Reseña de Jungle Cruise: A disfrutar el viaje

Nada suele sorprender más al público cinematográfico que una mala idea convertida en una buena película. Ya sea que se trate de bloques de construcción de plástico que cobran vida, un anciano y su casa voladora levitada por globos, o un mapache intergaláctico parlante y su mejor amigo, un árbol que solo habla tres palabras, las malas ideas que tienen éxito tienden a permanecer en el cerebro de las audiencias durante mucho más tiempo (no es un hecho científico, solo lo que he percibido a lo largo de los años). Uno de los mejores ejemplos de esto fue hace casi 20 años cuando Disney miró alrededor de sus parques temáticos y decidió adaptar Pirates of the Caribbean a la pantalla grande como un blockbuster de verano. En general, una idea terrible, pero encontraron oro cuando Pirates se convirtió en un éxito mundial y, para bien o para mal, generó cuatro secuelas. Con esta idea surgió un nuevo conjunto de malas ideas, ya que las adaptaciones de The Haunted Mansion, Tomorrowland y The Country Bears debutaron y desaparecieron con la misma rapidez. Esta semana, su quinto intento de adaptar una de sus atracciones a la pantalla grande ha comenzado su viaje inaugural en Jungle Cruise y, en general, es una película divertida para toda la familia.

Ambientada durante la Primera Guerra Mundial, el capitán Frank Wolff (Dwayne Johnson) transporta a la científica británica Dra. Lily Houghton (Emily Blunt) y a su hermano McGregor (Jack Whitehall) a las profundidades de la jungla mediante su bote para encontrar el legendario Árbol de la Vida, cuyas hojas se cree tener poderes curativos que podrían beneficiar a la medicina moderna. Al mismo tiempo, el trío debe desafiar a los misteriosos habitantes de la jungla, que incluyen flora y fauna letales, caníbales y conquistadores malditos, así como una expedición rival, dirigida por el carismático y ambicioso Príncipe Joachim (Jesse Plemons) que quiere para usar el Árbol de la Vida para ganar la guerra.

Lo bueno

Johnson y Blunt: Di lo que quieras de Dwayne Johnson (está en demasiadas películas al año, no es el mejor actor, siempre se interpreta a sí mismo, etc.), pero no puedes negar que es una estrella de cine que rezuma carisma. Pero este hace algo diferente en esta película en el sentido de que no interpreta su típico papel arquetípico de "Soy The Rock y esto es todo lo que obtendrás". Frank, aunque honesto y los dad jokes son legendariamente malos, es un poco más relajado en términos de moral personal y siempre les dice a los hermanos que no deben confiar en él. Y mientras que otras películas tienden a ignorar los rasgos de los personajes de vez en cuando, la película continúa con esto una y otra vez mientras muestra por qué deben entender que puede engañarlos a lo largo de su aventura. Pero para este tipo de película de aventuras, necesitas un actor que coincida con nuestro héroe en términos de ego e inteligencia y consiguieron a la fenomenal Emily Blunt para hacer esto. Esta hace lo que muchas mujeres que coprotagonizan con The Rock no suelen hacer (salvo Karen Gillan en las películas de Jumanji): hacer un buen contraste para Johnson durante todo el tiempo de ejecución sin dejar que su combinación de tamaño y presencia la abrume. Su química natural hace que esta película valga la pena e, incluso cuando están en desacuerdo, su conexión se siente en todo momento, lo que vale el precio de la entrada solo.

Jesse Plemons: Si hay un actor que sabe al 100% en qué tipo de película está, es Jesse Plemons. Interpretando al mortífero aristócrata alemán, Plemons decide asumir su papel de villano con un regocijo delicioso solo por ser poco convencional y, al mismo tiempo, amenazador para nuestros héroes. Está comprometido con las excentricidades del personaje que, aunque a veces pueden ser percibidas más como molestas que cobardes, no puedes permitirte no desarmarte por él. Ya sea en papeles más dramáticos como en Breaking Bad o papeles más cómicos como en Game Night, Plemons es honestamente uno de los mejores "character actors" que tenemos en este momento.

Alusiones: Es difícil adaptarse directamente a una atracción de un parque temático como lo es The Jungle Cruise. No solo fue diseñado y construido en la década de los 1950s, sino que incluye algunas cosas que, honestamente, están fuera de contacto con el momento en el que nos encontramos como civilización. Lo que el director Jaume Collet-Serra y su grupo de guionistas hacen de manera brillante es tomar la premisa básica de la atracción (un paseo en bote por la jungla) y sus momentos más memorables (los dad jokes, algunos de los animales y "La parte trasera del agua") y los coloca en los primeros veinte minutos de tiempo de duración. El resto de la película es más una reverencia a las películas de aventuras que inspiraron tanto la atracción como la película en sí: ya sea The African Queen, las películas de Indiana Jones, Romancing the Stone y The Mummy de 1999. El director español combina de manera asombrosa todo de estos tonos dispares y lo convierte en una película de aventuras efectiva y todo lo que incluye (búsqueda de tesoros, rivalidades, rastreros espeluznantes, algunas escenas de miedo aquí y allá) con un poco del encanto de Disney para asegurarse de que incluso los niños puedan verlo.

Lo malo

Los efectos especiales: Al igual que el vehículo titular, el CGI podría haber usado una nueva capa de pintura. Si bien también se inspiran en las películas de Pirates en términos de villanos generados por computadora, a veces se siente que los conquistadores no muertos no están en el mismo plano que todos los demás actores y se agregaron al frame de una manera muy apresurada y sin éxito como si hubieran dejado esos efectos para el final. Pero este tema se expande varias veces a la propia expedición principal. Si bien el diseño de producción de lo que realmente rodea a los actores se siente emocionante, antiguo y vivido, hay partes en las que claramente se siente como si hubieran grabado dentro de un escenario. Esto puede no ser necesariamente perceptible cuando miras directamente a los actores, pero cuando miras alrededor del encuadre donde no parece que la película expanda más su configuración y que hay green-screen a pocos pies de Johnson, Blunt, Whitehall y/o cualquier persona que actúe con ellos. A veces, más simple significa mejor, y al no ser tan sobrecargado como Disney permitió que las secuelas de piratas se volvieran en términos de efectos especiales, esta película podría haberse beneficiado de navegar por el Amazonas.

