del Joker, una tarea difícil cuando su identidad se ha relacionado con el Príncipe del Crímen de Ciudad Gótica durante tanto tiempo. Con esto, Harley también ha perdido la protección que conlleva ser la novia del criminal más famoso y peligroso de la ciudad, lo que le pone un blanco en su espalda, especialmente del jefe del crimen Roman Sionis alias Black Mask (Ewan McGregor). Sionis obliga a Quinn a recuperar un valioso diamante de la ladrona Cassandra Cain (Ella Jay Basco), pero esto hace que Quinn se cruce con la detective Renee Montoya (Rosie Perez), la cantante del club nocturno Dinah Lance (Jurnee Smollett-Bell) y la vigilante Helena Bertinelli. (Mary Elizabeth Winstead). Lo que estas mujeres tienen en común es que todas están buscando algo de emancipación, y la mejor manera de conseguirlo es derribar a Sionis.

Lo bueno

El elenco: Es difícil no gustar un elenco que entienda completamente a sus personajes. Robbie se convierte en Harley Quinn en toda los sentidos tal como lo demostró en Suicide Squad, aportando una energía salvaje y positiva y una verdadera empatía humana a la villana/anti-heroína. El guión de Hodson y la actuación de Robbie también interpretan la enfermedad mental de Harley de manera más sutil que la primera vez que apareció en el cine. Incluso, estos le dan hasta cierto tipo de importancia a su pasado como psicóloga diagnosticandose a ella misma al igual que al resto del equipo, lo cual brinda varios momentos graciosos y hasta genuinamente honestos. Como resultado, se encuentra menos genéricamente "loca" y es mucho más auténtica incluso si eso permanece indefinido. Birds of Prey realmente es la historia de Harley, pero cada una de ellas tiene tiempo para brillar, incluso si sus diversas historias de origen se sienten un poco abarrotadas en la historia ya vertiginosa. La Black Canary de Smollett-Bell, y Cass Cain de Basco hasta cierto punto, es la straight-man y solitaria en medio de un elenco de personajes con una gama de peculiaridades excéntricas, desde Renee de Pérez que es una versión meta del estereotipo de policía de los 80 hasta Victor Zsasz de Chris Messina tiene una llamarada de crueldad. Winstead encanta como Huntress con retraso social, pero, aparte de Robbie, es McGregor quien brilla más en Birds of Prey, por la naturaleza de su personaje, que va desde amenazantes a erráticas dramáticas, y se desliza hábilmente entre las personas para crear una contraparte efectiva para cada uno de las heroínas.

La visión completa de Cathy Yan: Lo que realmente eleva a Birds of Prey es la dirección y visión de Cathy Yan para la película, que se realiza en la acción, el vestuario y la música. Las secuencias de lucha son absolutamente brutales y coreografiadas para mostrar las habilidades respectivas de los personajes. Piensa que la coreografía de esta película es como si John Wick tuvo relaciones sexuales con una piñata por solo la manera en que no solo las escenas de acción son violentas sino también que los colores que se le añade las hace resaltar mucho más. Los movimientos de gimnasta de Harley regresan, y cuando pone sus manos en un murciélago, la Cupido del Crimen realmente se suelta, y dejará al público sin aliento con euforia. Birds of Prey se destaca porque es exclusivamente femenina (al igual que sus contrapartes en Wonder Woman y Captain Marvel), desde los estilos de lucha de los personajes hasta los detalles de Harley haciendo una pausa en la mitad de la pelea para darle a su amiga una corbata de pelo. Esto se extiende aún más a los disfraces, diseñados por Erin Benach (A Star is Born), que son exquisitos y muestran perfectamente la personalidad de cada personaje. La banda sonora de Birds of Prey funciona de manera similar el doble de tiempo, desde la caída de la aguja enérgica en una pieza de acción hasta una interpretación vocal más inquietante que subraya el tono y el tema de una escena. Todos estos elementos se unen para darle a la película una energía divertida, un poco caótica y completamente única.

Lo malo

La confianza es algo voluble: La película comete el error al no confiar en que Harley Quinn pueda sostener su propia película. Entiendo el deseo de Robbie de hacer básicamente otro escuadrón para rodear a Harley, pero esta vez son todas mujeres, y estos son personajes buenos en el sentido que su moral tira más para el lado del bien en comparación al de Harley. El problema es que el libreto no está muy seguro de cómo equilibrar a todos los personajes equitativamente. Quinn sigue siendo excepcional y una de las mejores realizaciones de un personaje de cómic. Me encantaría verl a Robbie interpretar a este personaje 10 veces más porque sabe cómo aprovechar la energía caótica de Quinn sin perder su humanidad. Pero el resto del elenco (salvo McGregor) se siente que están un perdido en términos del material que se les ha dado, ya que algunos no tienen mucho que hacer hasta el final de la película. El resultado es en gran parte Harley Quinn y sus Super Amigas, lo que estaría bien si la película no dependiera totalmente de imitar a Deadpool. 

Sentido de identidad: Para una película que aparentemente trata sobre cómo estas mujeres aprenden a valerse por sí mismas (y de nuevo, funciona muy bien con Harley en particular y no necesariamente con los demás personajes), Birds of Prey se apoya fuertemente en lo que hizo que Deadpool sea un éxito: irreverencia, mucha narración del personaje principal, edición rápida, escenas de acción lujosas y violentas, una obsesión con un alimento en particular, y un primer acto que sigue girando sobre sí mismo para tratar de mantener el ritmo optimista. Entiendo que a los estudios les gusta copiar otras películas exitosas, pero Birds of Prey, con su equipo femenino, tenía el potencial de ser algo propio en lugar de una copia de algo que ya existe. No es hasta que llegas al tercer acto que la película encuentra su propia energía y comienza a disparar a todo ciliíndro.

Ciertamente hay potencial para todos estos personajes en el futuro, pero los cineastas y/o el estudio no sabían qué hacer con Harley Quinn, especialmente cuando el universo DC comenzó a cambiar rápidamente a raíz del fracaso de la Justice League (aunque nosotros disfruta la película por lo que es). La solución, como se ve en películas como Aquaman y Shazam! ha sido "simplemente hacerlo divertido" o en películas como Joker que no tienen absolutamente nada que ver con todo lo demás, y en esos sentidos, Birds of Prey continúa con la primera dirección de manera bastante efectiva en comparación con el otro camino. Es una pelicula divertida. Tiene actuaciones divertidas. Me gusta y me gustaría pasar tiempo con estos personajes tanto durante esta película al igual que en futuro. Pero esa es toda la emoción que pude conseguir en esta entrega.

