MovieRankings: Las mejores películas del 2020

 

Luces, cámara y nada de acción. Como muchas cosas en 2020, el año en las películas fue diferente a todos los anteriores. Los cines de todo el mundo cerraron temporalmente sus máquinas de popcorn, los estudios de cine jugaron con la fechas de lanzamientos como si fuese Jenga y las suscripciones a las plataformas de transmisión se dispararon. Las esperanzas se fijaron (falsamente) en Tenet de Christopher Nolan, promocionado como "el salvador del cine", mientras que otros grandes éxitos potenciales como Greyhound y Mulan aterrizaron en nuestras casas por un precio. Como los éxitos de taquilla de la pantalla grande se tomaron en su mayoría una pausa, las pantallas más pequeñas dieron lugar a algunas obras de cine verdaderamente excelentes capturadas en un momento de la historia del cine que pocos olvidarán.

Para este MovieRanking, consideramos las 79 películas que vimos tanto en cines (cuando estaban abiertos en full-force y ahora que están a un cuarto de capacidad) aligual que en los servicios de streaming como Netflix, HBO Max, Amazon Prime Video, Hulu, Disney + y VideoOnDemand (VoD). Aunque todavía nos falte por ver una que otra película que parecen que tendrán un futuro dorado, como lo son Nomadland y One Night in Miami, entendemos que esta lista es lo suficientemente sólida para proceder con ella. Estas fueron escritas en un papel por cada integrante y se les hizo un ranking using promedios, convenciendo y chantajeando uno al otro. La lista es nuestra sincera opinión y no la lista definitiva de todos los tiempos. Sabemos que hay personas que tiene opiniones diferentes y eso está más que bien porque todas las películas son subjetivas. Para los curiosos, encima de cada título, les dejamos o la reseña o mini-reseña de cada una por si quieren adentrarse más hacia por qué nos gustó / no nos gustó tanto la película.

Para ver la lista de las peores películas del 2020, dale click aquí.

Sin más preámbulos, he aquí las mejores películas del 2020.

Menciones honorables: Sound of Metal, Emma., Mank, The Prom y Words on Bathroom Walls

10. Wonder Woman 1984

Al igual que The Last Jedi hace un par de años, puedo ver por qué a la gente no le gusta Wonder Woman 1984: la secuela no es mejor que la primera película, el guión es medio desordenado (particularmente el primer acto), no todo aterriza como la película cree que lo hará, es un poco larga, etc. Es más, probablemente soy el primero en admitir que esta película no habría entrado en la lista si hubiera sido estrenada otro año. Pero es 2020 y, a pesar de lo extraño que ha sido el año, WW94 entró en la lista. Por controvertido que pueda ser para algunas personas a las que no les gustó (de nuevo, eso está bien; las películas son subjetivas), me divertí mucho con la película en general. Fue muy ambiciosa, con ideas muy grandes para una película de superhéroes con un tercer acto fuera de lo normal (de nuevo, no todo lo que propone aterriza). La secuela también personifica un optimismo que es absolutamente necesario en un año como este, lo que lo convierte en un watch excelente para cualquiera que necesite algo de esperanza entrando al 2021.

9. Todos íbamos a ser reyes

Filmada en el Complejo Correccional de Bayamón, Puerto Rico, este documental por parte de las directoras Márel Malaret y la Profa. Edna Benítez es simplemente espectacular. En un poco menos de 90 minutos, este documental centrado en los resultados de un taller de guion que se llevo a cabo en la cárcel cobra vida extra no solo al expresar las decisiones tomadas por los confinados al igual que sus arrepentimientos, sino también al tomar estas historias creadas por ellos y hacerlas en cortometrajes presentados durante la duración del documental. Entre ambos frames narrativos, nos acercamos a lo que fueron sus mundos antes de entrar en la cárcel, el nuevo mundo que se enfrentaron aquellos que tuvieron la oportunidad de salir y poder mejorar la calidad de sus vidas bajos los estándares de la "normalidad", la esperanza que los otros tienen para poder lograr esa meta y el de aquel que nunca volvió a ser libre en vida.

8. Howard

Aunque hay cosas en este documental que no se pudieron adivinar del artículo de Wikipedia del sujeto, Howard es el tipo de película que te sientas a mirar y te preguntas: "¿Cómo a nadie se le ha ocurrido hacer esta película?". La respuesta, por supuesto, es bastante simple: es difícil imaginar a alguien que no sea Don Hahn, un gran productor de Disney que trabajó en The Lion King, Maleficent y The Hunchback of Notre Dame, haciendo esta película. En caso de que todavía estés adivinando, y seguro que no deberías estarlo, Howard se centra en la historia del legendario dramaturgo y letrista Howard Ashman, más conocido por sus colaboraciones con Alan Menken y su trabajo inolvidable que ayudó a revivir las películas animadas de Disney con películas como The Little Mermaid, Aladdin y Beauty and the Beast. Ashman, a quien le diagnosticaron VIH mientras La Sirenita se estaba convirtiendo en un éxito sin precedentes, mantuvo su secreto durante años durante los primeros años de la crisis del sida, cuando el sida se consideraba una sentencia de muerte y declararse homosexual seguía siendo un tabú. Ashman falleció en marzo de 1991 a la edad de 40 años, nueve meses antes del estreno de Beauty and the Beast y casi dos años antes de que Aladdin apareciera en las pantallas, pero Howard nos recuerda que todavía está muy con nosotros hasta el día de hoy. Como parte del círculo íntimo de Ashman en Disney, el acceso de Hahn a materiales que de otro modo podrían haber eludido a otros cineastas convierte a Howard en una visita obligada para los fanáticos de Ashman y para los fanáticos de los musicales de Disney. En tan solo la primera escena del documental quedarás enganchado en las que una sesión de grabación de Beauty and the Beast cobra vida y en unos momentos te verás transportad@ de regreso a la primera vez que vio la película con las notas perfectas de Angela Lansbury y el excepcional control vocal de Jerry Orbach creando un clásico instantáneo.

7. Palm Springs

Palm Springs fue uno de los favoritos cuando estrenó en el Festival de Cine de Sundance a principios de año. Sin embargo, el mundo era un lugar muy diferente en enero y esta película me afectó a nivel personal por todo lo que hemos vivido este año. Si bien la primera impresión de Palm Springs todavía tiene un gran valor personal, y es algo en lo que planeo actuar cuando lleguemos a esa luz al final del túnel pandémico, cuando la película llegó a Hulu en julio, el ciclo del tiempo se sintió mucho más literal. Pasé de un estilo de vida muy activa a despertarme en la casa de mi infancia todas las mañanas, pasar cada hora de vigilia con las mismas pocas personas y, esencialmente, nunca salir de casa. Al igual que Nyles (Andy Samberg), los primeros días incluyeron intentos de darle vida a la monotonía de la nueva rutina (o salir del círculo de tiempo en su caso), pero después de tantos meses, evitar la complacencia se ha convertido en un desafío mayor. Sé que no es el momento de salir del encierro, aprovechar el día y conocer gente nueva, pero cuando llegue el momento, sé que volver a ver Palm Springs aumentará mi entusiasmo mientras lo hago. Ya sea que se sienta atrapado en los desafíos de 2020 o en cualquier tipo de rutina, Palm Springs parece evolucionar con cada visualización, y sigue dando mucho de que hablar.

6. Promising Young Woman

Nada de lo que Carey Mulligan ha hecho antes puede prepararte para su ángel vengador con alas desaliñadas y lápiz labial desordenado en el debut de la guionista y directora Emerald Fennell. Este thriller monta cada escena con precisión punzante pero llena de peligros inesperados y mezclada con los tonos más oscuros del humor sardónico, le da su propio giro provocador a la narrativa #MeToo en torno a temas de consentimiento y mujeres cuyo trauma sigue sin ser escuchado. Donde Cassie, la magullada de Mulligan, encaja en la triste historia que provocó su ola de venganza, sigue siendo un misterio provocador hasta bien adentro de la duración del filme. Incluso cuando no estaba seguro de hacia dónde se dirigía mientras se balanceaba entre la sátira y el drama de la agresión sexual, esto siguió siendo un camino de nudillos blancos hasta su sorprendente conclusión.

5. Da 5 Bloods

Tras su ganar un Oscar por el libreto de BlacKkKlansman, Da 5 Bloods ve a Spike Lee desplegando una ardiente y difícil acusación sobre el racismo sistémico y el trauma residual, que involucra a cuatro veteranos afroamericanos que regresan a Vietnam para reclamar los restos de su comandante y un tesoro escondido. En particular, presenta una de las actuaciones finales de Chadwick Boseman, quien murió repentinamente en 2020 por cáncer (y que nuevamente será mencionado en esta lista). La película se relaciona con muchos géneros, utilizando film stock de la Guerra de Vietnam y los cambios en la relación de aspecto para promover la narrativa mientras ofrece un comentario consciente sobre el género de guerra. Conmovedora, cautivadora y fascinante, Lee también merece un premio especial por sus logros por el mero hecho de crear una película de la era de la Guerra de Vietnam que no incluye Creedence Clear Water Revival en la banda sonora.