McGregor como personaje: Cuando se trata de la actuación de McGregor, Whitehall está más que preparado para la tarea y, si no fuera por la mera razón de que es la misma película que el excéntrico Plemons aparece, se habría robado la película a ciegas, especialmente durante una escena sincera que tiene con Johnson a mitad de la película. El problema es que cuando llegas a esa escena en particular y comienzas a recordar todo lo que sucedió antes, comienzas a ver muchos problemas en la cadena con la forma en que se escribió el personaje hasta ese momento. A parte de tener una segunda mitad en general un poco desordenada, el equipo de guionistas de Michael Green (Logan), Glenn Ficarra y John Requa (ambos escritores/directores de Focus) le hacen un flaco servicio al personaje, ya que se apoyan en el cliché para tratar de explicar por qué no es tan aventurero como su hermana o lo que la sociedad quería él sea. Y aunque tiene un arco de personajes completo a lo largo de la película, es lamentable ver que todavía tenemos que lidiar con algunos "rasgos de carácter" que están pasaditos de moda y no reflejan a toda una comunidad.

Aunque la película se tropieza un poco en ciertos aspectos mencionados anteriormente, me sorprendió lo mucho que me gustó Jungle Cruise. Es una película con actores que tienen una excelente química entre ellos, es alegre, emocionante y nunca le habla a la audiencia con desdén como lo han hecho otras películas que estrenaron este año. Y aunque puede que no llegue a las alturas de las películas de aventuras que venera, sin duda es una adición bienvenida al género aunque solo sea para matar el tiempo ó para quitarte a los nenes de encima por dos horas. Solo asegúrese de estar cómodo con su(s) ser querido(s), un bolsa de popcorn en mano y disfrutar del viaje.

Rating: B

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Reseña de The Suicide Squad: Hiperviolenta, sangrienta e hilarante

 

Si hay algo que la mayoría de los fanáticos de las películas de cómics pueden estar de acuerdo es que Suicide Squad de David Ayer es más que una decepción; es un lío incoherente de una película. Desde su edición entrecortada, al estilo de un video musical, hasta su interminable introducción de sus personajes, su uso exagerado de la música y su terrible villano, la película original sobrevivió gracias a la camaradería de su elenco principal cada vez que se les dio el oportunidad. Cinco años después, Warner Bros y DC Comics van a ir a la mina nuevamente para salvar esta franquicia de los desamparados con la ayuda de James Gunn, a quien él mismo ayudó a desarrollar otra franquicia de los desamparados en uno de los productos principales de Marvel Studios, Guardians of the Galaxy. Lo que obtenemos en The Suicide Squad de Gunn (tenga en cuenta que la única diferencia entre el título original y este es solo un simple "The") es una película deliciosamente ambiciosa que definitivamente es una mejora con respecto a la primera... por default.

Bienvenidos una vez más al infierno, también conocido como Belle Reve, la prisión con la tasa de mortalidad más alta del universo de DC Comics, donde se guardan los peores supervillanos y donde estos harán cualquier cosa para escapar, incluso unirse a la grupo supersecreto, Task Force X. Como directora del programa, Amanda Waller (Viola Davis) y su mano derecha, el coronel Rick Flagg (Joel Kinnaman), reúnen una serie de villanos, incluyendo a Bloodsport (Idris Elba), Peacemaker (John Cena), Ratcatcher 2 (Daniela Melchior), King Shark (la voz de Sylvester Stallone), Polka-Dot Man (Damian Dastmastalchian) y la payasa psicótica preferida de todos, Harley Quinn (Margot Robbie) y dejarlos (literalmente) en la remota isla de Corto Maltés, infundida de enemigos, donde han comenzado a surgir problemas geopolíticos.

Lo bueno

Una película competente: Hacer una película es difícil. Hacer una buena película es aún más difícil. No culpo a Warner Bros o DC por intentar hacer la primera película lo mejor posible con el material que tenían en la mano. A lo que sí le echo la culpa es a ellos reaccionar tan severamente una y otra vez a lo que estaba haciendo su competencia en lugar de enfocarse en contar una buena historia, que es lo que sucedió principalmente con la película de David Ayers. La gente reaccionó positivamente a los dos avances fantásticos (uno lanzado en Comic Con un año antes del lanzamiento y el otro con Bohemian Rhapsody cosido), por lo que contrataron a los editores del avance para terminar la película, lo que resultó en el basura que obtuvimos sin un buen storyline ni desarrollo de personajes. Al tener a su editor de Guardians, Fred Raskin, y a Christian Wagner (Fast Five, Furious 7), trabajando en esta película, parece que James Gunn no tuvo más remedio que escribir y dirigir una película competente con no solo escenas divertidas entretejidas, pero también personajes por los que te preocupas tanto que quieres que sobrevivan hasta los créditos (más sobre esto más adelante). Se sentía como si tuviera una estructura de tres partes con ethos y pathos. Y sé que esta parte de la reseña suena como si estuviera pidiendo lo mínimo, pero eso es algo que todo aficionado al cine debería pedir: que el cineasta cuente la historia que quiere contar, sin importar si es vanguardista. garde o predecible, de una manera que sea digerible y competente para su audiencia. De esta manera, The Suicide Squad es una ganadora sobre la primera película.

El escuadrón: Otra cosa que coloca a esta película sobre la película original es su elenco. Esta ecléctica banda de personajes hace que el guión de Gunn destaque, ya que cada uno de ellos está perfectamente representado por su respectivo actor. La cara más reconocible de este escuadrón, Harley Quinn, se sirve bien en esta película, no solo demostrando lo eficiente que es físicamente, sino también por lo mucho que ha crecido desde Birds of Prey la convirtió en el personaje más consistente. desde su primera aparición en el 2016. Pero el corazón de la película pertenece a Bloodsport y Ratcatcher 2, ya que traen un vínculo padre / hija a la pantalla que en realidad es bastante conmovedor y fundamenta toda la película mientras ocurren situaciones ridículas a su alrededor. Una vez que te expandes aún más en el resto del equipo principal, el pacificador ultranacionalista de John Cena es gracioso (y mejor que lo que sea que le hicieron hacer en F9), Damian Dastmalchian es a la vez deliciosamente psicótico y trágico, y Jesucristo, necesito más King Shark en mi vida. Honestamente, es lo más entretenido de esta película y ahora no puedo imaginar una película de Suicide Squad sin la voz de este personaje de Sylvester Stallone. Lo mejor también es que Gunn no olvida que tiene talento de sobra con la vieja guardia representada tanto en Waller como en Flagg, y tanto Davis como Kinnaman se utilizan perfectamente a lo largo de la película. De hecho, esta película me mostró que en realidad me importaba más de lo que pensaba el personaje de Flagg después de la primera en la que era solo una máquina de exposición para ayudar al público a comprender lo que estaba sucediendo ... y fallando espectacularmente (nuevamente, fue eso culpa del guión y la edición de la película, no del actor). Y aunque muchos otros también se usaron con moderación, Gunn les dio lo suficiente para hacerlos memorables durante su tiempo en la pantalla.