Rating: B

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Reseña de Bad Boys for Life: Adaptándose a una nueva realidad

Voy a ser 100% honesto para comenzar esta reseña: no soy un gran admirador de las dos primeras películas de Bad Boys. Creo que son ruidosas, groseras y bastante repetitivas hasta el punto de que si no fuera por la química de Will Smith y Martin Lawrence, diría que ambas son películas bastante malas. Una vez que se anunció esta entrega, Bad Boys for Life, debo admitir que gemí audiblemente porque las películas de acción han evolucionado considerablemente en los últimos 17 años desde que salió la última, incluyendo tres películas de John Wick, siete de Fast and Furious, cuatro de Mission: Impossibles, dos de The Raid y Mad Max: Fury Road. ¿Dónde encaja la historia de dos detectives de Miami en todo eso? ¿Cómo pueden los Bad Boys ser relevantes en 2020 cuando salió la última película hace 17 años? Sorprendentemente, Bad Boys for Life encuentra un camino.

C uando las consecuencias de un caso del pasado vuelven a perseguirlo, el detective Mike Lowrey (Will Smith) es tiroteado por una figura misteriosa. Su compañero y mejor amigo, Marcus Burnett (Martin Lawrence) le reza a Dios para salvar a Mike, y Mike se las arregla. Sin embargo, su amistad se fractura con Mike en el camino de guerra para vengarse mientras que Marcus disfruta de la jubilación felizmente. A pedido del Capitán Howard (Joe Pantoliano), Mike se une a regañadientes con su ex, Rita (Paola Nuñez) y su escuadrón especial, AMMO. Cuando los pelos se ponen de punta, Mike y Marcus se reúnen para luchar contra los demonios del pasado de Mike y acabar con muchos tipos malos.

Lo bueno

Al borde de la acción y la demencia: La primera entrega de Bad Boys está ok por lo que es: una película de acción bastante segura con Michael Bay comenzando a mostrar lo que podría hacer como director de acción. Bad Boys II, en cambio, parece una película de un paciente que se escapó de una institución psiquiátrica. Si trataras de describir varios puntos de la trama de la secuela, parecerías una loco ("Entonces, en un punto, resulta que los malos están traficando drogas en los senos de los cadáveres"). Bad Boys for Life aterriza en algún lugar de el medio, conservando la acción ridícula de Bad Boys II mientras descarta la mentalidad "devil-may-care" en favor de una historia sobre la importancia de la familia. Los productores de Bad Boys for Life probablemente observaron el éxito de Fast & Furious y dijeron: "Tenemos que hacer algo similar a eso", y el resultado es que los personajes principales aprenden la importancia de la familia y el crecimiento.

No se siente postizo: Los directores belgos Arbi y Fallah saben lo que hace que la serie funcione, que es la química entre Smith y Lawrence combinada con acción "over-the-top". Saben que en una película de Bad Boys, la sutileza es el enemigo, por lo que debes ser lo más grande y cojonú' posible. Si bien eso puede no coincidir con los blockbusters tipo Star Wars o Avengers que tienen que tener super mitologías detrás de cada entrega, Bad Boys for Life se presenta como un encantador retroceso que puede aprender algunos trucos nuevos en lugar de ser una reliquia pesada. No sé cuánto compro realmente el elemento familiar que impulsa la película, pero obliga a los personajes a desarrollarse y cambiar. Me gusta que la película pueda reconocer que sus personajes principales están en sus cincuentenas y pueden querer cosas diferentes a las que tenían hace 25 años.

Lo malo

Como tratan a los latinos: Kate del Castillo es bastante inútil como la antagonista. Honestamente, parece ser la que le queda a Joe Carnahan cuando el iba a dirigir el proyecto (aparecería en una película anterior en la que trabajó, El Chicano). La película intenta darle un componente sobrenatural, pero eso es más porque es mexicana y una mujer que cualquier otra cosa. Realmente, el tratamiento de los latinos en general en esta película es el más estereotípico y está en línea con el mandato de Bay como director. Los personajes latinos son todos traficantes de drogas de alguna manera, con visitas a del Castillo en la Ciudad de México que son predominantemente su oración a la Santa Muerte, la santa patrona de la mayoría de los villanos mexicanos de películas en estos días. No ayuda que el gran giro de la película no coincida exactamente con la línea de tiempo de la franquicia si viste las originales.... Y hablando de eso.

El giro: El único punto en el que Bad Boys for Life comienza a desviarse es cuando comienza a seguir a Fast & Furious demasiado de cerca con la esperanza de establecer futuras entregas. El equipo de AMMO está ok (aunque unos son más bidimensionales que otros [Alexander Ludwig es el único que diría que le metió pepa para poder diferenciarse de sus contrapartes]) y no necesariamente me molestaría verlos regresar, pero los giros relacionados con el pasado de Mike son tonterías nivel telenovela. Por un lado, ese tipo de narración tonta va de la mano con la acción ridícula, pero la realidad de la película se rompe a medida que intenta copiar ritmos particulares de la serie Fast & Furious. Es mejor mantener la película simplemente bajo el paraguas de "la familia es importante" e ir desde allí en lugar de copiar obras del libro de jugadas de otra franquicia.

Si esta es la última película de Bad Boys con Smith y Lawrence (y es posible teniendo en cuenta que Bad Boys II fue un éxito cuando estrenó y aún tardó 17 años en hacerse una secuela), entonces la serie sale en una nota alta pero se inclina hacia lo que funciona sin dejar de adaptarse al panorama de acción actual. Podría decirse que una serie sobre dos policías de Miami que derribaron a los malos a lo Pepe Cojones ha sido mejor de lo que tenía derecho a ser al presentar esta a la mezcla, pero se las arregló para dejar de ser un clon de Lethal Weapon y hacer lo suyo por la fuerza de sus protagonistas. Las franquicias realmente no terminan en estos días (el equipo de AMMO se posiciona como la próxima generación de los Bad Boys), pero Bad Boys for Life no es una mala manera para que Mike y Marcus cabalguen hacia el atardecer.

Rating: B

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Reseña de 1917: Entre silencios y explosiones

El "gancho" de la nueva película de Sam Mendes, 1917, es que todo está filmado para parecer hecho en una sola toma. Sin embargo, lo más importante a tener en cuenta es que este gancho no es un truco. En una historia sobre la carrera contra el reloj, el enfoque de una toma lo coloca en el espacio mental psicológico de los personajes principales y transmite la implacable marcha de la guerra. Al eliminar los cortes, Mendes captura la crueldad e indiferencia de la guerra, y cómo eso contrasta con la humanidad de los atrapados dentro de ella. La guerra es un infierno, pero en 1917, Mendes tiene cuidado de mostrar que el infierno no convierte a las personas en monstruos y, en cambio, puede mostrar lo mejor de una persona, como tratar de salvar a un compañero soldado a riesgo de su propia seguridad.