4. Charm City Kings

Bajo la dirección de Soto (un puertorro de Santurce), y con un guión detallado de Barry Jenkins (Moonlight, If Beale Street Could Talk), Charm City Kings da un rostro humano a la fragilidad de la niñez negra. Como Blax, el rapero Meek Mill hace un trabajo maravilloso al demostrar que puedes ser imperfecto y seguir siendo un mentor para los demás, mientras que Detective Rivers de William Catlett muestra los beneficios de caminar por el camino recto y estrecho. Donielle T. Hansley Jr. no tiene miedo en el papel de Lamont. Su personaje personifica los estrechos márgenes que muchas personas marginadas tienen que negociar: hundirse o nadar, luchar para sobrevivir y conseguir dinero, o morir. Y Sweartagod de Kezii Curtis es el homenaje perfecto a la alegría y la inocencia del chico negro. Su interpretación de un compañero feliz, sensible y divertido es el complemento perfecto para el publicitario trío de amigos de la película. Esta película resonará con cualquiera que quiera echar un vistazo genuino al interior de la vida de los jóvenes de los barrios pobres de la ciudad, y los adultos que los apoyan y que tratan de hacer todo lo posible para proteger a sus hijos y a los niños de la comunidad. Sí, hay algo de violencia armada en esta película. Pero hay momentos tranquilos, tiernos y hermosos también.

3. Ma Rainey's Black Bottom

Aunque inicialmente podría presentarse como una película biográfica musical, Ma Rainey's Black Bottom es, en esencia, un estudio de la relación entre el arte y la mercantilización, y las formas en que esto se cruza con la explotación estadounidense de la cultura negra. Adaptada de la obra homónima de August Wilson del 1982, la acción se desarrolla en una sola tarde, mientras las tensiones hierven a fuego lento entre Ma, su banda y sus productores en un estudio caluroso de Chicago. El guión es indiscutiblemente poderoso, pero Ma Rainey's pertenece a sus actores, en particular a Davis y al difunto Chadwick Boseman, que interpreta a su errático trompetista Levee. Davis encarna a Ma con una sensualidad fascinante: empapada de sudor, deslumbrada y sorbiendo Coca Cola, su presencia inquebrantable rechaza el silencio histórico que experimentó Ma. Y luego está el desempeño eléctrico de cuerpo completo de Boseman como Levee. La ambición embriagadora y la frustración abrasadora encuentran expresión en una volatilidad carismática e inquietante, respaldada por una vitalidad que, varios meses después de la muerte de Boseman, todavía duele. Las actuaciones, junto con la puesta en escena, la cinematografía y su música hacen que la película sea electrizante en su conjunto.

2. The Trial of the Chigago 7

Qué momento para que salga esta película. Hay tantas cosas en este año tumultuoso que se sienten perfectamente adecuadas para lo que ocurrió en los últimos 365. Y, vaya, esta película, después de estar en proceso durante tanto tiempo con problemas de desarrollo con Steven Spielberg a la cabeza desde el 2006, llega en el momento adecuado. Es mucho lo que se puede decir, pero en un momento eso se podría ir más allá de una reseña/párrafo en una lista y se convierte en un ensayo extenso sobre cuánto ha progresado y cuánto no ha progresado el sistema judicial en los últimos 50 años. Todavía estamos peleando la misma pelea que pelearon los abuelos de algunas personas cuando estos fueron jóvenes. Puede ser deprimente, pero una película bien hecha como esta no solo puede mostrarle que las batallas no son nuevas, sino que vale la pena pelearlas y lo que, espero, lleve a la gente a investigar más historia de la que no se enseña. Esto podría haber terminado como una parte de 10 minutos de un documental de CNN un domingo por la noche. En cambio, The Trial of the Chicago 7 es una peliculaza. Netflix tiene otra película fuerte aquí para su repertorio y definitivamente debería ser una visita obligada siempre que tenga tiempo.

1. Soul

Probablemente la película más madura que ha hecho Pixar, Soul aparece como un cruce de ensueño febril entre Fantasia y Defending Your Life, con un toque extraño de The Lovely Bones de Peter Jackson incluido en buena medida. La historia de un profesor de música que pierde la vida pero descubre su alma, es un derroche de ideas visualmente suntuoso, presentado en algún lugar entre un musical lúdico, una comedia divina y un drama metafísico. Es fácil volverse indiferente ante la brillantez visual, tanto técnica como artística de la producción de Pixar, pero Soul es realmente un placer para los ojos. Desde la claridad casi fotorrealista de las escenas terrestres hasta la inquietud de otro mundo de los segmentos extracorporales, es un placer verla aunque sea con el audio en mute. Sea testigo de la belleza física tangible de los dedos de Joe revoloteando a través de los teclados mientras la música lo transporta a otra dimensión, yuxtapuestos con la maravillosa extrañeza de las criaturas de otro mundo que se asemejan a los dibujos de líneas trippy de Fred Flintstone reinventado por Picasso y, en el proceso, ser arrastrado con él.

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MovieRankings: Las películas más decepcionantes del 2020

 

¿Cómo eliges las películas más fallidas del año? En cierto modo, es fácil. Una película que es lo suficientemente mala como para ganarse un lugar en este pergamino es, como una gran película, no una que realmente elijas. Es uno que te elige a ti. Parece un juicio, y además muy duro, pero en realidad es un sentimiento: que la película en cuestión es mal concebida, poco dramática, divertida, complicada o simplemente aburrida, que verla es suficiente para causar dolor. En este año de pandemia, había menos bombas de caca para elegir, pero no hicimos ningún intento especial de ir a lo grande o a lo pequeño, a ir a Hollywood o al indie. No tuvimos que hacerlo. Simplemente elegimos lo más decepcionante del año. Que quede claro que no dijimos lo peor. Este año ha sido lo suficientemente fuerte para caer en ese hoyo, más queríamos ver una cantidad más grande para definir al 100% cuales ciertamente fueron las peores.

Para este MovieRanking, consideramos las 79 películas que vimos tanto en cines (cuando estaban abiertos en full-force y ahora que están a un cuarto de capacidad) aligual que en los servicios de streaming como Netflix, HBO Max, Amazon Prime Video, Hulu, Disney+ y VideoOnDemand (VoD). Aunque todavía nos falte por ver una que otra película que parecen que tendrán un futuro dorado, como lo son Nomadland y One Night in Miami, entendemos que esta lista es lo suficientemente sólida para proceder con ella. Estas fueron escritas en un papel por cada integrante y se les hizo un ranking usando promedios, convenciendo y chantajeando uno al otro. La lista es nuestra sincera opinión y no la lista definitiva de todos los tiempos. Sabemos que hay personas que tiene opiniones diferentes y eso está más que bien porque todas las películas son subjetivas. Para los curiosos, encima de cada título, les dejamos o la reseña o mini-reseña de cada una por si quieren adentrarse más hacia por qué nos gustó/no nos gustó tanto la película.

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Sin más preámbulos, he aquí las películas más decepcionantes del 2020.

Menciones (des)honrosas: Project Power, Irresistible, Scoob!, To All the Boys: PS I Love You y The Photograph

10. Dolittle

Los traficantes de drogas solían tener el mantra "No te metas al cuerpo tu propia mercancía". Quizás las estrellas de cine deberían vivir según el credo "Dolittle, simplemente no lo hagas". El remake del 1998 fue simplemente una comedia de Eddie Murphy y la segunda parte salió sin mucho énfasis años después, pero esta nueva versión con Robert Downey Jr. logra la asombrosa hazaña de ser mucho, mucho peor que la legendaria y crujiente debacle musical de Hollywood del 1967. Y no es que la película sea 100% terrible, pero uno podría decir que la historia no funcionó, las criaturas fueron simplemente cosas de pesadillas y que aunque Downey tiene mucho talento como actor y productor (esta última mostrada en la serie de HBO Perry Mason), ese talento no necesariamente se traslada a cualquier proyecto así porque sí. La suma de todo esto, en conjunto con un climax que acaba con un dragón tirándose un follón en la cara del doctor, hace que esta película sea mucho menos que el potencial que tenía.

9. Extraction

Quizás la película más controversial en esta lista ya que conzco que muchas personas les gustó la misma. Puedo entender el porqué: grandes secuencias de acción, explosiones, movimientos de cámara cinéticos en los que parece que estás en un videojuego de disparos en primera persona. Todas estas cosas fueron las cosas que me gustaron de la película (especialmente porque quería despejar la mente de la pandemia y el lockdown que ya había comenzado en ese momento en el que se estrenó la película). Pero, de nuevo, esta es una lista de las "películas más decepcionantes", y detrás de todo eso de correr, saltar, disparar a lo crazy y explotar no había nada. El guión de la película, escrito por la mitad del dúo de directores de las dos últimas películas de Avengers, es muy mediocre. Si Extraction estuviera hecha de persecuciones de autos y tiroteos solamente, esta sería una gran película. Desafortunadamente, cada vez que hay una pausa en la acción, un intento de inyectar corazón en la historia como lo han hecho con las películas de John Wick, Extraction falla. Existe el concepto del "ruido visual", que es cuando hay mucha acción pero no hay una historia real detrás de esas secuencias lo cual hace que nada de lo que viste valga algo, y esta película es un excelente ejemplo de eso; el aburrimiento de la conversación te hace bostezar mientras esperas la siguiente parte de la acción.