Violentamente R: Si hay algo que esta película te promete en sus primeros 15 minutos, es esto: no te apegues a ningún personaje, porque es posible que no supere los créditos. Inspirándose claramente en películas como The Dirty Dozen, Platoon y Kelly's Heroes, esta película se siente, en su mayor parte, menos como una película de superhéroes y más como una guerra épica de tropas que cruzan las líneas enemigas para conseguir un determinado objeto, pero con las sensibilidades irreverentes de James Gunn. Entonces, cuando la sangre y las tripas comienzan a salpicar, salpican por todas partes. El caos y el orden se ponen a prueba durante el tiempo de ejecución de la película, ya que los personajes se seleccionan uno por uno cuando menos lo esperas o incluso cuando empiezas a preocuparte un poco más por ellos. ¡Y qué hermosas muertes tienen! Si usted es un padre, conoce a su hijo más que nadie, así que comprenda que esta película no tiene fin y que su hijo, o usted, puede o no tener el estómago para este tipo de película.

Lo malo

Carte blanche: Una cosa de la que ciertamente no puedo responder es cuando un creador tiene el control total de sus proyectos, y esto parece ser una preocupación creciente entre las películas de Gunn. Al igual que la secuela de Guardians of the Galaxy, esta película parece que le dejaron hacer lo que quiere y como él quiere hacerlo sin restricciones. Al igual que la práctica de deportes, la realización de películas no es un trabajo de una sola persona, aunque pueda parecerlo. Entonces, cuando a Gunn se le da carta blanca para hacer lo que quiera, esa situación de caos y orden que quiere llevar a la pantalla tiende a inclinarse un poco más hacia el caos, lo que tiende a significar que el exceso se introduce en los procedimientos. Si hubiera alguien que le dijera que no a un par de ideas (la película es demasiado larga, por qué tomar ciertas medidas como no usar personajes por largo rato, hay alguna forma de no incluir todos los chistes que escribiste en la película, etc.), esta película habría sido fantástico.

Los ciudadanos de Corto Maltés: Se necesitan personajes suplementarios para explicar la situación sobre el terreno de nuestros personajes principales. Pero pensarías que serían más integrales en la trama considerando que (más o menos) se unen a ellos a mitad de la película. Desafortunadamente, tanto los ciudadanos heroicos como los villanos de Corto Maltés son una ocurrencia tardía en esta película porque la película se centra principalmente en el elenco principal (y con razón). Esto nuevamente me recuerda a Guardians Vol. 2 con The Sovereign en el sentido de que se les da importancia al comienzo de la película y simplemente desaparecen por 75% de la duración hasta el final.

Aunque tiene problemas si realmente quieres verlo, The Suicide Squad es una montaña rusa de diversión y una gran adición a las películas de DCEU que resonará tanto con los fanáticos actuales como con los futuros conversos al pararse sobre sus propios dos pies mientras también reconociendo lo que vino antes y preparando futuras aventuras con los que quedan. Con un diálogo veloz y una acción sangrienta, esta película rezuma un carisma que solo James Gunn puede aportar a una película (de nuevo, para bien o para mal). Aunque el primero es terrible, este es un éxito seguro, delicioso y peligroso.

Rating: B+

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Reseña de Snake Eyes: Acción ininteligible

Las películas de acción son bestias curiosas en sí mismas. No solo tienes que realizar todas las acrobacias físicas para darle a la audiencia la emoción que buscan cuando van a ver este tipo de películas, sino que también tienen que basarse en el desarrollo de personajes que se ha establecido a lo largo de la duración de la película. E incluso cuando eso es una ocurrencia tardía, la forma en que se filman y editan algunas de estas escenas puede hacer o deshacer una película, ya que tienden a compensar, y a veces compensar en exceso, algunas de las fallas que una película puede tener. Obviamente, cuando te aseguras de que todas estas cosas estén bien mezcladas, tiendes a obtener una gran película de acción. Sin embargo, la precuela de G.I. Joe, Snake Eyes, decide descartar la mayor parte de esto y, por lo tanto, se convierte en una película apenas atractiva.

Un antiguo clan japonés llamado Arashikage da la bienvenida a un tenaz solitario que se hace llamar Snake Eyes (Henry Golding) después de que salva la vida de su heredero aparente, Tommy Arashikage (Andrew Koji). A su llegada a Japón, el Arashikage le enseña los caminos del guerrero ninja al mismo tiempo que le proporciona algo que Snake Eyes ha estado anhelando: un hogar. Sin embargo, cuando se revelan los secretos del pasado de nuestro protagonista, su honor y lealtad se ponen a prueba, ya que finalmente emprende el camino para convertirse en el heroico operativo de la organización G.I. Joe. 

Lo bueno

Golding y Koji: Honestamente, es una pena que la película no entienda realmente cómo usar a sus dos protagonistas correctamente porque Golding y Koji compensan con creces algunas de las fallas de la película. Golding no solo es tan encantador como lo fue en Crazy Rich Asians (hasta el punto en que lo tengo entre mis cinco primeros para interpretar a James Bond una vez que termina el tiempo de Daniel Craig), sino que también usa la venganza como fuerza impulsora para esto. carácter como insignia de honor. Realmente entiendes que él no se mantiene firme en su lealtad a todos los que lo rodean caducan, como dijo un senador infame sobre el actual gobernador de Puerto Rico alguna vez. Koji, más famoso por su papel en la serie de televisión Warrior en HBO Max, aporta más complejidad a los personajes de la que merece esta película. Simplemente aporta capas a su personaje que la película no necesariamente quiere explorar porque está más interesada en la construcción del mundo que en lo que está justo frente a ellos. Dicho esto, una vez que estos dos estén juntos en la pantalla, puedes sentir la química, la hermandad y la eventual caída por la que pasarán estos dos personajes, ya que sabemos que este "bromance" eventualmente perecerá cuando se conviertan en enemigos mortales.

Trabajo de precuela: Como suelen hacer muchos de estos tipos de películas, tiene la tarea de mostrar cosas que a la audiencia le pueden interesar o no aprender. Entre estos: cómo nuestro protagonista obtuvo su nombre, espada, traje y motocicleta, cómo conoció al escuadrón de G.I. Joe, su primer enfrentamiento con un operativo de Cobra, y, finalmente, su relación rota con Tommy/Storm Shadow. Y, honestamente, es bastante exitoso en este frente, ya que está un poco estructurado como un drama deportivo: un desvalido debe enfrentar el desafío de su venganza interna para convertirse en algo más de lo que es a pesar de lo que piensan algunos escépticos. Esto hace que la película mantenga el ritmo en el que nunca te aburres del todo o simplemente te encoges de hombros ante decisiones vergonzosas sobre cómo consiguió ciertas cosas (piensa en cómo Natasha Romanoff consiguió su chaleco de Infinity War en los últimos minutos de la película Black Widow [que me gustó, pero esa escena en particular fue un poco vergonzosa]).