Ambientada el 6 de abril del 1917 en medio de la Primera Guerra Mundial, los soldados británicos Blake (Dean-Charles Chapman) y Schofield (George MacKay) tienen una misión. Los alemanes han organizado una retirada estratégica para que parezca que se están retirando. Esta es una trampa, y si una división que contiene 1600 hombres sigue su plan de batalla, serán asesinados, y para agregar apuestas personales, el hermano de Blake está entre esos hombres. Blake y Schofield deben competir contra el tiempo para entregar el mensaje al coronel MacKenzie para detener el asalto o habrá una masacre de tropas británicas.

Lo bueno

Sam Mendes: Abundan las películas de la Primera Guerra Mundial: All Quiet on the Western Front, Paths of Glory y War Horse por mencionar algunas, pero lo que separa 1917 es Mendes como ambos director y escritor (coescribió el guión con Krysty Wilson-Cairns) ya que este hace que se distinga de  las demás, implicando un realismo sin paralelo, ni disminución del horror. El peligro constante de los soldados, salpicado de humor nervioso; su historia atrapa tu corazón sin mitigación. Lo que ven, tú lo ves. Lo que ellos sienten, tú lo sientes. Mucho se ha escrito sobre la técnica de la película y la idea de Mendes, utilizando una toma continua. Sin embargo, la admisión del director de que basó la historia ficticia en las experiencias de su abuelo como mensajero es asombrosa. Te encuentras rascándote la cabeza preguntándote cómo alguien podría haber emprendido tales hazañas considerando las condiciones. Y sin embargo, te sientes completamente parte de la misión, con todo y peligro.

Chapman y MacKay: La humanidad es lo más vibrante en las actuaciones principales. Aunque aparecen caras más famosas (más sobre esto abajo), esta película le pertenece a Chapman y MacKay, y son asombrosos como dos jóvenes soldados. Mendes eligió a dos actores que parecen creíbles como hombres normales en lugar de estrellas de cine que llevan uniforme de la Primera Guerra Mundial. Al instante entendemos a estos hombres como camaradas que pueden no ser los mejores amigos del mundo pero que también se encuentran en una situación en la que sus vidas están en manos de los demás. Queremos que tengan éxito no porque sean "especiales" sino porque son ordinarios, y esa humanidad ordinaria agrega peso a todas sus acciones.

La inmediación del momento: Tampoco podemos evitar estar conectados con Blake y Schofield debido a la inmediatez de la acción. 1917 es una maravilla técnica, y aunque Mendes ha hecho buenas películas en su carrera como American Beauty y Skyfall, podría decirse que esta es la más exigente. Me encantaría ver un largometraje documental sobre cómo hicieron esta película. En una época en la que se le da tanto peso al CGI, el poder de la producción cinematográfica de 1917 proviene de la tecnología analógica como el tiempo y la iluminación. Nuevamente, 1917 tiene éxito en parte debido a sus poderosos contrastes. Tienes un escenario que muestra la muerte y la decadencia de la guerra, pero la filmación en sí misma es un reloj exquisito donde todo tiene que funcionar de acuerdo con el plan, o la toma se vendrá abajo. La filmación tiene que ser perfecta para mostrar a Blake y Schofield tratando de sobrevivir en un mundo profundamente imperfecto.

Silencios dentro de la guerra: Aunque muchos pueden ir a ver películas de guerra para experimentar balas zumbar sobre sus cabezas y ver explosiones. Sin embargo, las ansiedades producen tanta tensión como cruzar el No Man's Land. El suspenso no cede, a veces demasiado para algunos que dejaron la proyección a la que asistí (como los pendejos que se sentaron detrás de nosotros que hubieran preferido hablar sobre los terremotos a mitad de película y preguntarse si los cuerpos muertos estaban realmente muertos, pero estoy divagando), y las imágenes permanecen en su mente, aunque es posible que no las esperes. Proporcionar detalles sería impartir spoilers. Basta con decir que la historia impredecible al igual que varias escenas tiernas, nos recuerda que aquellos en el poder que declaran la guerra tienen poca comprensión de cómo sufrirán sus soldados. Estos hombres no eran voluntarios. En cambio, muchos como Blake, fueron sacados de sus granjas y enviados a la batalla. Más civiles indefensos; sus animales de granja atrapados en la mira sin nadie que los proteja deben luchar por sí mismos.

Roger Deakins: El cinematógrafo legendario Deakins está en camino a su decimoquinta nominación al Oscar y probablemente su segunda victoria con esta película (había ganado recientemente por Blade Runner 2049) al convertirnos en el tercer hombre/mujer en la misión. Estamos en silencio y observamos todo lo que ocurre, pero estamos justo al lado de Blake y Schofield en su viaje. Somos testigos de lo que presencian, y es un mundo lleno de muerte y decadencia. Mientras que una película como Saving Private Ryan te pone en medio de la violencia, 1917 muestra en gran medida sus secuelas de innumerables cadáveres esparcidos por el campo de batalla. La cinematografía cuidadosa nunca perdura o explota estas muertes, pero tampoco pierde de vista lo que sucedió y esa guerra no ha creado nada que valga la pena.

Lo malo

Los actores de renombre: Es un poco molesto cuando la gente aparecen de repente sin ninguna razón. Parecía que no había una razón real para que estuvieran allí y que pudieran actuar literalmente por cualquier actor que no sean estas caras famosas. Y no digo que haya sido malo verlos (tres de ellos creo que son fantásticos en otros proyectos). Sin embargo, se sintió un poco gratuito y distrajo a lo que la historia les pide a sus actores principales y hacia dónde debería avanzar.

Si la realización de películas de Mendes a veces ha sentido como si no hubiera superado por completo sus inicios en el teatro, 1917 es tremendamente cinematográfica, una película que te hace sentir el aliento de la mortalidad en el cuello. Algunos pueden verse sacudidos por la indirecta de los videojuegos a medida que las figuras silueteadas corren a través de ruinas en llamas, pero hay causas menos nobles que conectar una audiencia masiva a este momento de la historia con una nota de gramática visual familiar. No abarata una película cuyos riesgos valgan la pena y que trascienda sus vanidades: una historia para todos aquellos que, como Schofield, quieren más de un mundo que la lucha.

Rating: A

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MovieRankings: Las mejores películas del 2019

El último año de esta década está a punto de terminar. Y a medida que 2019 se desvanece en los libros de historia, es fácil reflexionar sobre lo que ha cambiado en los últimos 12 meses y 10 años. Por ejemplo, es difícil recordar que hubo una vez en que se consideraba un riesgo para Netflix desarrollar contenido original. Ahora tienen dos nuevos contendientes serios a la Mejor Película este otoño. El cambio es el nombre del juego a medida que la industria lidia con lo que es y no es cine ahora. Pero perderse en este debate es que el cine en sí es fuerte. Incluso podríamos argumentar que rara vez ha sido mejor esta década que en 2019. Entonces, en lugar de centrarnos en lo que divide a los cinéfilos, nosotros estamos aquí para ofrecer nuestras 10 razones para celebrar el ir al cine. Aquí están las 10 mejores películas del 2019 (en nuestra opinión).