8. The War with Grandpa

Estoy bastante seguro de que la última vez que vi a Robert De Niro y Christopher Walken juntos en la pantalla, este último se voló la cabeza trágicamente en un garito lleno de humo en Saigón, por lo que es muy posible que mis expectativas fueran demasiado altas de esta colaboración (o tan altas como lo puede ser para una película familiar no trabajada por Disney o Pixar). Al mismo tiempo, los dos han estado haciendo una serie de películas desechables durante tanto tiempo, De Niro generalmente como protagonista y Walken como jugador de reparto, que uno debe saber que no debe esperar nada especial de The War With Grandpa (incluso si la última película que hizo De Niro con la palabra Grandpa en el título fue una especie de obra maestra impía y misantrópica en la que el tipo tiene sexo con Aubrey Plaza). Aún así, la comedia familiar amablemente insulsa The War With Grandpa realmente sorprende con lo poco especial que es. Es el tipo de película que parece desaparecer de la mente mientras la estás viendo y es por esto específicamente que cae en nuestra lista.

7. Hillbilly Elegy

Lanzada en un tiempo tumultuoso donde los escritores y la audiencia de ambos lados de la división ideológica buscaban explicaciones sobre cómo y por qué los votantes blancos habían acudido en masa a un candidato presidencial extremista, Hillbilly Elegy se vendió como una especie de Rosetta Stone sociopolítica: una cartilla para la "ansiedad económica” y otros eufemismos acuñados en torno a la elección de Trump en el 2016 al igual que la cantidad sustancial de votos que recibió el presidente saliente en estas últimas elecciones. Pero cuando rodeas tu película con caricaturas totalmente desagradables de personas que viven en el Medio Oeste, es realmente difícil que te importe lo que les ocurra. La mayor parte de la película es solo gente escupiendo el mal que el otro personaje se va a morir o tomando acciones totalmente ridículas donde creo que simplemente no entendemos lo que la película quería transmitir en lo absoluto. Glenn Close es la única razón por la que la película cruza la línea de meta en su interpretación de Mamaw, pero incluso su monólogo "Hay Terminators buenos y hay Terminators malos" (un monólogo real que hicieron que la actriz siete veces nominada al Oscar dijera directamente a una cámara) está completamente desincronizado en cuanto a lo que querían mostrar.

6. Capone

Capone es una película lanzada después de una ardua producción. Hecha en el 2018, la película que tenía la taréa árdua de mostrar que el trabajo de Josh Trank en Chronicle no fue una casualidad después de Fant4stic se sentó en el estante hasta que se lanzó mediante VoD este año debido a dos razones bastante obvias: 1. por la pandemia y 2. porque es una película bastante mala. En la superficie, parece un esfuerzo que vale la pena. ¿Tom Hardy como Al Capone,? ¡Por supuesto! Oh, pero está interpretando al gángster más notorio de todos los tiempos como un anciano ruidoso con la voz del Pato Donald y cagón (no es chiste esto último) que lucha contra la neurosífilis y la demencia... ¿Eh? Por qué esta historia merece ser contada es una incógnita, pero es un desperdicio del talento de Hardy. Tan bueno como es, la depresión cavernosa que es Capone lo envuelve. El trabajo de maquillaje es bastante malo. Esta es una cadena perpetua de película.

5. Artemis Fowl

Este filme fue alguna vez etiquetado como el próximo Harry Potter, pero esta incoherente adaptación de la popular serie de libros estaba muerta a su llegada para su debut sin ceremonia alguna por Disney+. Al igual que la reciente Star Girl de la plataforma (una película mucho mejor), Artemis Fowl es una adaptación de una novela lanzada hace veinte años que no se da cuenta de lo desactualizada que está. Pero incluso más allá de la fidelidad al material fuente o la relevancia para el momento en que se lanza, Artemis Fowl falla en un nivel fundamental de "¿Es divertida esta película?" y "¿Quiero pasar más tiempo con estos personajes?" Al igual que The Mortal Instruments: City Of Bones, falla de manera impresionante en atar un solo hilo narrativo, dejando todo lo sustancial para la secuela teórica. Las franquicias de Harry Potter, Hunger Games y hasta Twilight podrían haber terminado con sus respectivas primeras entregas y aún así calificar como un drama de personajes completo con tres actos y una puerta abierta para una secuela. Al igual que muchos imitadores, Artemis Fowl le da prioridad a la creación del mundo y la configuración de secuelas para personajes atractivos y entretenimiento en el momento. Para citar una de las mejor películas de Disney+ hasta el momento, "se cometieron errores".

4. Fantasy Island

Héroes del horror, Blumhouse puede habernos traído el par de increíbles híbridos de sátira social/ciencia ficción de terror de Jason Blum, pero vale la pena recordar que la compañía de producción aclamada tiene otro lado: un ser sombrío atado a su producción críticamente adorada, por así decirlo. Es este Blumhouse menor el responsable por la existencia de Fantasy Island, un error absurdamente malo que fusiona acción, fantasía, ciencia ficción, comedia y horror con un efecto vergonzoso. Fantasy Island sigue a un grupo de jóvenes traídos a la isla titular de estilo holodeck donde sus sueños más salvajes se hacen realidad, a un precio. Tan aburrida como ver el agua e igual de feo que ver un mono rascarse su trasero y ponerse los dedos en la boca, este fracaso es más evidencia de que la desesperación por explotar la propiedad intelectual existente sobre invertir en nuevas ideas no rendirá nada más prometedor que esta inexplicable versión de terror PG-13 de un éxito televisivo de los setenta en el futuro.

Sin embargo, espero con ansias la inevitable versión de terror de The Brady Bunch.

3. The Binge

El mayor problema de The Binge es que simplemente no es graciosa. A menudo puedes perdonar y olvidar la naturaleza problemática de una película desechable como esta (y otra que mencionaremos próximamente) si al menos es lo suficientemente entretenida como para hacerte reír, pero los chistes duran demasiado y carecen de verdadero humor. En muchas ocasiones, parece una película hecha al menos hace una década que no ha envejecido particularmente bien, especialmente cuando comienzas a compararla con comedias adolescentes mejores que han salido en los últimos diez años (piensa en Easy A, 21 o 22 Jump Street y Booksmart). Justo cuando pensaba que habías visto lo peor que la película tiene para ofrecer, los personajes de repente estallan en canciones, pero no todos pueden cantar y bailar, por lo que es un número completamente incómodo y digno de vergüenza. No ofrece nada nuevo y toma prestado demasiado de otras películas mejores que vinieron antes, lo que la convierte en una oportunidad poco original y perdida para todos los involucrados.

2. Bloodshot

Teniendo en cuenta que esta es aparentemente la primera de una nueva serie de películas de Valiant Comics, Es completamente desconcertante que los guionistas eligieran hacer la primera entrada tan increíblemente desordenada y aburrida. El guión de Bloodshot es insultantemente terrible para transmitir su historia correctamente, logrando ser de alguna manera innecesariamente intrincada y demasiado genérica al mismo tiempo. La trama es tan sosa y a medias que parece que Jeff Wadlow (el autor intelectual detrás de obras maestras cinematográficas como la anteriormente mencionada Fantasy Island) tuvo la idea algún día de comenzar la década del 2020 con la película de cómics más poco original desde Green Lantern. Las escenas están editadas de manera tan torpe y sin ningún sentido de cohesión que es sorprendente que este Frankenstein de película haya pasado la fase de prueba. Es conceptual y ridículamente mala, sin embargo, incluso esas risas potenciales en el guión abismal se arruinan porque la película es demasiado aburrida. Además, la cinematografía es dolorosa de ver, una amalgama de todas las películas de superhéroes tomadas digitalmente de la última década, pensando que "estilo" significa destellos de lentes y colores profundos sin ningún sentido de composición visual. Si bien Bloodshot no es la peor película que he visto en este año (aunque increíblemente cerca de serlo), sigue siendo un intento abismal de desprenderse del breve receso del Marvel Cinematic Universe, intentando iniciar una nueva franquicia de un personaje tan desconocido para muchos del público general pero sin las herramientas necesarias para construir uno. Bloodshot intenta hacer algo "diferente", pero conserva muchos de los clichés a los que se han sometido sus predecesores.