Lo malo

G.I. Joe vs. Cobra: Como sugiere el título, esta película sigue firmemente a Snake Eyes y sus orígenes... excepto cuando no lo hace. Se siente como si estuviera preparando otras cincuenta cosas que no eran lo que promete el título tipo Iron Man 2. En un mundo perfecto, Snake Eyes habría tenido la batalla inminente del escuadrón idealista y la organización terrorista en la periferia y los habría traído justo al final para preparar películas futuras mientras le prestaba toda su atención a su personaje principal. Desafortunadamente, el equipo de guionistas de Evan Spiliotopoulos, Joe Shrapnel y Anna Waterhouse traen al menos a un representante de cada bando en la forma de Scarlett (Samara Weaving) y la malvada Baroness (Úrsula Corberó) respectivamente a mitad de la película y esto, como consecuencia de dicha decisión, cambia de enfoque cuando su historia interna se convierte en un "Oye, soy (inserta el nombre aquí) de (inserta el nombre de la organización). ¡Somos los buenos/malos!" que también sufrió la nueva película de Mortal Kombat. Uno comienza a preguntarse por qué se supone que deben estar allí durante el resto de la película ya que nunca se integra orgánicamente en la historia. Entendiendo que están haciendo esto para configurar futuros encontronazos entre el G.I. Joe y Cobra, honestamente, podría haber funcionado mejor en otra entrega (siempre y cuando no sean como las dos que salieron en el 2009 y 2013).

Lo feo

Las escenas de acción: Como se mencionó anteriormente en esta reseña, las películas de acción no solo viven y mueren por sus personajes y coreografías, también necesitan una gran edición y trabajo de cámara para sentir la sacudida de energía en toda la audiencia. Snake Eyes no recibe mucho de los dos últimos, ya que el director Robert Schwentke tomó la desafortunada decisión de usar cortes rápidos y "shaky-cam" para filmar sus escenas de acción. El trabajo de cámara de esta película es el equivalente a los primeros planos de Tom Hooper en su adaptación de Les Miserábles donde es tan excesivo que apenas se ve lo que sucede en el entorno de los personajes en ese momento en particular en el que están más en peligro. Es bastante fácil ver que las escenas de acción son conceptualmente interesantes, pero se presentan como ininteligibles y difíciles de digerir. Las peleas terminan abruptamente o ni siquiera se muestran, lo que hace que las apuestas de los personajes rara vez se alineen con lo que ocurre en la pantalla. Al final, este es el aspecto más decepcionante de la película, ya que hace que la experiencia de ver la película sea tan interesante como ver una "story" de Instagram de alguien corriendo.

Al final, si sientes que esta película es un comercial para que los niños/niños de corazón compren juguetes, no estás solo. Snake Eyes es una película que probablemente debería haberse beneficiado de usar los talentos de sus protagonistas en su beneficio que usar esta película como plataforma de lanzamiento para un universo cinematográfico más grande debido al capricho del estudio de intentar jugar con los demás. ¿A algunas personas les gustará esta película? Probablemente; tiene espadas, ninjas y cosas que hacen "boom". Pero mi mano no tiembla cuando digo que esta es probablemente la película más decepcionante que he visto desde que regresamos a los cines (aparte de Mortal Kombat y F9).

Rating: C-

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Reseña de Space Jam - A New Legacy: Güiriiiiita

 

Escribir sobre una película para niños es posiblemente una de las cosas más difíciles de hacer como crítico de cine. Uno tiene que entender que A. es posible que la película no se haya dirigido a usted como un adulto que ha tenido una experiencia de vida más larga que la audiencia a la que están dirigidas estas películas, con todas las pruebas y tribulaciones que vienen con eso y B. que no todas las películas están dirigidas a todos los públicos. Es por eso que hay mejores películas para niños dirigidas a toda la familia (vea el 97% de todas las películas de Pixar) que otras (vea la última película de Tom y Jerry). Space Jam - A New Legacy intenta lo mejor que puede para lograr ser parte de lo primero, pero se acerca más a lo segundo, ya que Warner Bros produce esta película como la máxima exposición de marca para ellos mismos.

El disciplinado campeón de baloncesto e ícono mundial LeBron James (interpretándose a sí mismo) y su hijo más joven y ficticio, Dom (Cedric Joe), que sueña con ser un desarrollador de videojuegos en vez de baloncestista, se encuentran atrapados en el servidor Warner 3000, un espacio virtual gobernado por una inteligencia artificial tiránica llamada Al-G Rhythm (Don Cheadle). Después de que Dom es capturado, LeBron debe salvarlo y regresarlo a casa sano y salvo al vencer al algoritmo personificado en un juego de baloncesto. Después de no poder reclutar a otros personajes famosos de Warner Bros, LeBron debe formar un equipo con los notoriamente indisciplinados Looney Tunes para vencer a AI-G, su Goon Squad, y así poder salvar a su hijo.

Lo bueno

LeBron - 1, Jordan - 0: Aunque hay un espacio en mi corazón para el "clásico" de los noventa, Space Jam, hay muchas cosas que no funcionan al respecto. Una de los más evidentes es su estrella, Michael Jordan. Sí, su Royal Airness no es un buen actor. Impactante, ¿verdad? Simplemente se veía incómodo en el 86% de sus escenas, que son principalmente cuando no está haciendo aquello en lo que es bueno, el baloncesto. Por el contrario, LeBron James se siente más cómodo no solo interactuando con Bugs, Daffy, Tweety y el resto de la pandilla de los Looney Tunes, sino también con Dom. Sientes que se preocupa por él, su conexión y su futuro como familia. ¿Es un actor fantástico? No, hay un par de escenas que me hicieron relinchar un poco, ya sea cómico o dramático, pero al menos él ancla la película mientras hay un mundo de locura a su alrededor. También le gusta burlarse de sí mismo, de su carrera y no tiene miedo de entender que si juegas con estos personajes tienes que ser parte o al menos el blanco de las bromas, algo que Jordan y su marca no permitieron hacer en la primera película. Aunque lo prefiero como actor secundario como lo que hizo en Trainwreck y que entre las dos películas ha interpretado solamente a una versión ficticia de él mismo, ahora hay evidencia subjetiva sobre al menos una cosa que LeBron es superior a Jordan.