Para este MovieRanking, consideramos las 111 películas que vimos tanto en los cines como en los servicios de streaming como Netflix, Amazon Prime Video, y Hulu. Aunque todavía nos falte una que otra película que no llegamos a ver, incluyendo Bombshell, Honey Boy y 1917, entre otras, sentimos que ya esta lista es lo suficientemente sólida para proceder con ella. Estas fueron escritas en un papel por cada integrante y se les hizo un ranking usando promedios, convenciendo y chantajeando uno al otro. Para los curiosos, encima de cada título, les dejamos o la reseña o mini-reseña de cada una por si quieren adentrarse más hacia por qué nos gustó tanto la película. La lista es nuestra sincera opinión y no la lista definitiva de todos los tiempos. Sabemos que hay personas que tendrán opiniones diferentes y eso está más que bien porque todas las películas son subjetivas.

Para ver la lista de las peores películas del 2019, dale click aquí.

Menciones honorables: Uncut Gems, Frozen II, Hustlers, Us, Shazam! y How to Train Your Dragon: The Hidden World

10. The Irishman

Reuniéndolo con sus estrellas favoritas (así como con Al Pacino), y registrando a 209 minutos, The Irishman sirve como la gran declaración final de Martin Scorsese sobre el género de gángsters que ayudó a elevarse a la grandeza con Goodfellas del 1990 y Casino del 1995. Una historia que abarca la mitad del siglo XX y que traza las intersecciones de la mafia y la política interna (incluyendo las elecciones y el asesinato de JFK), la película de Scorsese también es un drama en capas sobre el paso del tiempo y el impacto, o la falta de, traición e inmoralidad tienen en el alma de un hombre. Dirigido por bravura se aparta de sus protagonistas (Pesci callado y amenazante; De Niro estoico y vacío; Pacino ardiente y carismático), es una epopeya sobre la corrupción estadounidense y el deshonor del inframundo.

9. A Beautiful Day in the Neighborhood 

Fred Rogers llega nuevamente a la lista de los mejores del año, aunque por un medio diferente. A diferencia del documental Won't You Be My Neighbor?, la película bella de Marielle Heller no es una biografía del célebre presentador de televisión infantil. En cambio, muestra sus ideas en la práctica, contando la historia de una amistad poco probable entre Mr. Rogers (Tom Hanks) y un periodista agrio (Matthew Rhys) con problemas de ira. Rogers tenía que ver con la amabilidad, pero la película de Heller destaca otro de sus principios: tenemos que darnos permiso para sentir todo para hacer las paces con las cosas que amenazan con separarnos.

8. Joker

Esta historia de origen con clasificación R generalmente se consideraba un riesgo, pero valió la pena cuando Joker recaudó más de $1 mil millones contra un presupuesto de menos de $70 millones. La trama es intensa y cerebral, entrelazando al Joker en la historia de fondo de la familia Wayne de una manera fascinante. Al final, sin embargo, los espectadores se quedan con la posibilidad de que nada de esto haya sucedido en primer lugar; todo pudo haber estado en la cabeza de Arthur Fleck, ya que su mente se fragmentó y se perdió cada vez más en sus delirios. Joker está por encima de muchas de las películas que salieron este año, sin perder nada de su tiempo de ejecución, y una representación de un supervillano clásico que deja un sabor inquietante en la boca de muchos.

7. Rocketman

Bohemian Rhapsody se comprometió en exceso a recrear algunas cosas a nivel técnico. Por el otro lado, Rocketman realmente siente la música por las venas. La película biográfica Elton John dirigida por Dexter Fletcher es un musical anticuado y llamativo, un jugoso melodrama del mundo del espectáculo y una de las películas más impactantes sobre la memoria reciente. Todo no funcionaría sin Taron Egerton, quien ahora es uno de los actores jóvenes más versátiles y apreciados que trabajan en películas populares. Rocketman no puede quedar empantanado por los clichés que comúnmente cargan las biografías, porque, para ser perfectamente exactos aquí, baila sobre ellos. Qué triunfo es este.

6. Avengers: Endgame

¿Dónde comienza uno? Cuando se trata de Avengers: Endgame, esa pregunta no es tanto una expresión de entusiasmo desenfrenado como un desafío práctico para evaluar el destino hacia el cual Kevin Feige y la compañía han dirigido la historia y el espectador por los últimos 11 años y 21 películas. Aunque ha habido muchas películas de más de tres horas e incluso algunas franquicias de películas de más de 20 entradas, realmente no hay nada que comparar con lo que Disney y Marvel Studios han logrado, ya sea en términos de tamaño, calidad y consistencia del elenco, o en qué tan estrecha la ventana cronológica, considerando todo, esas películas fueron producidas. Aunque lo hemos alabado a menudo, el casting sigue siendo la piedra angular de la MCU. Ya sea por destilaciones perfectas de personajes de cómics de décadas o reinvenciones alimentadas por el carisma de los mismos, el promedio de bateo del MCU en términos del casting no solo es prácticamente obsceno, es un ingrediente crucial para garantizar la recompensa temática y emocional de Endgame. Los cinéfilos han estado viviendo con estos actores, como estos personajes, durante más de una década. Esta es la razón por la cual la repentina ashificación de tantos héroes al final de Infinity War golpeó incluso a los veteranos de cómics más cínicos y dejó a los espectadores menos endurecidos, confundidos y angustiados. También es la razón por la cual, a medida que abre Endgame, la audiencia se preocupa no solo por lo que van a hacer los héroes sobrevivientes, sino cómo se están sintiendo en general. Le da a la película una resonancia emocional que es inusual en las películas en general. Esta conexión hace que los momentos tranquilos sean tan valiosos para el espectador como el espectáculo, y para todos los fuegos artificiales en el tercer acto, Endgame es en gran medida una película de momentos callados y pagos emocionales pequeños pero potentes. Los fanáticos de los cómics conocen la emoción de seguir a todos tus personajes favoritos a través de una historia de varios temas que culmina en un final de un "universo en juego". Ahora, gracias a 21 películas en 11 años y un final masivo y satisfactorio de tres horas, los cinéfilos también lo conocen.

5. Parasite

Mezclando el comentario de clases sociales de Snowpiercer con la dinámica familiar de The Host, Bong Joon-ho lleva un escalpelo a la inequidad con Parasite, su mordaz drama sobre un clan de clase baja que se esfuerza por salir del sótano figurativo y literal. Aprovechando la ingenuidad de Bigwig, la esposa del señor Park, Yeon-kyo, el adolescente Ki-woo se abrió camino en un trabajo en su lujosa casa como tutor de inglés para su hija y para los otros miembros de su familia en otros trabajos en la casa. La adquisición de esos puestos, por desgracia, requiere arruinar a sus predecesores, y conservarlos conlleva negocios aún más desagradables, así como soportar la crueldad, la condescendencia y el egoísmo de sus empleadores. Inundada en la acción vista a través del vidrio, y composiciones que descienden de posiciones altas a bajas, la estética de Bong evoca las divisiones sociales y económicas que gobiernan la Corea del Sur moderna, y mejora su instantánea de la crueldad de matar o morir que muchos son expulsados. de necesidad, deseo y resentimiento ardiente.