1. Like a Boss

La primera película que vi este año es también la peor película que ví en el 2020 (lo que debió haber sido un presagio de cómo iba a ir el año.). Like a Boss fue otra película que no logró capitalizar por completo el talento de su elenco, que incluye a Rose Byrne, Salma Hayek, Billy Porter y Tiffany Haddish (que aparentemente no puede tomarse un descanso apareciendo de 2-4 películas al año desde su debut en Girl's Trip). La historia de un par de amigas (Byrne y Haddish) cuya amistad se pone a prueba cuando su pequeña empresa de cosméticos es comprada por una corporación, la película hizo puñaladas débiles tanto en risas subversivas como en un empoderamiento femenino de "you go, girl" (que está bien siempre y cuando tenga algo que decir al respecto y no lo haga sentir como una marca de verificación en una lista), ninguno de los cuales funcionó. ¿Cómo se hace una película con este elenco, y estar tan desprovista de algún tipo de alegría? Con una veterana en Hayek, estrellas en ascenso con Porter y Haddish y una actriz de comedia criminalmente subestimada en Byrne, es difícil adivinar si la historia fue destrozada por editajes controladas por el estudio o simplemente no tenía mucho que decir para empezar. Ambas parecen posibles en estos momentos. La pregunta más importante es por qué tantos actores fuertes se inscribieron para esta comedia basura, ya que parece una película cuyo punto es torpemente incomprendido por las mismas personas que lo crearon. Es una película que tan desesperadamente quiere ser divertida, pero no está segura de cómo serlo. Todos en esta película y sus madres merecían algo mejor que esta película, y tú (y tu madre) también.

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Reseña de Soul: La película más madura de Pixar

 

Parte de la mitología de Pixar se basa en cómo hacen películas con un atractivo cruzado. No son una diatriba de mínimo común denominador tipo The Emoji Movie diseñada para mantener a los niños ocupados durante 90 minutos mientras los padres obtienen un breve respiro. En cambio, son el estándar de oro en las películas familiares animadas, ya que atraen tanto a niños como a adultos, y aunque la producción del estudio no es tan consistente como lo fue en su apogeo (piensa en esa racha entre Finding Nemo y Toy Story 3 [excluyendo Cars]), todavía saben cómo generar potencias emocionales como Coco e Inside Out. Su última película, la magníficamente realizada Soul de Pete Docter y Kemp Powers, finalmente decide cambiar el tema directamente más hacia los adultos que para los chiquillos, aunque todavía hay mucho para que los niños disfruten.

La película sigue a Joe (Jamie Foxx), un hombre que ha pasado su vida adulta trabajando como maestro de música en una escuela intermedia a pesar de que su sueño, y él cree que su propósito, es tocar jazz profesionalmente. Finalmente tiene su gran oportunidad para unirse al cuarteto de Dorothea Williams (Angela Bassett) solo para salir de su triunfante audición y caer por una alcantarilla abierta. Enviado al Gran Más Allá, el alma de Joe no está lista para seguir adelante, por lo que escapa solo para tropezar con El Gran Antes, donde las almas se preparan para la vida en la Tierra. Joe se hace pasar por la figura del mentor del alma obstinada y sardónica 22 (Tina Fey), y los dos llegan a un acuerdo. Si Joe ayuda a 22 a encontrar su "chispa", ella obtendrá un "pase de la Tierra", y luego esta le dará el pase a Joe para que pueda regresar a su cuerpo y ella pueda permanecer en el Gran Antes, donde se sienta más cómoda y no tiene que pasar por los obstáculos que la vida tiende a presentar.

Lo bueno

El tono maduro: Pixar ha manejado temas fuertes anteriormente (el aceptar que tu hijo/amo tiene vida propia en Finding Nemo y Toy Story 3, cómo no todo el mundo puede ser lo que quiere ser en la vida como en Monsters University, la muerte en Coco, lidiar con las emociones como en Inside Out, la partida de un ser querido en Up, buscar figuras paternas en personas no he esperado como en Onward, entre otras enseñasas), pero esta es quizás la película más madura que el estudio ha montado. Sí, tiene que ver con la vida del más allá de la que vivimos actualmente que podrías apuntar que tiene un poco de parecido con Coco, pero también habla de nuestro propósito en la vida. Como mencioné anteriormente, Soul es sobre un hombre cuarentón que está detrás de sus sueños, entendiendo que ese es su propósito y que, solo con eso, será feliz. Quizás un niñ@ no necesariamente entenderá lo que eso conlleva, pero para una persona que (al menos se considera) adult@ es como una patada en buen sitio ya que te pone a pensar en todas las cosas que has hecho y trabajado toda tu vida porque tendemos a pensar que la vida se trata de los logros que has obtenido. Pero más allá, la película te invita a preguntar que "Si he desperdiciado mis talentos, ¿he desperdiciado mi vida? Si hablamos de que las personas son 'miembros productivos de la sociedad', ¿entonces mi valor está solo en lo que produzco?". Estas son preguntas realmente pesadas y embriagadoras, y Soul las explora de una manera reflexiva y sublime.

La animación: Hablar de animación y Pixar es una tontería porque sabemos que son fantásticos, pero aquí voy de nuevo porque hay que decirlo. El director Pete Docter ha sido responsable de dar forma sólida a algunos conceptos bastante abstractos en películas de Pixar como Monsters, Inc. y las ganadoras del Oscar Up e Inside Out (Up es solo una de las tres películas animadas que han sido nominadas a Mejor Película en la Oscar). Con Soul (junto con el codirector/escritor Kemp Powers) lleva las cosas un gran paso más allá y las imágenes que ellos y su equipo han evocado de estos mundos celestiales son a la vez convincentes, hermosas, artísticas y encantadoras. Un ejemplo sorprendente es la visión de un barco que navega por el reino de las almas perdidas. Otro muestra seres graciosos y surrealistas que parecen haber sido creados por Pablo Picasso o Salvador Dali. Pero no es solo el mundo metafísico, es el Nueva York presentado en esta película. No es el típico "¡Oh, mira! ¡Estamos en Times Square/Madison Square Garden/el Brooklyn Bridge/Rockerfeller/inserta otro punto de referencia de Nueva York!" que solemos ver en muchas películas basadas en esta ciudad. Éste pone el foco en el vecindario. El guión y la dirección de Docter y Powers destacan lugares que uno considera comunes (un apartamento, un club, una barbería, una escuela, un subway, una sastrería, etc.) y los animadores del estudio simplemente los hace cobrar vida a tutiplen. Uno no pensaría de estos sitios como lugares que hacen que quedes boquiabierto, pero Pixar los puso a otro nivel, lo cual hizo que esta película se sintiera completamente diferente a todo lo demás que han montado. Simplstá a la par con la excelente animación de Spider-Man: Into the Spider-Verse.

No solo una religión: Ya que esto tiene que ver con un mundo más allá, Docter y Powers claramente entendieron que podría haber ciertos aspectos que podrían alterar a ciertos sectores religiosos diciendo "¡Mi religión no dice eso!" o "¡Así no es la cosa!". Esto presumiblemente sirvió a la clara intención de ambos de mantener abierta a la interpretación la descripción de la dimensión espiritual de la película. Y funciona ya que no favorece a ninguna religión en particular. Incluso los ateos y agnósticos pueden ver sus creencias (o la falta de ellas) reflejadas en la vida futura imaginada en Soul, al igual que The Good Place lo hizo durante cuatro temporadas en NBC (si no has visto este programa, date un capricho y hazlo). 

La representación es importante: Powers, un hombre afroamericano, comenzó como consultor del proyecto, pero Docter pronto lo agregó como coguionista y director por sus aportes. Hicieron el papel principal un tipo negro de clase media, Joe Gardner, que vive para hacer música. La raza no es un factor importante para contar esta historia, pero la influencia de Powers se ve en el hecho de que Joe lleva una vida normal de clase media, cuando va a la barbería del barrio, la importancia de la música en su vida,  el aspecto de la familia, el lingo, entre otras cosas. El aspecto puro que la película no solo le da a Pixar su primer personaje afroamericano, sino que también es el primer protagonista afroamericano en Foxx y que la mayoría de su elenco también es negro (Bassett, Questlove, Daveed Diggs, Phylicia Rashad, etc.) también hace que esta película destaque frente a otras películas del mismo tipo, tanto dentro como fuera del estudio. Una vez más, la raza no es un tema importante en esta película (y yo no me considero un experto en el tema), pero incluso sin resaltarlo o darle demasiada importancia, es lógico que la película sea/será discretamente importante para muchos en cuestión de representación.

La música: La música de la película está escrita, compuesta e interpretada por incondicionales del jazz y hace que la película cobre vida desde los primeros minutos. La animación en la que los músicos tocan sus instrumentos, especialmente Joe tocando el piano, está tan sincronizada que puedes seguir sus dedos tocando todas y cada una de las notas. Jon Batiste de The Late Show with Stephen Colbert fue responsable de toda la composición y los arreglos de jazz cuando Joe's on Earth. Eso incluye el arreglo de Batiste y la interpretación de "It's All Right" de Curtis Mayfield. Trent Reznor y Atticus Ross (The Social Network, Mank) crearon la partitura para las escenas más etéreas del Gran Antes y es posible que acaben de conseguir otra partitura ganadora del Oscar en su haber. Es más, podrían ser nominados dobles este año entre Mank y esta. Pero la banda sonora contiene más canciones e influencia de Erika Badu, Herbie Hancock, Daveed Diggs y más, y es bastante espectacular.