Una historia real: Otra cosa que la película original no tiene es una historia con una estructura de trama real. Incluso volviéndolo a ver antes del lanzamiento de A New Legacy, en su mayoría se sintió como un pitch con un montón de slam-dunks (la idea de la película surgió después de un comercial de McDonald's de Michael Jordan contra Bugs Bunny después de todo) cosido con el retiro de Jordan del baloncesto, los deseos de su padre después de su prematura muerte y su carrera en el béisbol como telón de fondo. Con esta película, puedes sentir que hay algo en juego e incluso corazón: Lebron y Dom no están conectando porque el nene quiere salir de la sombra de su padre y hacer lo suyo, lo cual es difícil de considerar para cualquier padre (Lamento haber sido bien malo en el béisbol, papi. Claramente prefería las películas). Llega hasta el punto que uno como audiencia se puede preguntar "¿LeBron James es un padre malo?".Se puede decir que la película es muy similar a Hook en muchos aspectos, incluyendo la forma en que terminan sucediendo las cosas, pero también está el lado de la historia de los Looney Tunes en el sentido de que Bugs ha estado solo durante años, estando en un estado mental que es aún más loco que de costumbre, y que haría cualquier cosa para volver a unir a su familia (aunque no a Pepe Le Pew por razones un tanto discutibles). Esto solo hace que la película aterrice un poco más fácil de lo que uno hubiera pensado o incluso hubiera dado crédito.

Estilos de animación: Con toda la propiedad intelectual integrada en esta película, a la que llegaremos más adelante en esta revisión, fue genial ver al director Malcolm D. Lee ser flexible en cuanto al uso de la animación a lo largo de la película. Cuando la película pasa de un mundo a otro, obtienes diferentes estilos de animación. Por ejemplo, el diseño del panel de cómics para DC Comics World mientras intentan reclutar a Superman y la Liga de la Justicia para el equipo como el estilo clásico de Looney Tunes para su propio mundo. Simplemente combina perfectamente. De hecho, una vez que pasan a la sección más animada por computadora de la película, se siente suave y que están en el mismo plano de existencia que James. Toda la pandilla, e incluso algunos personajes de otros mundos, se sienten realistas hasta el punto en que sientes que puedes tocarlos. Era vibrante, hermoso a la vista e incluso reverente a los estilos de animación de antaño.

Lo malo

El juego: El plato principal de ambas películas es ver el juego de baloncesto del siglo: uno de los mejores jugadores de todos los tiempos y los Looney Tunes contra un equipo con las habilidades de los contemporáneos del jugador (piense en Charles Barkley y Patrick Ewing para Jordan al igual que Klay Thompson y Anthony Davis para James). Pero lo que le daré a la primera película una ventaja por encima de esta es que el juego es en más emocionante. Para entretener a los niños, los seis guionistas dieron al juego las reglas de un videojuego, debido a la capacidad de Dom para diseñar este tipo de entretenimiento a una edad temprana. El problema es que el juego es algo difícil de seguir dado que no tiene ninguna regla. Podemos debatir todo el día si la primera entrega tenía reglas dado a que Bugs Bunny cruza la cancha en un Vespa para hacer una asistencia, que no hubiesen botado a Tweety después de caerle encima a todo el equipo contrincante, ó que tanto Elmer Fudd como Yosemite Sam no recibieron faltas personales después de dispararle en los dientes a uno de los alienígenas mientras están disfrazados de Samuel L. Jackson y John Travolta en Pulp Fiction, pero al menos tenía consistencia en todo. Las reglas de baloncesto de A New Legacy son muy inconsistentes, desde los puntos de estilo que son a 75 puntos hasta el uso de un personaje que usa literalmente el poder de detener el tiempo para anotar un canasto. Si bien entiendo que todos estos tecnicismos están ahí para ayudar a James a comprender que tienes que dejar que los demás sean ellos mismos (algo que el verdadero James podría necesitar entender para ganar otro campeonato), simplemente le quitó el viento, así como toda la buena voluntad que la película había adquirido hasta ese momento.

Lo feo

Into the IP-Verse: Lo más atroz que hace esta película es incluir cada propiedad intelectual que tienen y su madre en esta película. En un momento en el que todo tiene que tener un (inserte la marca aquí)-verse, es increíblemente cuestionable hacer eso con los Looney Tunes. Muestra que Warner Bros. no estaban seguros de que fueran suficientes para entretener a los niños, por lo que tuvieron que agregar a personajes de Harry Potter, The Wizard of Oz y Hanna-Barbera. Y aunque no son relevantes para la trama, ya que aparecen en el exterior del encuadre, molesta increíblemente ver a The Wicked Witch of the West, Los Jetsons, el equipo de Quidditch de Slytherin y Pedro Picapiedras detrás de AI-G durante la juego porque sí. Sin embargo, esta acción plantea la pregunta: Al final, ¿para quién es esta película? ¿Niños o adultos? Si se hubieran quedado con los personajes mencionados anteriormente, entendería que la mayoría de los niños han visto o al menos escuchado de ese tipo de películas y programas. Sin embargo, la película toma la decisión de agregar referencias de películas y programas que creo que ningún niño habría visto a una edad tan temprana tanto contemporáneos como de décadas antes de que nacieran: Mad Max, The Matrix, Austin Powers, Game of Thrones, IT, entre otros. Incluso conozco a adultos que nunca han oído hablar de Casablanca o The Maltese Falcon, dos películas clásicas que tienen referencias aquí y que podrán ver por HBO Max después de ver esta (aunque algunos no lo harán porque "son en blanco y negro". #ChanguitoCity). Uno no quisiera comparar esta película con Ready Player One, que tiene una situación similar a esta en términos de easter eggs, pero al menos Spielberg entendió que los personajes principales y la historia eran más importantes que "¡Hola chicos, miren aquí! Tenemos a Magilla Gorilla y King Kong en el mismo frame! Que cool, ¿no?". Simplemente no le hizo ningún favor a la película.

En las palabras inmortales de Ernesto Díaz González, Space Jam - A New Legacy es una "¡güiriiiiiiita!" en vez de un slam dunk, pero eso implica que esto es una forma consistente de encestar la bola en el canasto. Hay suficientes momentos de diversión y corazón para mantener entretenidos tanto a los padres como a los chiquillos durante toda la duración. La película equilibra bien la acción caricaturesca, la dinámica familiar y la locura que viene con una marca como Looney Tunes, aunque hay cosas que hacen que toda la experiencia se sienta un poco como un comercial para el estudio y sus propias marcas. Como mínimo, se podría decir que la película, de nuevo con las inmortales palabras de Díaz González pero invertidas, al menos "... mete un coco en un jacuzzi".

Rating: B-

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MovieRankings: Las mejores y peores películas del 2021 hasta el momento

Después del año que cambió la vida de todos, es bueno ver una especie de cambio de rumbo. Estamos viendo oficinas, centros comerciales, lugares de entretenimiento, restaurantes y bares abiertos a más capacidad a medida que las personas continúan vacunándose (si no lo ha hecho, hágalo para que todo pueda abrirse más rápido). Entre algunos de los lugares que continúan abiertos, se encuentran los cines. Sí, después de un año de verse sometido a ver la mayoría de las películas desde su hogar, ahora tienes la opción de hacer ambas cosas: quedarse en casa y ver una película o ir al cine a ver lo mismo en una pantalla más grande. Cuando cruzamos la mitad de camino hace aproximadamente una semana, pensamos que es hora de compartir algunas de nuestras películas favoritas, y no tan favoritas, del año que hemos visto en los cines y en casa.