4. Jojo Rabbit

El tratamiento de una de las personas más odiadas de la historia humana en Jojo Rabbit no tiene precedentes (Chaplin lo hizo mientras Hitler todavía estaba vivo, Mel Brooks se burló de él después de la Segunda Guerra Mundial en The Producers, Quentin Tarantino creó una fantasía de venganza en Inglorious Basterds, etc.). Así que Waititi no está pisando un nuevo terreno aquí, solo ofrece una nueva toma. Su idea cómica es muy parecida a la de Chaplin: deconstruir el pensamiento fascista y demostrar cuán jodidamente estúpido es que todavía vivimos en un mundo donde todavía tenemos líderes totalitarios hablando caca podrida con gente dispuesta a seguirlos. Jojo Rabbit es graciosísima, pero al mismo tiempo, también es una película que comprende cuándo las risas tienen que parar para mostrar algo desgarrador. A través de la representación del adoctrinamiento de los niños nazis, Waititi deja que su joven héroe, y por poder, la audiencia, aprenda lecciones de vida que se atascan en nuestras cabezas, como los cordones de los zapatos de un niño, con un pequeño nudo.

3. Toy Story 4

Todos estábamos preocupados por Toy Story 4. ¿Cómo no podríamos estarlo? Esta es quizás la franquicia animada más querida de los últimos 50 años y, a los ojos de muchos, cada película ha sido un poco mejor que la anterior. Toy Story 3 terminó de una manera tan perfecta y emocionalmente devastadora que tratar de seguirlo se sintió como el último mandado de tontos. Y en los nueve años transcurridos desde esa entrega, Pixar, como compañía, ha cambiado, volviéndose más corporativa, más centrada en las secuelas, más... Disney hasta cierto punto. Qué alivio es, entonces, que Toy Story 4 sea una alegría tan inmensa. Al igual que su protagonista, le preocupa menos tratar de hacer algo revolucionario solo porque lo ha hecho en el pasado y, en cambio, le preocupa lo que viene después... lo cuál es la próxima progresión lógica. El tema general de la cuarta entrega no es tanto la muerte como la pérdida: pérdida de propósito, pérdida de significado, pérdida de valor. ¿Qué haces contigo cuando lo mejor de lo que serás parte ya ha terminado? ¿Cómo encuentras impulso en la vida cuando se ha logrado tu objetivo de por vida? ¿Cómo manejas envejecer y ya no ser necesario? Si estos parecen conceptos demasiado embriagadores para una película de para una película animada... claramente nunca has visto una película de Toy Story.

2. Knives Out

Knives Out es el tipo de película que no es tanto una raza moribunda como una que ocurre de manera poco común "en la naturaleza". Hollywood parece lanzar una nueva versión del clásico misterio de asesinato (Es decir, tipo Agatha Christie) donde un detective de modales excéntricos intenta averiguar quién, entre una sala llena de sospechosos, ha cometido el asesinato más asqueroso, cada cinco a diez años. Lo último de Johnson le da la vuelta a toda la experiencia al espectador, ya que pasan de tratar de averiguar qué pasó a preguntarse si se descubrirá la verdad. Al igual que lo hizo con el estilo negro de Dashiell Hammett en su debut, Brick, Johnson muestra tanto una reverencia como una voluntad de jugar con los tropos y la fórmula que sustentan su historia. Todo es encantador de ver. Knives Out logra lo que se propone hacer, lo que puede sonar como un elogio débil o incluso condenatorio con otra película o en otro género, aquí se entiende como el más sincero aplauso.

1. Marriage Story



Hasta el sol de hoy, muchas de las películas de Noah Baumbach siempre han sido un poco frías ya que este observa a sus personajes con cierto desapego clínico, incluso si están pasando por situaciones emocionales profundas. Esta vez no: Marriage Story está dolorosamente viva con la acumulación cruda y cambiante de pequeñas victorias, derrotas, desamores y decepciones que conforman un matrimonio en disolución. Hay momentos en Marriage Story que son abrasadores e inquebrantables, con la película capturando la forma en que un divorcio consume todo lo relacionado con él. Adam Driver y Scarlet Johansson dan lo que pueden ser las mejores actuaciones de su carrera como Charlie y Nicole, dos personas cuyo amor mutuo y su hijo no pueden evitar que sus vidas diverjan. La cámara de Baumbach lo mira todo, pero esta vez, también puedes sentirlo. Esto nos convierte a moscas en la pared en lo que es la mejor película del año y una de las mejores de la década.

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Las 10 de los 2010s: Las mejores películas de la década

Cuando piensas en las mejores películas que se lanzaron en la década de los 2010s, surgen algunas tendencias. Indies de pequeño presupuesto finalmente vuelven a la popularidad (ya no son solo para las casas de arte, y afortunadamente). Las franquicias exitosas de gran presupuesto son cada vez menos, y las que quedan son, en su mayor parte, hechas para asumir riesgos creativos y mantener las cosas frescas, diversas e inclusivas. Dicho todo esto, fueron diez años fuertes y buenos en el cine y estas son algunas de las mejores películas lanzadas en la década de 2010.

Como toda lista que hacemos en esta página, estas fueron escritas en un papel para cada integrante y se hicieron un ranking usando promedios, convenciendo y chantajeando uno al otro. La lista es nuestra opinión sincera y no la lista definitiva de todos los tiempos. Sabemos que hay personas que tienen opiniones diferentes y está más que bien y que todas las películas son subjetivas. Además, nos concentramos únicamente en las películas que están entre el 2010-2019 y que fueron nuestras preferidas de cada año individualmente.

Menciones honorables: Toy Story 3, 50/50, The Avengers, This is the End, Guardians of the Galaxy, Spotlight, Sing Street, Logan, A Star is Born y Knives Out

The Social Network (2010)

"La película", como los ejecutivos de Facebook todavía la llaman indignados de su existencia, marcó la pauta para la década tanto en la película como en la metanarrativa tecnológica. El mejor guión de Aaron Sorkin ha trabajado hasta el momento, una pesadilla suave como la piel de un delfín, y la mejor actuación de Jesse Eisenberg en toda su carrera, la paranoia megalomaníaca en sus orígenes resbaladizos más deliciosos, clavados (espiritualmente, si no del todo real) de Facebook y presagiaron sus ataques a la privacidad, la democracia y la conciencia. Todo eso se completó con una banda sonora de horror tecno-industrial de Trent Reznor y Atticus Ross como unos de los compositores de la década. Hand Covers Bruise, la canción de apertura, que subraya el deslizamiento de Mark Zuckerberg entre los dormitorios de ladrillo rojo de Harvard con un presagio sombrío, podría ser la banda sonora de la década. Nosotros, la gente, somos el piano solitario, tocando nerviosamente en primer plano, esforzándonos por una melodía. Un zumbido nervioso e inquietantes explosiones de bajos (escándalos, notificaciones, atrocidades) nos ahogan lentamente, hasta que todo lo que queda es discordancia, desunión, devolución.