Lo malo

El ritmo de la película: Si hay algo que me podría quejar es que la película, aunque dure un poco más de hora y 45 minutos es que tiene sus partecitas un poco lentas, lo cual no hace que el ritmo de la película fluya como debería. No me malinterpretes, entre la animación, la historia, la música, el humor y las lecciones me ayudaron al 100%. Dicho esto, puede haber partes en las que su hijo / hijos se distraigan mientras ven la película, mientras que usted, como adulto, puede quedar hipnotizado por lo que está sucediendo frente a usted. Así que tómate esto con un grano de sal.

En general, Soul es una película hermosa, y una de las mejores, si no la mejor, en un año en el que muchas películas se vieron obligadas a retrasar y posponer su estreno para el próximo año (quizás hasta más). En un momento desafiante para el público, Soul quizás se sentirá un poco agridulce, pero espero que también haga que se sientan esperanzados, conmovidos y, sobre todo, que sea resonante durante esta época del año, tal cual como me sentí viendo Wonder Woman 1984. Una lección que inspirará tanto a jóvenes como a mayores, Soul simplemente limpiará tu... alma.

Rating: A+

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Reseña de Wonder Woman 1984: Esperanza, amor y verdad. Justo lo que necesitamos.

 

Cuando Wonder Woman se estrenó en 2017, mostró un lado más claro del, en ese momento, bastante oscuro y áspero DC Extended Universe, así como una entrada revolucionaria en el mundo de las películas de superhéroes que se atrevió a distinguirse del resto (aparte de tener mujeres dirigiendo y protagonizando la película). Ahora Wonder Woman 1984 lleva esa esperanza y ligereza a alturas aún mayores. Para la secuela, la directora Patty Jenkins regresa y asume tareas de guion junto con el guionista de DC Comics Geoff Johns y el guionista David Callaham (The Expendables, Ant-Man). La misma intercambia  las aventuras cinematográficas de Diana Prince (Gal Gadot) de Primera Guerra Mundial que devastó Europa para los Estados Unidos de la década de 1980s (y todo lo que conlleva eso), siguiendo a la princesa amazónica mucho después de haber perdido a los amigos sobrevivientes que ganó en la primera película. Wonder Woman 1984 está llena de esperanza, amor y optimismo, que ofrece acción de superhéroe impresionantemente con un corazón sentimental.

Al igual que nuestra reseña de Tenet, intentaré ser lo vago posible con la trama y los spoilers, ya que son muy intrínsecos a todo.

Este nuevo capítulo de la historia de la Mujer Maravilla muestra a Diana Prince viviendo tranquilamente entre los mortales en la vibrante y elegante década de 1980s, una era de excesos impulsada por la búsqueda de tenerlo todo. Aunque ha alcanzado todos sus poderes, mantiene un perfil bajo, curando artefactos antiguos y solo realizando sus actos superheroicos de incógnito. Pero ahora, Diana tendrá que dar un paso directamente en el centro de atención y reunir toda su sabiduría, fuerza y coraje para salvar a la humanidad de un mundo que ellos mismos crearon.

Lo bueno

Esperanza, amor y verdad: En el fondo, Wonder Woman 1984 cuenta una historia muy humana sobre el amor y la pérdida que se siente especialmente profética en el 2020, pero la película nunca pierde la esperanza o la fe en la bondad suprema del mundo y los que viven en él que hicieron de la primera entrega un clásico casi instantáneo del género con el público. Diana, en las manos de Gadot, encarna esa esperanza y optimismo en todos los sentidos, a veces hasta el punto de que se siente demasiado irreal en un año lleno de tanta pérdida (que puede ser el cínico cansado que vivió/vive en mí este año hablando o pensando en eso específicamente), pero ese idealismo ciego también es reconfortante en su firmeza. Pero cuando la película comienza a cerrar lo que se daba, los guionistas le ofrecen un poderoso monólogo que se siente oportuno e importante, especialmente para l@s jóvenes Diana Prince que están viendo la película.

Los héroes: Hablar de esta película y no hablar de los cuatro personajes principales y los actores detrás de ellos sería un desperdicio. Gadot nuevamente aporta una cantidad igual de vulnerabilidad y fuerza al papel de Diana que le da a Wonder Woman una presencia de pantalla dinámica única. Wonder Woman 1984 se ve impulsada aún más por el turno de Pine como Steve Trevor, trabajando bien para asentar a Diana en una humanidad que podría ser difícil para una princesa amazónica. Su dinámica es tan encantadora como en la primera película, con Pine aportando mucho humor a su papel inocente tal como Gadot hizo en el 2017. 

Los villanos: Pero lo que realmente me gusta de esta película es que tanto Diana como Steve se yuxtaponen bien con los villanos, interpretados por Kristen Wiig y Pedro Pascal, quienes tienen sus propios arcos que funcionan para mostrar otros lados de la humanidad durante la edad de oro del exceso. La mejor manera de describir el papel de Pascal es lo que obtienes cuando mezclas el Lex Luthor de Gene Hackman, el Loki de Tom Hiddleston y cierta figura política que fue/es prevalente tanto en la década de los 1980s como en la actualidad (no voy a decir quién, pero comienza con D y termina con -onald Trump). Al mismo tiempo, obtienes a Wiig que lo primero que pensé que podría ocurrir exactamente la misma historia de Electro de Jamie Foxx en The Amazing Spider-Man 2 o Riddler de Jim Carrey en Batman Forever (persona ignorada admira al héroe, todo el mundo le pasa por la piedra, se convierten en villanos). Pero la película decide girar con fuerza hacia el otro lado (llegaremos a eso un poco más tarde) donde la historia de Barbara aterriza mucho mejor que lo que hicieron con los villanos en la primera película (Ares, Doctor Poison y Ludendorff) donde ellos todos eran solo personajes y completamente fuera de línea con el resto de la película. Ambos son magnéticos, poderosos, pero sobre todo, humanos en la pantalla.

Momentos superheroicos: Si bien la primera película de Wonder Woman puede haber sido más una historia de origen, Wonder Woman 1984 muestra mucho a Diana como una superhéroe en todo sentido de la palabra, y las piezas de acción reflejan esto. La directora Patty Jenkins, quien nuevamente tiene momentos donde su inspiración clara es Superman del 1978 y Raiders of the Lost Ark, se asegura de mostrar a una Mujer Maravilla que se siente cómoda con sus poderes, y es emocionante ver a la heroína deleitarse con su fuerza. Pero también hay momentos en los que Diana impulsa sus habilidades y descubre nuevas facetas de su fuerza, que son igual de electrizantes. Aunque no hay una secuencia que reproduzca la impresionante y emocionante pieza de No Man's Land de la primera película, la secuela tiene una escena con Diana sola que se acerca. En total, hay mucha acción divertida que, en su mayor parte, se entrelaza hábilmente con la línea emocional de la película, todo lo cual se vería fantástico en una gran pantalla de cine.

El tercer acto: Mientras que aprecio mucho los primeros dos actos de la primera entrega, hasta el punto en que creo que son impecables en la ejecución, el tercer acto se desmorona considerablemente ya que se convierte en una bonanza de efectos especiales mezclada con arte sin usar de God of War que no se usó en el videojuego. Jenkins escuchó claramente la súplica de muchas personas e hizo un tercer acto que, si bien tiene efectos especiales, no es su enfoque principal. Jenkins, Johns y Callaham se aseguran de que cuando lleguemos a este acto de la película, la historia de cada personaje esté terminando, cada decisión tomada a lo largo de la duración tenga una recompensa y tenga sentido para todos. Pero lo más importante, que el mensaje de la película sea 100% claro. Es claramente ambicioso, al igual que el resto de la película, pero el hacer esto ayuda que la película aterrice correctamente.

Lo malo

Minucias temáticas: Donde Wonder Woman 1984 se tambalea un poco es en la mera duración de la película, que dura dos horas y treinta minutos. La secuela de Jenkins es una película de superhéroes en expansión con escenas de acción épicas y mucho corazón impulsado por los personajes, pero su ritmo se empantana en minucias temáticas, cuya importancia no se aclara hasta más adelante en la película, a veces mucho más tarde. Esto hace que el primer acto de esta película no sea tan limpio como los otros dos hasta que ocurren ciertas cosas. Pero si bien los temas de la película quizás se explican demasiado, la construcción del mundo real se pasa por alto mucho más rápidamente, culminando en una historia en la que el significado es claro, incluso cuando los puntos de la trama son confusos en el mejor de los casos. En última instancia, es perdonable, pero puede dejar a algunos espectadores frustrados por la historia y/o el ritmo de la misma.

Una de las tres historias principales: Intentaré mantener mis referencias voladoras al mínimo, pero después de analizar la película y hablar de ella con Angelo de CinePR después de verla, es la mejor manera que puedo describirla. Parte de la razón por la que el primer acto no funciona es porque una de las tres historias principales comienza con el pie izquierdo y la comparé con un vuelo comercial que atraviesa turbulencias en la primera media hora de su viaje. Sí, como mencioné antes, Jenkins como directora y coescritora lo corrige a medida que avanza la historia, pero es muy desigual en cómo avanza el ritmo que sientes que realmente no iba a ninguna parte. Es una lástima porque hace que la película se desmorone un poco.