Aunque todavía nos falte la segunda mitad que incluye películas como Shang-Chi and the Legend of the Ten Rings, Eternals, Venom: Let There Be Carnage, The King's Man, No Time to Die, Dune, West Side Story y otras que podrían estar nominadas para los Óscars, entendemos que ya tenemos material suficiente para componer una lista de este calibre. Como todo MovieRanking, estas fueron escritas en un papel por cada integrante y se les hizo un ranking usando promedios, convenciendo y chantajeando uno al otro. La lista es nuestra opinión sincera y no la lista definitiva de todos los tiempos. Sabemos que hay personas que tiene opiniones diferentes y eso está más que bien porque todas las películas son subjetivas. Para los curiosos, encima de cada título, les dejamos o la reseña o mini-reseña de cada una por si quieren adentrarse más hacia por qué nos gustó/no nos gustó tanto la película.

Las peores

Menciones despreciables: Yes Day, Voyagers y The Woman in the Window

5. Thunder Force

Puedo ver por qué a la gente le gustaría trabajar con su pareja: un horario de trabajo similar, el uso de un solo carro, mantiene a la familia un poco más unida, etc. Pero, por el amor de Dios, ¿alguien puede decirle a Melissa McCarthy que deje de trabajar con su marido, Ben Falcone? Estos han hecho tres películas como pareja de director/actriz antes de esta, que van desde simplemente ok (Life of the Party) hasta horrible (Tammy). Thunder Force es un nuevo punto bajo en esta asociación, ya que derrocha por completo no solo el talento de McCarthy, una actriz que está dotada en términos cómicos y dramáticos (solo pregúntele a sus dos nominaciones al Oscar), sino también a Octavia Spencer. Esta "parodia" del género de superhéroes es a la vez aburrida y poco original, ya que algunos de los chistes se han hecho, y han tenido éxito, en mejores películas como The Incredibles, Megamind y Kick Ass, por mencionar algunas. Si no fuera por Jason Bateman y sus manos de cangrejo (posiblemente lo más memorable de la película), Thunder Force habría estado mucho más abajo en esta lista.

4. F9 - The Fast Saga

Como fanático de las películas 4-8 y entendiendo que ser "ridículamente exagerado" forma parte del ADN de la franquicia, puedo decir honestamente que F9 me perdió como fan. Las películas anteriores remolcaron la línea entre estar ambientadas en una especie de verosimilitud con la realidad y la parodia. Y aunque tiene un par de buenas escenas (particularmente la escena posterior a los créditos y la promesa que trae consigo), la novena entrega tomó un giro a la izquierda hacia un territorio ridículo con decisiones alucinantes en la historia, en las escenas de acción y en el diálogo. Simplemente ya no es divertido cuando solo tienes a Vin Diesel esparciendo por toda la pantalla con lo que él cree que es divertido.

3. Mortal Kombat

Los problemas con Mortal Kombat son evidentes en la primera combinación de director y escritores. Lo que comenzó como una película sólida en su primer acto se convierte en una lista de verificación interminable de fanáticos que solo cree que esta película es para una sección determinada de la población y no para aquellos que están dispuestos a darle una oportunidad. Es como si solo estuvieran concentrados en momentos en lugar de contar una historia coherente, o lo más coherente posible considerando que esta película trata sobre un torneo interdimensional de artes marciales (que ni siquiera sucede). Esta película es el equivalente a ir a Baskin Robbins y conseguir vainilla en lugar de uno de los otros 30 sabores que tienes a tu disposición. Con eso quiero decir que tomó el camino más fácil para complacer a los fanáticos incondicionales y tener muy buenas escenas de acción, pero no construir un mundo o seguir personajes interesantes.

2. Locked Down

¿Recuerdas cuando empezaron a hacer películas sobre los ataques del 11 de septiembre alrededor de cinco años después? Algunas personas sintieron que era demasiado pronto y que los estudios estaban abriendo heridas que apenas comenzaban a sanar. Ahora imagínate que después de un año alguien decidió hacer una película sobre la pandemia DURANTE dicha pandemia. No busques más porque tenemos a Locked Down, una película tan desconectada de la realidad y engreída que se convierte en una excusa para que los famosos se rasquen el deseo de actuar después de un año muy difícil hasta que se puedan poner en marcha grandes producciones. ¿Era necesario ver a Ben Stiller a través de una llamada fallida de Zoom? No. No, no lo fue. Esta es una de esas películas que simplemente representa de lo que habla la gente cuando dice que Hollywood está "fuera de contacto" con el resto del mundo. Bueno... esta y la versión de Imagine de Gal Gadot en Instagram (también durante la pandemia).

1. Chaos Walking

¡Qué mal año para ser Doug Liman! No solo hizo la segunda peor película del año hasta ahora, sino que también hizo Chaos Walking, que es la peor. Plagada de una serie de problemas de producción y que salió unos 5-6 años demasiado tarde del boom de las películas juveniles, esta adaptación es apenas especial, interesante o incluso entretenida. Con dos actores talentosos a la cabeza como Tom Holland y Daisy Ridley, uno pensaría que al menos llevarían la película en la espalda dadas películas como Spider-Man y Star Wars. Desafortunadamente, tienen la química de dos troncos de árboles entre ellos. Chaos Walking es una película que se siente demasiado calculada para su propio bien, como si este tipo de película tuviera una fórmula. Esto solo empeora cuando empiezas a notar que esta película no tiene norte. Si hay algún consuelo, al menos terminar de filmarlo, intentaron arreglarlo y lo estrenaron en su forma más definitiva y gratificante. Eso es todo lo que puedo complementar este bote de basura.

Las mejores

Menciones honorables: Tina, Operation Varsity Blues y Rita Moreno: Just a Girl Who Decided to Go For It

5. A Quiet Place Part II

La película que saltó a la taquilla y reabrió extraoficialmente las salas de cine es casi tan buena como la primera. Pero eso no significa que A Quiet Place Part II sea una mala película. De hecho, es una de las mejores hasta ahora y una secuela que vale la pena adoptar y construir sobre el nombre de la original. No solo está bien dirigida por John Krasinski, sino también increíblemente bien actuada por su elenco, en particular Millicent Simmonds. En este punto, honestamente, no sé si fue la adrenalina que dio el silencio al igual que estar de regreso en los cines con el público (obviamente, lo más seguro posible dado que todavía estamos en una pandemia) o si solo fue el hype de ver una película que debimos haber visto en marzo del 2020, pero esta secuela es simplemente una de las mejores hasta ahora.