Moneyball (2011)

Las películas de deportes tienden a favorecer las historias agradables con finales limpios y felices, desde Rudy, Rocky hasta Remember the Titans. Las películas que exploran el otro lado de los deportes, el lado desordenado, inacabado e imperfecto, son más raras, pero están ahí: considere la  conclusión devastadora de Million Dollar Baby. Moneyball, la excelente adaptación cinematográfica del libro de Michael Lewis, cae directamente entremedio de ambas categoría de películas deportivas: es una película que se siente mal por como termina... hasta cierto punto. La peliícula logra invertir las sesiones de sus personajes en la pizarra o en la pantalla de la computadora con más dramatismo de lo que cabría esperar de una película dentro de este género. No es necesario saber exactamente cómo funciona el sistema de cálculo de números de Billy Beane y Peter Brand para comprender que estos son dos hombres cautivados con la posibilidad de construir un gran club de pelota y, si tienen suerte, cambiar la forma en que un gran equipo es construido. Moneyball es una comedia de amigos cruzada con un drama de oficina: en el fondo está la relación entre el lacónico pero de mal genio Billy y el tímido pero brillante Peter.

Argo (2012)

Argo es más que un recuento de una historia real de espionaje estadounidense: también es una carta de amor al poder salvavidas de las películas. ¿No lo crees? Míralo desde esta perspectiva: para tener éxito, el plan de Tony Méndez requiere una buena y antigua magia de Hollywood: antes de dirigirse al este a Teherán, primero viaja al oeste a Los Ángeles, donde se une con un maquillador y un productor para ayudarlo a cocinar su historia de ciencia ficción. Encuentran un guión que nadie quiere llamada Argo, compran los derechos, crean una compañía de producción falsa, hacen una lectura de mesa, colocan un anuncio en Variety, y antes de que se den cuenta, la gente está golpeando su puerta para participar en la película. Por incrédulo que parezca, definitivamente sucedió (hasta cierto punto) y salvó la vida de varias personas atrapadas en la Embajada de Canadá en Irán. Affleck hace muchas bromas a expensas de Hollywood en estas escenas, pero se toma muy en serio el poder de las películas. Argo no era una película real, pero en Hollywood, ¿qué es real de todos modos? Todas las películas son falsas. Daniel Craig no es un espía apuesto, Robert Downey Jr. no es un inventor maestro con un traje robótico superpoderoso, y aunque sus películas parecen documentales, Katie Featherston no está poseída por un demonio. Estos sueños se hacen realidad a través del poder de las creencias colectivas, tanto por aquellos detrás de la cámara como por aquellos que están sentados frente a la pantalla.

12 Years a Slave (2013)

La adaptación de Steve McQueen del libro del 1853 de Solomon Northup, que detalla cómo el autor, un hombre negro libre, fue secuestrado, vendido como esclavo y sobrevivió para contar su historia, no es simplemente la memoria de un esclavo. Es una crónica visceral, violenta e inquebrantable de la institución de la esclavitud misma, y cómo destruyó sistemáticamente a hombres, mujeres, familias, generaciones y el fundamento moral de una nación. Un artista visual antes de comenzar a hacer largometrajes, el director británico tiene la habilidad de encontrar momentos extraños y fugaces de belleza en la historia de Northup, todo lo cual hace que sus inquebrantables escenas de horrores históricos sean mucho más una pesadilla. Ver la cara de Chiwetel Ejiofor mirar desde el horizonte a la cámara, mirando a los espectadores con una mirada suplicante, es sentir décadas de un colapso del pasado maldito en un instante.

The Lego Movie (2014)

Phil Lord y Chris Miller convirtieron lo que podría haber sido un cash-grab corporativo sin alma en una oda histérica y extática a la creatividad. The Lego Movie no debería ser tan buena como es, y sin embargo, el humor irreverente e inteligente de Lord y Miller, el derribo subversivo de la película del viaje del héroe y una canción temática indiscutiblemente pegadiza hacen que sea una experiencia inolvidable. La película sigue a Emmet (Chris Pratt), una figura normal de LEGO que le encanta seguir las reglas, que se identifica erróneamente como The Special: el elegido que ha sido profetizado para salvar el mundo. Un rechazo audaz y visualmente inventivo de la conformidad, The Lego Movie muestra que es posible hacer algo original con juguetes populares que no fueran los de Toy Story.

The Martian (2015)

Si bien es, sin duda, uno de los grandes directores de los últimos 40 años, hay algo un poco amargo en la mayoría de las películas de Ridley Scott. Lo que hace que The Martian sea una sorpresa tan maravillosa. Tal vez la película feel-good del 2015, su premisa de un astronauta varado solo en un planeta hostil no parece prestarse fácilmente a la alegría. Y sin embargo, aunque no la llamarías una comedia, las risas son frecuentes y veloces, gracias al toque ligero de Matt Damon (y al resto del elenco) y la escritura inteligente de Drew Goddard. Y a Scott, que de manera inusual deja que esos momentos transcurran en medio de toda la ciencia dura y concreta.

La La Land (2016)

¿Un musical como una de las mejores películas de la década? Claro que sí. Damien Chazelle dirige este apasionante romance de canciones y bailes como si se hubiera inventado el cine para que él tocara, y para que nosotros nos dejáramos llevar por él. Emma Stone y Ryan Gosling alcanzan su punto más alto como amantes que intentan hacer realidad sus sueños creativos en las calles malas y temerosas del arte de New Hollywood. La La Land la batea hacia las cercas y bateó un jonrón más de 575 pies de Babe Ruth en Detroit. Chazelle pone su corazón y alma ahí, donde los hipsters pueden burlarse de él como algo trágico. Él no es. Es algo innovador que demostró mientras dirigía Whiplash, un nuevo talento que pone la técnica al servicio de los sentimientos y hace que el futuro de la película parezca una perspectiva brillante.