Al fin y al cabo, Wonder Woman 1984 ofrece una secuela ambiciosa en todos los sentidos, con el corazón y la historia emocional necesarios para mantener la base. Es una experiencia cinematográfica completa y sin duda se beneficiaría de ser vista en la pantalla más grande posible para obtener el efecto completo del ojo de director de Jenkins. Es una visita obligada para los fanáticos de la primera película, retomando los hilos de esa película y explorándolos de maneras nuevas y convincentes, particularmente en lo que respecta a la relación de Diana con la humanidad. La secuela también personifica un optimismo que es absolutamente necesario en un año como 2020, lo que lo convierte en un watch excelente para cualquiera que necesite algo de esperanza este invierno, y con la película lanzada en HBO Max además de los cines, cualquiera que quiera ver el película, puede verla. Si bien es posible que muchos no puedan ver Wonder Woman 1984 en una gran pantalla de cine, sirve como un recordatorio de lo divertida, alegre y mágica que puede ser la experiencia de ver películas.

Rating: A-

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Reseña de The Trial of the Chicago 7: El resurgimiento de un género semi-extinto

 

Hoy en día, el drama judicial es algo poco común en las salas de cine, con solo un puñado de estrenos de estudios importantes en el 2019 como Just Mercy y Marriage Story, que está muy lejos de la era clásica de Hollywood que incluía algunas de las mejores películas del subgénero. Películas premiadas y nominadas a un Oscar como Anatomy of a Murder, 12 Angry Men y To Kill a Mockingbird, todas estrenadas entre el 1957 y el 1962, hicieron del drama judicial un elemento de prestigio. El género se mantuvo estable, tanto en términos de calidad como de cantidad en la década de 1990 con una gran cantidad de títulos basados ​​en novelas de John Grisham como The Firm y más notablemente los éxitos de A Few Good Men del 1992 y Philadelphia del 1993. Sin embargo, incluso con esa década dorada, a principios del milenio comenzó una tendencia a la baja en los dramas judiciales con solo unos pocos lanzamientos como Michael Clayton (2007) y Erin Brockovich (2000) obteniendo el mismo nivel de prestigio en premios que las entradas anteriores en el subgénero. Con la televisión sosteniendo la antorcha del drama judicial con programas como Law and Order y la nueva versión de Perry Mason, surgió la duda de si había alguna película/estudio que pudiera revivir el género dentro de la industria del cine. El juicio de los 7 de Chicago, escrito y dirigido por Aaron Sorkin (quien también escribió la antes mencionada A Few Good Men), y Netflix bien pueden ser la respuesta que hemos estado buscando.

La película se desarrolla principalmente a raíz de la Convención Nacional Demócrata del 1968, lugar de disturbios y protestas contra la participación de Estados Unidos en la Guerra de Vietnam. Siete personas, Tom Hayden (Eddie Redmayne), Abbie Hoffman (Sacha Baron Cohen), Jerry Rubin (Jeremy Strong), David Dellinger (John Carroll Lynch), Rennie Davis (Alex Sharp), John Froines (Danny Flaherty) y Lee Weiner. (Noah Robbins), están acusados ​​de conspiración para cruzar las fronteras estatales e incitar a la violencia durante la convención. A estos se le añade otro miebro, el líder del partido de los Black Panthers, Bobby Seale (Yahya Abdul-Mateen II), quien no tuvo absolutamente nada que ver con el caso sobre la mesa. Con el abogado William Kunstler (Mark Rylance) dirigiendo la defensa contra el equipo de acusación Thomas Foran (JC MacKenzie) y Richard Schultz (Joseph Gordon-Levitt), lo que sigue es un juicio agotador e infame en el que los denominados Chicago 7 buscan defender sus valores en un sistema que trabaja en su contra.

Lo bueno

Aaron Sorkin, libretista: Cuando tienes al escritor de películas como A Few Good Men, The American President, The Social Network y Moneyball y creador de la serie de televisión The West Wing escribiendo la película, casi siempre tienes un jonrón en tus manos (no soy un super fan de Molly's Game. Más de eso adelante). Con esta película, uno de sus mayores activos es, como era de esperar, el guión. El diálogo característicamente animado de Sorkin sale volando de la página mientras los actores se pelean verbalmente entre sí, lo que facilita que los espectadores se involucren en la narrativa. Un veterano del género del drama judicial (sobre todo con A Few Good Men), Sorkin se siente como en casa con este material políticamente cargado, logrando el equilibrio adecuado entre el entretenimiento puro y la seriedad del tema. Si bien algunos miembros del Chicago 7 tienen papeles más desarrollados que otros, Sorkin hace un buen trabajo al darle a cada miembro del elenco abarrotado la oportunidad de brillar, dando al público una idea de quién es cada persona como individuo. Cada miembro tiene sus rasgos únicos que los hacen destacar, haciéndolos completos como personajes.

El elenco: El excelente guión de Sorkin podría haber sido en vano si el elenco no estuviera preparado para el desafío, pero lo están. Debido a la naturaleza de conjunto de la película, es difícil identificar a uno o dos actores como estrellas indiscutibles, pero Redmayne y Cohen posiblemente tienen los papeles más sustanciosos entre los siete. Sus personajes representan dos ideologías contrastantes de la izquierda (el último es un líder hippie mientras que el primero tiene más "respeto" por la autoridad), lo que crea una dinámica fascinante que finalmente tiene una buena recompensa. Strong también causa una impresión memorable, esencialmente sirviendo como alivio cómico de la película con su gran química con Cohen. Frank Langhella también se la come como el muy parcial juez del diablo presidiendo el caso. Pero a quién también quiero destacar dentro del elenco es el actor en ascenso, Yahya Abdul-Mateen II, mejor reconocido por sus actuaciones en Aquaman y la serie Watchmen. Su trama es secundaria por naturaleza ya que Seale fue añadido al caso por razones que el juez solo sabrá, pero este le mete caliente a cada segundo que esta en pantalla. El material dado por Sorkin y la actuación de Abdul-Mateen II definitivamente le dan un trasfondo que sonará fiel a las audiencias de hoy, destacando tristemente lo poco que han cambiado las cosas en el país durante las últimas décadas.

Reviviendo un género: Es difícil escribir escenas de tribunales, porque evitar los clichés es como esconderse del oxígeno. Realmente no se puede volver a concebir las palabras y oraciones como "¡Objeción!", "Sostenido", "Anulado", "¡Orden! ¡Orden!" y "Que le plazca a la corte". Teniendo esto en cuenta, te darás cuenta de que te preocupaba mucho más la vida personal de un abogado que su destreza en litigios en cualquier drama judicial, ya que tiende a afectar la forma en que litigan en el tribunal en películas o programas de televisión como este. Basta con echar un vistazo a Atticus Finch en cualquier adaptación de To Kill a Mocking Bird, cualquier episodio de Ally McBeal y al personaje de Denzel Washington en Philadelphia, por nombrar un par de ejemplos. Sin embargo, Sorkin, que no tiene rival en su habilidad para escribir debates y discursos, se las arregla para refrescar esos viejos bancos, túnicas y mazos. Al recordar las declaraciones de Mark Zuckerberg en The Social Network, el escritor y director usa la sala del tribunal para contar la historia de los siete hombres, y su testimonio se convierte en una narración rápida e impulsada. Puede que esta película no sea la próxima 12 Angry Men cuando la miremos nuevamente en 10-20 años, pero Netflix está reviviendo este género de manera lenta pero segura, al igual que lo ha hecho con el género de la comedia romántica, con talento estrella detrás de escena con ambos Sorkin y el escritor/director de Marriage Story, Noah Baumbach.

El mensaje detrás de las palabras: Cuando se trata de dramas judiciales y Sorkin, uno podría conectar esta película con A Few Good Men. Sin embargo, las películas tienen una intención muy diferente, ya que la primera es un drama mientras que la última contiene elementos de suspenso significativos. El guión probablemente se acerque más a Charlie Wilson's War y Molly's Game en enfoque (si no específico). Aunque The Trial of the Chicago 7 tiene un mensaje serio, encuentra espacio para momentos de comedia (oscura) y humor (horca). El tono nunca es bromista, pero ciertos elementos, como las afirmaciones del juez Hoffman de que no está relacionado con uno de los acusados, rayan en lo absurdo. Si bien se han arreglado algunos aspectos de la historia, ese se ha establecido como parte del registro histórico escrito. Es uno de los detalles que hace que la película sea importante en lo que dice sobre la libertad y la democracia y agradable en la presentación de esos temas.