4. Landfall

Landfall me sacudió hasta la médula. La película trata sobre las ramificaciones del huracán María y cómo eso se intensificó y aceleró, no solo la renuncia de Ricardo Roselló, sino el éxodo de muchos de nuestros hermanos y hermanas, la llegada de extranjeros con dinero que no solo busca invertir pero también aprovecharse de todas las oportunidades que ven al mudarse aquí y lo que ambos significan para el futuro de la isla. El documental de la directora Cecilia Aldarondo es inquietante en términos de mostrar que todavía estamos en las secuelas del huracán y es una señal de advertencia de lo que podría suceder si nosotros, como ciudadanos, no somos cuidadosos en términos de elegir a nuestros políticos y proteger lo que lo que es nuestro. Al igual que Todos íbamos a ser reyes el año pasado, esta película también demuestra el talento que tiene Puerto Rico en términos de crear documentales reflexivos y motivadores, y espero que sigan creando películas como esta para que el mundo las vea.

3. Raya and the Last Dragon

Lo que sea que Chaos Walking hizo mal en términos de películas de acción y aventuras distópicas, Raya and the Last Dragon compensó el error del primero. Podría decirse que Disney mostró cómo reconstruyó hábilmente su propia fórmula de película animada (como también lo ha hecho con películas como Tangled y Frozen) con estos personajes: Raya no solo es la hija del jefe, sino también su propio héroe, Tuk Tuk es el adorable animal casi requisito al igual que vehículo de transportación, Sisu es tanto el alivio cómico como el corazón de la película, entre muchos otros ejemplos. Esta película no solo es hermosa de simplemente ver con el volumen apagado, sino que también puede servir como una introducción perfecta a la política para los niños, mostrando que aunque muchas tribus tienen sus propias ideologías sobre lo que sería un mejor futuro, es importante que la confianza esté en el centro de todas las negociaciones. ¿Es una enseñanza inocente? Definitivo, pero todos debemos empezar a aprender esta lección de alguna manera.

2. The Mitchells vs. The Machines

Cuando hablamos de las mejores películas animadas del año, estas suelen provenir de Disney (como lo fue Raya) y Pixar. Pero Netflix y Sony Pictures salieron de la nada con The Mitchells vs. The Machines, una película que es la única queja es que es tan graciosa que tendrías que ver la película dos o tres veces para escuchar todos los chistes porque te estabas riendo fuerte la primera vez. El equipo detrás de The Lego Movie y Spider-Man: Into the Spider-Verse dio todo lo que tenían con una película completamente original sobre conectarse con su familia y desconectarse de la tecnología. La película es implacablemente divertida e inventiva de principio a fin, con personajes y secuencias memorables y un nivel de comedia que no cree que su público sea estúpido en absoluto. Se necesitará algo increíblemente especial para sacar esta película de la lista de las 10 mejores películas del año una vez que llegue diciembre.

1. In the Heights

Aunque en el contexto la película puede resultar un poco problemática en términos de representación para un determinado sector de la población, In The Heights triunfa en muchos sentidos. No solo presenta a los personajes con sueños, así como sus continuas luchas por llegar allí (Usnavi queriendo mudarse a la República Dominicana, Vanessa buscando ser una estilista fuera de su comunidad, Benny queriendo ser más exitoso, etc.), sino que el director Jon M. Chu combina simultáneamente los pensamientos casuales, vividos e íntimos de dichos personajes con una mezcla de muchos géneros musicales a través de gestos amplios, coreografías fantásticas y lógica onírica. Esta adaptación de la carta de amor de Lin-Manuel Miranda a su comunidad está tan llena de energía que si no terminas la película bailando en los pasillos o en tu sala me haría cuestionar si incluso viste lo que creo que es la mejor película del año hasta ahora.

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Reseña de Black Widow: La mejor película de superhéroes del 2013

 

Ha pasado demasiado tiempo para que se desarrolle, produzca y estrene una película de Black Widow, sin contar la pandemia. El personaje se presentó por primera vez hace más de una década en Iron Man 2, realmente se destacó tanto en The Avengers como en Captain America: The Winter Soldier, y se ha convertido en un personaje secundario constante en las películas de otros personajes, mientras que personajes como Iron Man, Captain America y Thor recibieron múltiples películas con historias y desarrollo interesantes. Ahora, después del hecho de que Marvel oficialmente mató a Natasha Romanoff a 3/4 de la duración de Avengers: Endgame, llegó el momento de profundizar aún más en la asesina/espía favorita de todos. ¿El resultado? Una película de acción sólida con momentos introspectivos y profundos que se siente fuera de tiempo en el contexto de dónde estamos como audiencia dentro de este universo.

Después de que los Avengers se disolvieron debido a los eventos de Captain America: Civil War, Natasha Romanoff (Scarlett Johansson) está huyendo de las autoridades bajo la dirección del Secretario de Estado estadounidense Thaddeus 'Thunderbolt' Ross (William Hurt). Aunque todavía quiere permanecer oculta, Natasha debe enfrentarse a partes de su 'ledger' cuando una peligrosa conspiración con vínculos con su pasado ha regresado para perseguirla. Para lograr esto, la superespía debe reparar las relaciones rotas y las heridas que vinieron con eso con su familia adoptiva (Florence Pugh, Rachel Weisz y David Harbour) mientras son perseguidos implacablemente por el general Dreykov (Ray Winstone) y su lacayo, Taskmaster.

Lo bueno

La evolución del personaje: En lo que parece ser su última vez en la pantalla grande, es importante mirar hacia atrás y pensar en todas las cosas que llevaron a este momento para el personaje. Cuando fue presentada en el 2010, Natasha era simplemente un objeto sexual para Tony Stark, y el público en general, decir "¡Diablo, que buena está!". Ella no tenía mucho carácter; ella simplemente estaba ahí en el fondo. Afortunadamente, a medida que avanzaban las películas, el personaje se vuelve mucho más interesante, mucho más ruda e incluso más agradable, ya que demostró que era una fuerza dominante en un grupo cuya lista incluye un supersoldado, un dios, un multimillonario. y un monstruo descomunal (además de Hawkeye). También sabemos que el personaje hace su gran sacrificio para traer de vuelta a todos los que se perdieron después del chasquido de Thanos. Lo que hace que esta película se destaque es que toma todo lo mencionado anteriormente y le da más seriedad: ahora sabemos por qué tiene la piel de cuero, entendemos por qué es una fuerza a tener en cuenta, por qué es una líder entre sus compañeros y, especialmente, la lógica detrás de lo que hizo en Endgame. Sabemos que Scarlett Johansson da el 101% cada vez que aparece en la pantalla como Black Widow, así que en lugar de felicitarla por mil millonésima vez, celebremos el legado y la evolución de un personaje que se ha transformado de un objeto sexual inicial a uno con extrema seriedad. 