Get Out (2017)

Jordan Peele no siempre fue un maestro de terror en ascenso: un experimentador ágil y elegante capaz de fusionar las fricciones del mundo moderno (conflictos raciales, inmovilidad de clase) con las piedras de toque de género (fíjate cómo mezcló hábilmente al tropo de Final Girl en Us). Con Get Out, Peele revolucionó las convenciones del horror, viajó profundamente en el interior retorcido de nuestras mentes y proyectó lo que muchos negros habían sospechado durante mucho tiempo pero temían decir en voz alta: alguna gente blanca están locos pa'l carajo. A primera vista, la historia de Chris Washington (Daniel Kaluuya) y Rose Armitage (Allison Williams) es simple. Un chico conoce una a chica. Chica invita al chico a conocer a su familia durante el fin de semana. Solo que los Armitages no son una familia liberal blanca (¿o sí?). La película, como las mejores dentro del género, se inclinó hacia la realidad. Fue un thriller social lleno de paranoia racial pero anclado en el temor cotidiano. Get Out fue más que un éxito de taquilla; Peele se convirtió en su propio Dr. Frankenstein, inyectando al género nuevos matices y finalmente mostrando que el horror podría ser más de lo que esperábamos.

A Quiet Place (2018)

El que nos conoce, sabe que no somos super amantes del cine de terror (aunque el poner Get Out como la mejor del 2017 podría mostrar lo contrario). Dicho esto, A Quiet Place es una película excelente de terror y suspenso que lucha con problemas serios al igual que otras preocupaciones de una manera significativa y conmovedora. En las manos de un cineasta como John Krasinski (quién también co-escribió y co-protagonizó la película), la película se eleva al 1000% gracias al libreto, las actuaciones (en especial la de Emily Blunt) y la atmósfera que se presenta. Al ver esta película, la audiencia es parte de la película y no querrás decir ni pío para que los monstruos no te vengan a buscar. El utilizar este concepto simple a su favor hace que A Quiet Place sea una película de terror a la que muchos imitarán, por lo menos, por la próxima década.

Marriage Story (2019)



El divorcio es un cataclismo que destruye tanto al pasado, presente y futuro, así como lo obliga a uno a reconfigurar su propio sentido de sí mismo, y Marriage Story de Noah Baumbach captura esa agitación con autenticidad y perspicacia. La separación del director de teatro de Brooklyn Charlie (Adam Driver) y la actriz Nicole (Scarlett Johansson) comienza con intenciones amistosas, pero pronto se convierte en una guerra legal costosa y traumática que se lleva a cabo por abogados despiadados e interesados ​​(Laura Dern, Ray Liotta), y deja al joven hijo de la pareja Henry (Azhy Robertson) en medio de un tira y jala figurativo (y, en un momento, literal). Su subsiguiente lucha por la custodia se centra en la costa a la que su hijo llamará hogar, y las agudas escrituras y visuales de Baumbach, llenas de primeros planos de dolor y furia, y composiciones remotas que separan y aíslan a sus protagonistas a la deriva, localizan la forma en que esa batalla inevitablemente deforma lo que alguna vez fue bueno, dejando solo resentimiento y ruina a su paso. Ninguna película sobre el tema ha sido tan fiel a la vida, y gran parte del crédito por ese triunfo recae en Driver y Johansson, cuyas superlativas actuaciones de duelo: heridos y justos, tristes y furiosos, y marcados por sus respectivos números musicales, son tan sutiles ya que son desgarradoramente reales.

Otras listas de Las 10 de los 2010s:
- Las peores películas de la década
- Películas de comics
- Películas "underrated"
- Mejores actuaciones
- Películas animadas

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MovieRankings: Las peores películas del 2019

Fuimos bendecidos con algunas películas increíbles en el 2019. Pero por cada película increíble que obtuvimos, probablemente hubo al menos cinco incendios de basureros que aparecieron en las pantallas de cine este año. No todas las películas aspiran a ser una obra maestra cinematográfica, por supuesto. No importa si una película es de alto o bajo perfil, o si tiene un elencazo, la mala escritura y la mala actuación casi siempre provocan un choque de trenes de dos horas. Si bien las peores películas del año no nos hacen amar a nuestros actores favoritos (te perdonamos Anne, Ewan y Michael), estas 10 películas probablemente deberían haberse dejado en el piso de la sala de corte. Estas son las peores películas del 2019 (en nuestra opinión).

Para este MovieRanking, consideramos las 111 películas que vimos tanto en los cines como en los servicios de streaming como Netflix, Amazon Prime Video, y Hulu. Aunque todavía nos falte una que otra película que no llegamos a ver, incluyendo Bombshell, Honey Boy y 1917, entre otras, sentimos que ya esta lista es lo suficientemente sólida para proceder con ella. Estas fueron escritas en un papel por cada integrante y se les hizo un ranking usando promedios, convenciendo y chantajeando uno al otro. Para los curiosos, encima de cada título, les dejamos o la reseña o mini-reseña de cada una por si quieren adentrarse más hacia por qué nos gustó tanto la película. La lista es nuestra sincera opinión y no la lista definitiva de todos los tiempos. Sabemos que hay personas que tendrán opiniones diferentes y eso está más que bien porque todas las películas son subjetivas.

Para ver la lista de las mejores películas del 2019, dale click aquí.

Menciones (des)honrosas: The Curse of La Llorona, Brightburn, The Addams Family, Stuber y The Laundromat

10. Last Christmas

Nunca imaginamos que Emma Thompson, de tod@s l@s escritores/as en esta industria, co-escribiría una comedia romántica de Navidad que toma la letra de una melodía clásica de George Michael tan literalmente... pero aquí estamos. En el espíritu de la temporada, podemos decirte que Emilia Clarke y Henry Golding son bastante encantadores como una pareja absurdamente atractiva que se encuentran lindos durante la temporada navideña y parecen destinados a una gran historia de amor. Considerablemente menos encantadores son los intentos torpes de comentarios sociales de la película, incluyendo una trama mal concebida sobre un refugio para personas sin hogar y otra que involucra un sentimiento antiinmigrante inspirado en Brexit, y un plot-twist culminante que es más cursi que cualquier balada navideña de los años 1980s. Last Christmas intenta darnos un poco de corazón para las vacaciones, pero estarás ansios@ por devolverlo.

9. Doctor Sleep

Quizás la película más controversial en esta lista, teniendo en cuenta que conozco a algunas personas a las que les gustó la película. Pero verla me hizo preguntar lo siguiente: si los actores extremadamente buenos están haciendo un trabajo fuerte para papeles que simplemente fracasan como peces muertos porque el resto de la historia no está a la par con lo que vino antes o porque el material no es exitoso, ¿es eso realmente algo bueno? Esta es solo una de esas películas que parece que siempre fue estilo sobre sustancia, teniendo en cuenta que muchas personas talentosas a ambos lados de la cámara están haciendo un trabajo extremadamente fuerte para dar vida a una historia en la que King comenzó con el pie equivocado y se quedó ahí, y todo eso es tanta mierda de cerdo. Quiero decir, demonios, Flangan pudo hacer una excelente historia de fantasmas con la precuela de la locamente mala Ouija al igual que hacer una serie excelente de terror en The Haunting of Hill House; pero aparentemente la profunda mediocridad de una novela de Stephen King de tercer nivel como Doctor Sleep fue demasiado incluso para sus poderes.