Lo malo

Aaron Sorkin, director: Después de Molly's Game en el 2017, pensé que la escritura de Sorkin estaba mejor servida por directores que no eran él. Su estilo con las palabras, en ese momento, no se tradujo en un estilo para las cámaras. El tipo nunóa llego a dirigir un episodio del show que creó (The West Wing) en el tiempo que el prestigioso programa estuvo en el aire (1999-2006), y eso estuvo en muestra durante Molly's Game. Y aunque Chicago 7 es una mejora en sus esfuerzos como director con respecto a la película anterior y muestra que aprendió de algunas de las cosas que pensé que no hizo bien anteriormente, sigo creyendo firmemente que Sorkin da un trabajo superior cuando crea y desarrolla el esqueleto de una película (el guión) para que otros cineastas la ejecuten y construyan el resto en lugar de que él mismo ejecute el resto del cuerpo (la película). El escritor trabaja mejor cuando tiene a alguien que lo refrena/desafía sus ideas sobre cómo hacer algo. Solo mire las películas que ha escrito exclusivamente: A Few Good Men y The American President (ambas dirigidas por Rob Reiner), The Social Network (David Fincher), Steve Jobs (Danny Boyle), Charlie Wilson's War (Mike Nichols) y Moneyball (Bennett Miller). Entre estos cinco directores tienes 13 nominaciones al Oscar y dos victorias (Nichols ganó el premio al mejor director por The Graduate y Boyle ganó el mismo premio por Slumdog Millionaire).  Ahora bien, esto no significa que no aprendió ningún truco del oficio de estos directores con los que ha trabajado anteriormente, solo digo que es un poco verde cuando se trata de dirigir una película.

Qué momento para que salga esta película. Hay tantas cosas en este año tumultuoso que se sienten perfectamente hechas para este año. Y, vaya, esta película, después de estar en proceso durante tanto tiempo con problemas de desarrollo con Steven Spielberg a la cabeza desde el 2006, llega en el momento adecuado. Es mucho lo que se puede decir, pero en un momento va más allá de una reseña y se convierte en un ensayo extenso sobre cuánto ha progresado y cuánto no ha progresado el sistema judicial en los últimos 50 años. Todavía estamos peleando la misma pelea que pelearon los abuelos de algunas personas cuando tenían 20 años. Puede ser deprimente, pero una película bien hecha como esta no solo puede mostrarle que las batallas no son nuevas, sino que vale la pena pelearlas y lo que, espero, lleve a la gente a investigar más historia de la que no se enseña. Esto podría haber terminado como una parte de 10 minutos de un documental de CNN un domingo por la noche. En cambio, The Trial of the Chicago 7 es una peliculaza, incluso con su mayor y honestamente única deficiencia. Netflix tiene otra película fuerte aquí para su repertorio y definitivamente debería ser una visita obligada siempre que tenga tiempo.

Rating: A

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Reseña de Tenet: Tan monótona como un álbum de grandes éxitos

 

Pocas líneas logran explicar la película que estás viendo con mayor claridad que la que dice el personaje de Clémence Poésy en una de las primeras escenas de Tenet, el muy esperado blockbuster de su "señoría" y "salvador del cine", Christopher Nolan. "No trates de entenderlo", le dice al protagonista de la película. "Siéntelo." Es casi como si el mismo Nolan quisiera asegurarle a la audiencia que intentar descifrar la trama de su última película no será más que una pérdida de tiempo, y es el mejor consejo que esta reseña puede dar a los posibles espectadores de la película (cuando y como elijas para verla). Si te detienes a pensar en lo que estás viendo, lo estás haciendo mal.

La forma más sencilla de explicar la trama sin revelar nada es que John David Washington interpreta a un personaje literalmente acreditado como "Protagonista", un agente de la CIA que tiene la tarea de encontrar la fuente de una nueva arma que será la causa de una tercera guerra mundial que acabará con toda la vida en la Tierra. Armado con muy poca información, se embarca en una misión trotamundos con un grupo de NPC para detener el fin del mundo y rescatar a una princesa del gran ruso malo.

Lo bueno

James Bond a la Nolan: Si alguna vez quisite ver una película de James Bond bajo el mando de Christopher Nolan, Tenet es lo más cerca que vas a tener a eso. Al igual que Inception, el director una vez más se inspira en el género del espionaje. Pero en lugar de una película de atracos, ahora nos ofrece la película de James Bond de sus sueños, completa con organizaciones en la sombra, persecuciones de autos, traficantes de armas, oligarcas rusos y apuestas mundiales. Es cuando se apoya en estas influencias que Tenet realmente brilla, convirtiéndose en la película de Bond más grande y elegante que todos queríamos para la temporada del verano y que vale la pena ver en una pantalla grande (de tener la oportunidad y que todo el mundo esté seguro y usando las medidas preventivas. Si no, quédate viendo Mulan en casa).

La mezcla de efectos prácticos y especiales (o falta de ellos): El as en la manga de la película es, como era de esperar, su concepto de “inversión del tiempo”, y el director de fotografía de Tenet, Hoyte Van Hoytema, junto con los equipos de efectos visuales y especiales dirigidos por Andrew Jackson y Scott R. Fisher, respectivamente, ayudan a crear algunas piezas asombrosas. No importa cuántas entrevistas leas sobre la falta de efectos renderizados por computadora en Tenet, nada puede realmente prepararte para el espectáculo puro e impresionante de la película.

Lo malo

El entender lo que acaba de ocurrir: Algunos dicen que la película es imposible de entender. Nosotros en MovieRican decimos que eso es embuste. Tratar de entender a Tenet no es más difícil que, digamos, jugar mah-jongg dentro de una secadora, mientras te gritan el libro de texto entero de los principios de la mecánica cuántica en esperanto fluido. El problema surge cuando la acción se detiene y la película comienza a explicar cómo funciona todo, dando a la audiencia líneas de exposición torpes a través de lecturas frías y distantes, como si los actores no fueran más que animatrónicos sin alma en un parque temático. Es como si Nolan estuviera tan preocupado por mostrarte que hizo sus deberes para la "inversión del tiempo" (el físico teórico y ganador del premio Nobel, Kip Thorne, es consultor de la película) que se olvida de mostrar por qué debes preocuparte por el resto. Hasta el punto en que la película se volvió agotadora de seguir en la última media hora. Y esto no ayuda cuando no puedes escuchar la mitad de la película (pero me adelanto).

Greatest Hits: ¿Alguna vez haz escuchado el álbum de grandes éxitos de algún artista? Usaremos de ejemplo a Chayanne (¿y como no hacerlo?). Sí, dentro de ese albúm te incluye exitasos nuevos como 'Torero' e 'Y tu te vas', pero el resto del álbum son viejeras como 'Salomé', 'Tu pirata soy yo' y 'Provócame' que las has escuchado 500 veces. Nada malo con escuchar algo esa cantidad de veces, pero te pones a pensar que si le metiste casco a dos canciones nuevas, debiste haber tenido como diez canciones más en las gradas. Así fue como se sintió Tenet: su película con su estampa más clara y la menos interesante hasta la fecha. Es impresionante, de verdad, que algo tan deliberadamente laberíntico, tan desafiante, y lleno hasta el borde con una gran escenografía tras otra masiva, sea, para decirlo simplemente, tan monótona como es.

Lo feo

La mezcla de sonido: Antes de entrar a esto, solo quiero decirle gracias a Caribbean Cinemas por poner subtítulos en la película. Fueron de mucha ayuda. Ahora, si pensabas que Bane, el villano de The Dark Knight Rises de Nolan, estaba al borde de lo inaudible, espera a la gente de Tenet. La mayoría de ellos hacen que Bane suene como Julie Andrews. La mezcla de sonido en Tenet es extremadamente horrible. Las explosiones y la banda sonora de Ludwig Goransson a menudo ahogan el diálogo hasta el punto de ser ininteligible. Al menos una escena clave que involucra algunos puntos clave de la historia se realiza durante la navegación con viento sobre un sistema de intercomunicación crepitante. El sonido es tan importante para una película como la imagen. Por eso hicimos la transición de las películas mudas entre 1926 y 1930. Sin embargo, si no se sincronizan, si no se complementan entre sí en lugar de intentar dominar al otro, el público no puede seguir la historia que se cuenta. Claro, hay algunas escenas en las que es intencional no escuchar el diálogo. Esa es una elección creativa destinada a evitar que la audiencia sepa algo para revelarlo más tarde, o para informar cómo vemos la historia desde un lugar de ignorancia. Tenet, sin embargo, es una historia compleja para empezar. Estás hablando de una película que tiene una narrativa intrincada, con elementos muy específicos que impactan esto, y la realidad es que apenas te das cuenta de lo que explican los personajes. ¿Cómo ayuda eso a alguien a disfrutar de lo que está pasando?

Sin tener la culpa, Tenet se ha convertido en el Brian del cine. En otras palabras y junto a su director, es una entidad decente, generosa y lejos de ser perfecta que ha sido cargada con los deberes de un mesías. Al ser el primer blockbuster que se lanza al público desde el reinado de COVID-19, lleva consigo las esperanzas de toda una industria, tanto los estudios, los distribuidores, los cines y hasta la persona que vende las taquillas. Pero como una película complete simplemente no tiene la tenacidad, la sensación o el impulso para convertirse en el presagio de la normalidad en las salas de cine. Es muy bonita para ver cuando está en mute. Eso es todo.