La familia es una institución: El casting nunca es un problema dentro de las películas de MCU, ya que generalmente están en su punto 99.9% de las veces. Por lo tanto, no sorprende que los actores que interpretan a la familia adoptiva de Romanoff se destaquen. Cada uno de los tres recién llegados tiene una química profunda entre ellos, y cuando estos, junto con Natasha, están juntos en una escena, es lo más fantástico posible. Melina de Rachel Weisz es inteligente y sofisticada, no solo en su trabajo como científica, sino incluso en sus escenas de acción. Ella realmente le da un poco de clase a la película, que es un poco rígida en el estilo en que se grabó. David Harbour como el Red Guardian, la respuesta de Rusia al Capitán Rogers durante la Guerra Fría, realmente te conquista principalmente a través del humor sobre querer revivir sus días de gloria y el tratar de restablecer su relación con sus hijas incluso después de uno ser testigo de una decisión imperdonable que este toma al comienzo de la película, vista a través de los ojos de una niña y su hermana. Lo que me lleva al MVP de la película: Florence Pugh. Como Yelena, Pugh sobresale en todas las facetas que desearías de un personaje en una película de MCU. Es divertida, peculiar, tiene grandes escenas de acción, tiene emociones profundas, etc. Pero lo que realmente me convenció es que sentí que ya Yelena se sentía vivida; casi como si hubiera conocido a este personaje desde la primera película de Iron Man. Ella es una niña en el cuerpo de una asesina, y no puedo esperar a ver a dónde van a llevar Kevin Feige y su equipo creativo su historia en el futuro. Ahora, como unidad, estos personajes se sienten humanos. Claramente se han lastimado el uno al otro y saben cuales botones presionar para que la otra persona se enoje o esté dispuest@ a pedir perdón, pero también se preocupan por las personas que el otro fueron en el pasado. El guión de Eric Pearson puede ser un poco trillado en ciertas áreas, pero no falla en términos del ángulo familiar. El elenco termina el trabajo elevando las palabras escritas en el guión.

Mission: Impossible - Family Protocol: Con los éxitos a través del elenco principal, todo comienza a encajar. El humor es más natural, las interacciones de los personajes uno a uno se sienten más profundas. Pero, sobre todo, la acción golpea con más fuerza. La directora Cate Shortland se destaca en esos momentos más pequeños, sin embargo, es su dirección en las grandes escenas de acción lo que hace que esta película relativamente más pequeña (una vez que la comparas con otras películas dentro de este universo como Infinity War) se convierta en un gran espectáculo de acción. Como mi amigo astutamente señaló, la inspiración de Shortland proviene claramente de películas como Mission: Impossible y James Bond, esta última particularmente de Moonraker, que recibe su propio pequeño homenaje dentro de la película. Las escenas de acción son intensas y suspensivas, o tan llenas de suspenso como pueden ser, ya que sabemos que nuestra Black Widow no muere aquí, pero siempre fluyen. A diferencia de F9, sabes dónde están todos y qué están haciendo, por lo que se siente como una experiencia mucho más limpia. Shortland definitivamente entiende la fórmula de las películas de acción: si te preocupas por los personajes y cuál es su misión respectiva, también te preocupará que sobrevivan cada puño, patada, bomba y disparo que se les envíe.

Lo malo

La mejor película de superhéroes del 2013: Si bien disfruté de la película, no puedo evitar preguntarme por qué tomó tanto tiempo hacerla. Aparte de que el exjefe de Marvel, Ike Perlmutter, es el mayor obstáculo, hasta el punto en que dijo que una película de Captain Marvel o Black Panther nunca harían dinero (ambas hicieron sobre mil millones de dólares en la taquilla, además de Black Panther ser la primera película de superhéroes en ser nominada a Mejor Película en los Oscars) al igual que parar la producción de los juguetes de Black Widow porque los niños nunca jugarían con un juguete de un personaje mujer, esto se siente como una película que debería haberse estrenado en la época en que se estrenaron Thor: The Dark World, Captain America: The Winter Soldier y la primera película de Ant-Man (2013-2015) cuando lo que estaba en juego era relativamente menor que donde estamos actualmente. Y no es nada en contra de una película de menor importancia, porque no todo tiene que ser "salvemos el mundo de un antiguo mal/alienígena/dios/agencia/terrorista/entidad cósmica empeñado en destruirlo", es solo que se sentía como algo de una era pasada dentro de este universo que el gran primer paso hacia la Fase 4 de la MCU que quizás una película como Spider-Man: Far From Home (considerada por mucho como un epílogo a todo lo que ocurrió antes en vez del comienzo de una nueva fase) pudo haber sido.

Lo feo

Los malos: Marvel ha estado en racha con sus villanos en las últimas dos películas. Ya sea Thanos, Loki, Killmonger, Alexander Pierce, Vulture, Mysterio, Hela o Ego, no solo son malvados y son interpretados por grandes actores, sino que también tienen momentos para respirar y mostrar su punto de vista ya que los mejores villanos tienden a pensar que son los héroes de su propia historia. Desafortunadamente, no lo conseguimos ni con el General Dreykov ni con Taskmaster. Y no es que estén mal interpretados, es solo que el guión los hizo muy genéricos, lo cual es desafortunado considerando que Marvel había pasado esa era de villanos olvidables (Whiplash, Malekith, Yellowjacket, Kaecilius). Dreykov es un villano del montón de James Bond con Taskmaster funcionando como su Oddjob o Jaws. Pero aparte de no tener mucho que hacer, su pecado capital, particularmente con el último villano, es que no se les da mucho tiempo en pantalla. Eso se hace evidente cuando la película plantea la pregunta de quién es la persona detrás de la máscara, pero no se molesta en mostrar al villano y/o compartir pistas sobre quién es por aproximadamente una hora. En esa cantidad tiempo ya es probable que hayas olvidado quiénes son los villanos. Una vez más, no es que se hayan actuado mal; solo que debieron haber tenido más presencia en una película de dos horas y quince minutos.

Si te pones a pensar, es interesante ver cuántas de las franquicias gigantes con algunas de las escenas de acción más emocionantes (piensa en Star Wars y Fast & Furious) son realmente sobre familias, tanto de la que naciste como en la que tú escoges formar parte de. El MCU tomó este concepto y lo siguió en esta película en gran medida, lo que mejora las secuencias de acción. Aunque parece que ya pasó su fecha de expiración en términos de dónde se coloca la película en el canon de la franquicia y cuándo llegó a  estrenar, Black Widow sigue siendo una mezcla divertida de thriller de espías y lazos familiares que se ve muy bien en una pantalla de cine. Si usted y su familia están vacunados y/o toman las debidas precauciones, este sería una buena opción para matar el tiempo con aire acondicionado dándote en la cara un ratito mientras te proteges del sol veraniego.

Rating: B

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