8. The Intruder

Es una película que hemos visto mil millones de veces. Una joven pareja casada (Michael Ealy, Meagan Good) compra la casa de sus sueños en el norte de California y creen haber encontrado el lugar perfecto para dar los próximos pasos en familia. Pero entonces, el vendedor espeluznante (Dennis Quaid) comienza a acecharlos y hacerles la vida cuadritos. ¿Por qué? Ni la misma película sabe explicar. Una y otra vez, The Intruder deja los cabos sueltos desatados y requiere que los personajes secundarios, especialmente el mejor amigo de Scott, Mike (Joseph Sikora), tomen decisiones irracionales cuando alguien más inteligente que un melón hubiera reaccionado de manera diferente. Después de numerosos sustos baratos, por ejemplo, un relámpago revela que alguien está EN LA CASA JUSTO DETRÁS DE NUESTROS PROTAGONISTA, llegamos a la confrontación inevitable, prolongada y violenta, que termina con una nota amarga.

7. Greta

Greta es una aulladora de la variedad "tan mala que es casi buena", haciendo hincapié en la "casi". Aunque es difícil saber en qué momento Huppert se dio cuenta de que había firmado para un fracaso así, rápidamente se hace evidente que decidió que sería un puntazo ser tan terriblemente terrible y exagerada como el material lo merece (incluso aumenta su acento francés a los niveles extremos de tontería. Por desgracia, incluso si uno le diera al director Neil Jordan, nunca el más consistente de los cineastas, y a su elenco y equipo de primer nivel el beneficio de la duda al suponer que se propusieron deliberadamente hacer el tipo de psicópata direct-to-video que obstruyó las tiendas de videos en la década de los 1990s, Greta es demasiado estúpida como para darle un pase a la película, incluso en esos términos.

6. Captive State

¿Recuerdas que esta película salió este año? Nosotros tampoco hasta que fuimos por el calendario. Captive State no solo fue una decepción a nivel financiero, sino también una decepción a nivel narrativo. La película está demasiado centrada en su premisa en lugar de la historia y sus personajes. Con demasiada frecuencia, esta tiene la sensación de uno empezar un programa de televisión en la sexta temporada donde entendemos el conflicto, pero no conoces a ninguno de los personajes ni sus motivaciones. De Captive State haber sido una miniserie en Netflix/Hulu/Amazon Prime/HBO y tener más tiempo en desarrollar a sus personajes para así entender quiénes son, de dónde vienen y cuáles son sus motivaciones, quizás hubiese triunfado y ser un exitazo. Desafortunadamente, fue más una pérdida de tiempo que cualquier otra cosa.

5. Dark Phoenix

Si tenemos que describir a Dark Phoenix de alguna manera es que es una tormenta perfecta de inutilidad. La película no solo tambalea en cuanto al pase de batuta entre generaciones y no logra avanzar de manera significativa la historia general de la serie, sino que también parece que no lo intenta hacer de ninguna manera. No solo destruye el arco narrativa del material de origen, sino que también hace todo lo posible para aplanarlo. No solo desperdicia un reparto excelente con un guión que reduce a todos sus personajes a sus formas más básicas, sino que también los pone a merced de un director novato que ni siquiera sabe cómo hacer que se vean bien. La franquicia de X-Men ha sido una dónde las altas han sido bien altas y las bajas bien bajas, pero es hasta más triste ver y pensar que su película final será la más baja de todas.

4. Hellboy

En teoría, hacer un reboot de Hellboy no era una mala idea. Había pasado suficiente tiempo desde el lanzamiento de las de Guillermo del Toro, contrataron al director de varios de los episodios más grandes de Game of Thrones y The Descent al igual que a David Harbour de Stranger Things para interpretar al demonio, todo bajo la aprobación del creador del personaje, Mike Mignola. En retrospectiva, esta reboot es basura y tener que pensar en que algún día volveré a ver esta película es mi idea de un infierno personal. Es igualmente aburrida, repetitiva, inentendible, poco interesante y un dolor de cabeza que se siente como la fantasía de un niño de 12 años sobre cómo una película clasificada R debería ser. De lo poco positivo que podemos hablar de esta película es que Harbour es un buen Hellboy y que el maquillaje quedó nítido. Eso es todo.

3. Serenity

¿Sabes de ese decir que dice "Si parece a ______ y huele a ______, probablemente es ______"? Alguien tuvo que haberse transportado del futuro, haber visto Serenity, volvió al pasado y se inventó ese decir a base de esta película. Por más que Matthew McConaughey y Anne Hathaway tratan de meterle pepa (y funcionaron como protagonistas en Interstellar), el guión no tiene norte en lo absoluto. La premisa no tiene mucho sentido, como la dirigen parece una película direct-to-DVD, pero el pecado más grande que tiene es el twist. ¡Wow! Si trataron de recontextualizar la película con eso, fue un fallo masivo porque lo único que hizo es traer más preguntas tal como "¿Quién aprobó que esta película fuese distribuida al público general?" y "¿Qué le habrán sacado a McConaughey y Hathaway para aceptar aparecer en ella?".

2. Escape Room

La mejor manera de describir esta película es Saw Jr. Algunos sets están interesantes y por lo menos Taylor Russell hace un papel super aceptable. Aparte de esto, Escape Room es poco original, predecible y con personajes super estereotipados que parecía que los libretistas nunca han tenido una conversación con otras personas. Escape Room (más precisamente un laberinto de asesinatos, pero whatever) es como el hijo bastardo de las películas de rompecabezas de la década de los 90 tipo The Game y Cube con pistas colocadas de forma fortuita, las epifanías no secuenciales y la claustrofobia sofocante. Al igual que con cualquier otra fórmula bucal para superar su coeficiente intelectual, a Escape Room le gusta invocar conceptos intelectuales para parecer inteligente. El que cita es el Efecto Quantum Zeno, que en este contexto de cultura popular significa que un sujeto observado nunca cambia. El postulado es correcto: el ver esta película múltiples veces confirmarán que Escape Room sigue siendo malísima... pero no peor que la próxima película en esta lista.

1. Cats

La última incorporación a las peores películas de la década es un conjunto estrellado que incluye a Judi Dench, Ian McKellen, James Corden, Jennifer Hudson, Idris Elba, Rebel Wilson y Taylor Swift, que se quedaron atrapados en las bolas de pelo en la adaptación poco atractiva de Tom Hooper a la pantalla. Si bien se ocupa de intentar con un montón de trabajo de cámara frenético y corte rápido, la película nunca evita el error fundamental de su concepto visual central, con los híbridos digitalizados de gatitos, ratas y cucarachas humanas que se ven simplemente extraños en el mejor de los casos, espeluznantes en el peor. Definitivamente hay un olor rancio y frío a algo aquí, y si nunca has entendido el atractivo del contenido original, esta iteración no lo explicará. Es, en nuestra opinión, la peor película del 2019.

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