Rating: C

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Reseña de Mulan: Una plantilla sobre cómo hacer un remake

Disney ha tenido un problema con sus adaptaciones de acción en vivo últimamente. Sus versiones de acción real de Beauty and the Beast, Aladdin (las cuales me gustaron) y The Lion King (que no me gustó) han sido éxitos de taquilla, pero se mantuvieron demasiado fieles a la película que están rehaciendo. Esto se debe principalmente a que reverencian demasiado lo que los precedió, aparte de otros actores que interpretan personajes similares y que son en formato live action. Además de esto, también se han preocupado más por abordar los argumentos de mala fe de los YouTubers preocupados por los plot holes que por encontrar una manera de contar una nueva historia. La adaptación Mulan de Niki Caro no tiene este problema. Aunque Caro sigue en gran medida los mismos ritmos de la película animada, la nueva versión se siente vibrante y única. Sabe dónde descartar elementos de la anterior, abordar sus propios temas y aún conservar el poder de la historia. Nadie canta I'll Make a Man Out of You o una aparición de Mushu, pero este remake muestra por qué eso es lo mejor.

La historia de la película sigue a Hua Mulan (Liu Yifei), una joven que no tiene mucho potencial como esposa tranquila y obediente, pero cuya rara habilidad para conectarse con su chi la convierte en una guerrera prometedora. Cuando su padre herido Hua Zhou (Tzi Ma) es reclutado en el ejército, Mulan le roba su espada y armadura y se hace pasar por un hombre para tomar su lugar. Mientras se entrena en el ejército, Mulan aprende del comandante Tung (Donnie Yen) y se hace amiga de algunos de sus compañeros reclutas, incluido Chen Honghui (Yoson An). Antes de que se complete su entrenamiento, su regimiento es llamado a luchar contra el guerrero enemigo Bori Kahn (Jason Scott Lee), quien es ayudado por la bruja cambiaforma Xian Lang (Gong Li). Con la conexión de Mulan con su chi obstaculizada por su mentira, la joven guerrera debe decidir si está dispuesta a arriesgar su vida y el honor de su familia para salvar a China.

Lo bueno

Cómo hacer un remake: Si esa sinopsis suena familiar, es porque se mantiene en gran medida en los ritmos de la película del 1998, con algunas excepciones clave como la introducción de Xianniang, la eliminación del dragón protector y alivio cómico, Mushu, y tampoco se canta. En lugar de transferir la película animada a un largometraje de en como se hizo con el remake inerte antes mencionado The Lion King o tratar constantemente de contestar preguntas tontas como lo hacen con Beauty and the Beast (“¿Por qué los sirvientes tuvieron que sufrir?” “¿Por qué Belle no intenta escaparse del castillo?”), Mulan existe cómodamente en su onda mientras se desliza hábilmente sobre estos obstáculos. No necesitas ver a Mulan hablando con un grillo o lagartijo CGI porque ese no es el tipo de película que está haciendo Caro. Por supuesto, Mulan se inclina hacia una dirección más madura (es la primera de estas adaptaciones que tiene obtiene una clasificación PG-13), pero también hace que la historia sea mucho más satisfactoria. Liberado de las cadenas de "Hazlo como la original, pero también agrega explicaciones tediosas y efectos especiales no muy buenos", Mulan tiene una vida y vitalidad que no hemos visto en un remake de Disney desde Cinderella de Kenneth Branagh y The Jungle Book de Jon Favreau (en nuestra opinión, y por mucho, las mejores adaptaciones de películas animadas del Ratón), que también tuvieron la confianza de apartarse de su material original y centrarse más en los personajes y el por qué toman determinadas decisiones en lugar de obligaciones puestas en pantalla.

El elenco: Por su parte, Liu se convierte en una guerrera elegante y dinámica en las escenas de acción, pero es la actuación cómica más sutil de la actriz la que realmente la hace brillar, desde la voz más profunda que usa cuando se hace pasar por un hombre hasta la broma para entretener a su hermana. Estos momentos en los que Liu aporta personalidad a Mulan son algunos de los puntos más brillantes de la película, ya que de lo contrario puede atascarse en la acción y dejar que el desarrollo del personaje se quede en el camino de hacer avanzar la historia. Tanto la Mulan de Li y y el Zhou de Ma (quien francamente se roba la película al darle gravitas a la misión de su hija), y sus escenas juntas son algunas de las más especiales de la película. Yen también aporta algo de humor astuto a su papel del comandante Tung, y el Honghui de An es un interés amoroso lo suficientemente convincente, aunque eso se debe al encanto natural del actor más que a cualquier cosa en el guión (que hablaremos más adelante). En total, Mulan tiene un elenco de gran talento.

Cinematografía, diseño de producción y vetuario: Si bien podemos enfocarnos en las escenas de acción (que son particularmente geniales con un excelente trabajo de alambre que se inspiró claramente en películas como Crouching Tiger, Hidden Dragon y Enter the Dragon), también es importante enfocarnos en las cosas que tendemos a tomar por concedida en grandes películas como esta: la cinematografía de Mandy Walker, el diseño de producción de Grant Major y el vestuario de Bina Daigler. Bajo el mando de Walker, la cámara no solo se torna dinámica, sino también capta efectos visuales impresionantes que cobran vida y resaltan la belleza natural del paisaje de China (la película se rodó en China y Nueva Zelanda), lo cual es ayudado por los sets como el palacio imperial, el campamento de guerra y hasta la aldea de nuestra protagonista creados por Major. Los personajes también cobran vida y saltan de la pantalla tanto con la vestimenta y los colores usados en ellas por la mano confiada de Daigler. En fin, Mulan es hermosa para la vista, y espero que una vez que termine la pandemia, Disney vuelva a estrenar la película de Caro en los cines porque ella hizo esta película con una gran pantalla en mente. Puedes decir por las vistas altísimas y los disfraces intrincados que, aunque podrás ver Mulan por tu teléfono, perderás mucho de la experiencia y estarás mejor servido viendo el lanzamiento de Disney+ en el mejor televisor disponible.

Lo malo

El libreto no justifica algunos personajes: Como mencioné anteriormente, el elenco de la película es muy fuerte, y esto se extiende a los actores secundarios y hasta terciarios. El issue entra cuando algunos personajes se quedan atrás por culpa del libreto. Hay muy poca profundidad en la mayoría de los personajes de Mulan, como algunos de sus compañeros soldados, su interés romántico (hasta cierto punto) y hasta su hermana y madre, y la mayoría de ellos terminan siendo unidimensionales o tienen escenas únicas que muestran personajes más completos pero hasta ahí llega todo. Es una pena que no tengan más que hacer, ya que claramente estaban allí para A. mostrar la camaradería de Mulan con ellos, B. mostrarlos como una extensión y representación de los ciudadanos de China, y C. tal vez ser prescindibles en momentos en que ocurre una batalla. Quizás esto se debe a la creación de más personajes como la hermana y la división del personaje de Li Shang en dos (el general de Yen y el soldado de An), o tal vez es que tiene dos parejas de libretistas en su libreto con dos ideas que conflijen una con la otra (que hablaremos de esto próximamente), pero esto habla más del talento del elenco 

Un mensaje en conflicto con él mismo: Como se mencionó, la acción es realmente buena en esta película. Pero podría haber sido mucho mejor y dado mucha más seriedad si no hubiera sido por un punto importante de la trama que contradice todo el mensaje expuesto por la misma película: el chi. Quizás los espectadores más jóvenes quedarán fascinados por la asombrosa precisión del personaje de Mulan, pero es difícil pasar por alto cómo estas habilidades socavan algunos de los temas propios de la película. Mulan intenta enseñar la lección de la necesidad de ser sincero contigo mismo para encontrar tu lugar en el mundo, pero el hecho de que Mulan sea muy especial implica, quizás accidentalmente, solo las personas verdaderamente especiales que tienen algo tangiblemente útil que ofrecer al mundo serán aceptados por quienes son. Al igual que el de Captain Marvel, el mensaje de Mulan está en el lugar correcto, pero su ejecución es algo deficiente.

Yo admito fielmente que no me gustaba la adaptación animada. En mi opinión, la animación en sí es muy buena, pero no me gusta Mushu porque lo único que hace es pausar la película en seco ni te puedo cantar 80% de las canciones de memoria. En fin, no la encuentro muy memorable en comparación a otras películas animadas de Disney, lo cual la hacía una de las mejore candidatas para hacer un remake. La versión de Niki Caro excedió como 90% parte de mis expectativas al ser lo suficientemente diferente a la anterior. Esta no es solo una buena adaptación, sino que, al menos en mis ojos, me hace apreciar mucho más la película del 1998 (aunque todavía no pienso que sea top-tier en mis ojos). Y eso es lo que un buen remake debe de hacer: no solo honrar lo que vino antes sino también, igual que su personaje principal y otros remakes, crear una identidad propia más allá de lo que vino antes.

Rating: A-

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